Una de las cosas más memorables dentro del recuerdo del animé en un tono más “hardcore” en los noventa era lo impredecible que podía aparecer en tu vida, considerando que el internet a nivel masivo estaba recién naciendo: podía ser un VHS, podía ser un ciclo de animé o incluso podía ser una rara película que dieron alguna vez en TV y que fue estrenada en el horario y canal menos esperado… y esa fue la experiencia que me tocó con el filme de animé que hablaremos el día de hoy.

En este episodio de Otaku no Shouzou conversamos sobre Vampire Hunter D, la película de 1985 creada por Ashi Productions quienes observando cómo se estaba moviendo el lucrativo y recién inaugurado mundo de los OVAs decidieron escapar de su temática infantil del pasado y entrar con una producción directa al VHS, todo con el objetivo de sorprender a su público con una obra con ciertos niveles de violencia y temáticas que todavía no eran tan comunes y que querían escapar de la censura de la TV. Esta película fue basada en unas novelas de Hideyuki Kikuchi (quien también es el creador de Wicked City y Demon City Shinjuku, dos obras que igualmente fueron adaptadas al mundo del animé por el inconfundible Yoshiaki Kawajiri y que tomaría las riendas de Vampire Hunter D a futuro) donde en una intensa mezcla de vampiros, paisajes góticos y europeos, western e incluso cyberpunk dieron como resultado a una producción cinematográfica que no cayó a los cines per se en su país natal pero que dejó un enorme legado al otro lado del charco, donde al ser adquirida por Streamline Pictures (del controversial Carl Macek) se transformó en una de las primeras producciones de animé dirigido a un público adulto y dentro de círculos más vinculados al cine arte que generó un gigantesco culto en Estados Unidos, culto que incluso han intentado seguir cultivando hasta el día de hoy.

Y lo de Kikuchi no se queda solo en lo anecdótico: la película fue basada en el arte que traía las novelas, las cuales fueron ilustradas por el gigantesco y enormemente querido Yoshitaka Amano quien ya era muy famoso en Japón en ese entonces pero que años después se volvería una eminencia en occidente por su trabajo de diseño de personajes en Final Fantasy. Si eso es poco, Ashi Productions en la mentalidad “necesitamos una película violenta y transgresora” decidieron contratar para su dirección al fallecido Toyoo Ashida quien en ese entonces era el director de la serie de TV de Hokuto no Ken… y que es algo que en esta película se nota a mil kilómetros de distancia. Si a eso le sumamos la música del actualmente multimillonario Tetsuya Komuro de TM Network (quien iba en camino a crear uno de los temas de animé más exitosos a nivel comercial en Japón de todos los tiempos) da como resultado a un staff muy memorable.

Durante esta entrega de Otaku no Shouzou como es común hicimos nuestro repaso por cómo la conocimos, su creación y parte de todo el éxito que fue Vampire Hunter D en occidente, al punto que exclusivamente por este motivo nació Vampire Hunter D Bloodlust el año 2000 (que de seguro la hablaremos a futuro, justo entrando a duras penas a nuestra temática en el podcast), aunque probablemente una de las cosas más curiosas fue cuando comenté que debido a muuuuuucha suerte en la vida vi esta película siendo muy joven, en 1995, sin estar todavía 100% sumergido en el mundo del animé a nivel “otaku”, cuando fue mostrada en nada más y nada menos que Cartoon Network en el ciclo Night of the Vampire Robots, muchísimo antes de la existencia de Toonami o Adult Swim. También como deben estar imaginando hablamos de la película con lujo de detalles, además de otros temas que se dieron en el camino como nuestro respeto y admiración al trabajo de Amano en cosas como Angel’s Egg (que estúpidamente le digo “Angel’s Eyes” en varias oportunidades en el programa, que es el juego de peleas de Tecmo y pido disculpas de antemano por la confusión derp), entre otras cosas.

¡Como siempre yo y Pau esperamos que lo disfruten!

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BONUS: Toyoo Ashida no tuvo ningún problema en demostrar que era el director de Hokuto no Ken durante el OVA y esto no solamente se despliega en su estilo que es inconfundible sino que además incluso Kenshiro y Lynn tienen cameos, que lo destacamos acá con estas imágenes.

Una de las cosas bellas de la experiencia otaku de los noventa, especialmente en su segunda mitad, fue la llegada de una variopinta selección de series de manga y animé los cuales parecían tener ciertas tendencias a lo erótico y mucho más oscuras y retorcidas en trama que el promedio pero que a la vez estaban dirigidas al público femenino, algo normal en Japón desde los setenta pero que por acá no dejaba indiferente a nadie en esos años. Debido a ese material existió (¡y todavía existe!) un grupo específico del mundo otaku femenino el cual gozaba casi en exclusiva de este tipo de contenido, por lo que precisamente gracias a ese público fue el que yo llegué a la serie de animé que conversamos el día de hoy en nuestro hermoso podcast.

En esta oportunidad en Otaku no Shouzou conversamos sobre Shamanic Princess, una producción de Triangle Staff dirigida exclusivamente al mercado de los OVA y que se apuntó seis episodios entre los años 1996 a 1998. Para ese entonces la gente de Triangle, todos ex-Madhouse, recién estaban extendiendo sus alas para realizar series de animé que serían reconocidas particularmente por su experimentación y conceptos poco ortodoxos (como por ejemplo que apenas terminara Shamanic Princess el equipo de Triangle crearía la extremadamente popular Serial Experiments Lain, serie que obviamente hablaremos a futuro) y si bien lamentablemente el estudio cerraría a inicios de los 2000 su legado quedó registrado en la gran mayoría de los fanáticos del medio.

Durante el episodio conversamos sobre este particular acercamiento al género del mahou shoujou donde entre medio de la locura de Sailor Moon en nuestro país y gran parte del planeta Triangle quiso romper el molde y entregarnos una propuesta “edgy” al género, algo que si bien tenemos claro que incluso la propia Sailor Moon lo intentó en algún momento esta visión de Shamanic Princess sobre las chicas mágicas con súperpoderes llegaría con paisajes europeos, peleas con mucha sangre de por medio, rituales paganos y mucho escote. Lo que podría parecer la sinopsis de algo totalmente dirigido al público masculino al final del día da vuelta la tortilla con unos diseños de animé Shoujo extremadamente noventeros, creados por Atsuko Ishida quien antes había sido la diseñadora de personajes y la encargada de adaptar al mundo de la TV la serie Magic Knight Rayearth (conocida en nuestro país con el horrible y genérico nombre de Las Guerreras Mágicas) y que no es una simple anécdota, ya que Shamanic Princess bebe descaradamente de los delicados y complejos esquemas estéticos de Clamp… y sí, prepárense para esos ojos gigantes y esos peinados espectaculares que solo se ven en cosplay.

Como ya deben esperarse hablamos tanto de cómo conocimos estos OVAs y a su vez sobre la producción de estos, su primer episodio con detalle y ya después nos sumergimos en los spoilers con nuestros episodios y momentos favoritos. Cabe destacar que este fue un episodio de Otaku no Shouzou con comentarios más bien polarizados frente a la serie, la cual es por lejos la producción de animé más débil que hemos conversado hasta la fecha en nuestro podcast pero que a la vez tiene ciertos elementos que todavía se rescatan y que quisimos revivir en nuestra memoria, como su impecable trabajo de animación que todavía es muy llamativo.

Como siempre esperamos que disfruten de Otaku no Shouzou y nuestro humilde proyecto hecho por quien les escribe (Hayama) y Pau.

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Una vez más Otaku no Shouzou se lanza de un chapuzón a un animé que fue transmitido en TV abierta en Chile y que fue doblado en latino, algo que de seguro a nadie le va a sorprender que son por lejos nuestros episodios con mayor cantidad de reproducciones. Lo hemos hecho con series como Ranma ½, Tenkuu no Escaflowne, Hunter x Hunter, Ghost Sweeper Mikami y Tenchi Muyo! y en esta oportunidad nos toca conversar de una serie que en algún punto de la vida fue una de las más queridas en nuestro país y que con el paso del tiempo se diluyó un poco porque pasado el 2000 no siguieron doblando más episodios… y ya está a punto de llegar a los 1000 en Japón, lo que genera una flojera absoluta.

En este episodio hablamos de Detective Conan y su adaptación al animé para la TV de este estúpidamente popular manga creado por Gosho Aoyama. Lo de “estúpidamente popular” no es un simple decir: si bien es cierto que fue muy apreciada y tuvo un grupo no menor de fanáticos en nuestro país por otro lado estaba bastante lejos de posicionarse en el Top 3 ni mucho menos, mientras que en Japón hasta nuestros días Detective Conan es un branding que ha traspasado todas las fronteras de lo imaginable y se ha consolidado como una de las creaciones hechas en Japón más lucrativas de todos los tiempos. Actualmente Detective Conan es el quinto manga más vendido de la historia superando a series como Slam Dunk, Bleach, Shingeki no Kyojin o Hunter x Hunter, lo que para la gente que se perdió con lo que pasó post-doblaje en latinoamérica suena difícil de creer.

Como ha sido común en estos casos conversamos sobre cómo conocimos la franquicia (que para algunos tal vez no fue el primer anime que vieron de Aoyama), la creación del manga y su salto al animé y obviamente tiramos al aire nuestros personajes y episodios favoritos, en un episodio cargado de harta nostalgia.

Sin embargo –y de seguro algunos estaban esperando esto– fue absolutamente inevitable conversar sobre la locura del doblaje latino de Detective Conan, ya que por varios motivos (incluyendo su casi nula popularidad en Estados Unidos) pasar al mundo de los episodios en japonés fuera de lo que doblaban acá fue por muchísimos años una experiencia muy complicada de concretar y que no vino a normalizarse de manera más digerible recién a principios de la década pasada, más que nada por la cantidad maratónica de episodios que tiene la serie. Debido a lo mencionado su trabajo de fansub no era una tarea fácil en la década de los 2000s.

Con todo esto encima, conversamos sobre la producción del doblaje que NO está hecho en México sino en Los Ángeles, California por la compañía Point 360 (conocida en esa época como VDI Media) y que si bien varias de las personas involucradas como actores de doblaje hicieron un trabajo profesional lamentablemente hasta nuestros días el trabajo de ellos es recordado por los inolvidables cambios de nombre (Ran Mori a Claudia Guzmán, Kogoro Mori a Carlos Guzmán, Shinichi Kudo a… BOBBY JACKSON ¿¿¿???) y unos impresentables errores de continuidad, cambios de nombres de un episodio a otro sin aviso y caos en la edición de sonido. Una experiencia que es discutida a tono irónico hasta nuestros días, con más de dos décadas encima. Este tema fue “corregido” muchísimos años después cuando la serie volvió a ser adquirida nada más y nada menos que en nuestro país para volver a ser doblada desde el punto que la dejaron tirada… pero eso es post-2000, así que lo tocamos de una manera muy, muy vaga.

En este episodio tuvimos de invitado a Tantei Kid, fanático a morir de Detective Conan que la disfrutó a concho en los noventa y que además es de ese selecto grupo que dio el salto al animé post-doblaje y que va “al día” con la serie, lo que siempre es refrescante de escuchar y conocer. Como siempre yo y Pau esperamos que disfruten de este episodio que fue (¿sorpresa?) el más largo que hemos grabado hasta la fecha, más que nada porque nos llegaron tantos saludos y preguntas que se nos fue un buen tiempo en eso (¡cosa que agradecemos!).

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BONUS: La actriz de voz del doblaje latino de Conan, Marcela Bordes, dio una entrevista sobre su experiencia en el doblaje de la serie para YouTube. Hay un par de puntos que los discutimos en el podcast, agregando también a la conversación unas declaraciones de Rubén Trujillo que también estuvo presente en este doblaje, despejando ciertas sospechas.

Ah y, como real bonus…

Si bien hace un tiempo atrás realizamos un episodio dedicado a Pom Poko ahora en Otaku no Shouzou nos toca por primera vez hablar de una película dirigida por alguien que a estas alturas de la vida no requiere presentación alguna: el legendario Hayao Miyazaki. Lo curioso del caso es que este episodio no está dedicado a ninguna producción realizada por Studio Ghibli sino por nada menos que el debut directorial del mencionado, que estaría alejado de sus propias creaciones y que se concentraría en una franquicia que en ese entonces era un total éxito en Japón pero totalmente desconocida en el resto del mundo, Lupin III.

En esta entrega de Otaku no Shouzou hablamos de Lupin III: El Castillo de Cagliostro, producción cinematográfica exhibida originalmente en 1979, hecha por Tokyo Movie Shinsha y que sería la segunda película basada en las aventuras de Lupin III de Monkey Punch.

Para ese año Lupin III estaba consagrado como uno de los manga más populares de Japón: iniciado en 1967, Monkey Punch trajo consigo la temática adulta al mundo del manga más “mainstream” en su país natal, cosechando un estilo de dibujo situado en la acción, con mucha adrenalina, violencia y erotismo, pero a la vez mezclado con comedia estilo slapstick y situaciones completamente surrealistas que amortiguó su temática más trasgresora e hizo que se transformara fugazmente en un producto popular sin tanta controversia. Su éxito no se hizo esperar y Lupin III cayó al mundo del animé gracias a Tokyo Movie Shinsha en 1971. La popularidad del animé dio como resultado dos temporadas, las cuales junto con Hayao Miyazaki en su trabajo también trajo consigo a talentos de la talla de Masaaki Osumi o Isao Takahata, quienes mezclaron sus estilos. Ya con la consagración de Lupin III en los dos medios, Tokyo Movie Shinsha no se hizo esperar y llevó la franquicia al cine con su primera película conocida originalmente en Japón como “Lupin III” a secas y en el mercado norteamericano como The Mystery of Mamo. La película también anotó otro golazo entre el público y la crítica, siendo en ese entonces una de las producciones animadas más ambiciosas y de alto presupuesto hecho en Japón para ese entonces, por lo que una segunda película no se hizo esperar… solo que vendría a cambiar a Lupin III en muchos aspectos, para bien o para mal dependiendo del gusto.

Durante este episodio hablamos de los puntos que siempre destacamos: cómo conocimos la película, algo bastante importante no solo como experiencia personal sino que para casi todo occidente ya que excluyendo algunos países europeos fue la primera vez que muchos de nosotros vimos algo relacionado a Lupin III en la segunda mitad de los noventa gracias a la llegada de la película al mercado gringo y posteriormente el de España, que por nuestro Chilito pasó en su clásica copia pirata doblada en españolísimo. Posteriormente hablamos un poco de la franquicia Lupin III en una repasada realmente rápida para comprender la existencia del filme en su tiempo. Como es costumbre en la segunda mitad de nuestro programa detallamos la película en extenso con nuestros momentos y personajes favoritos.

Cabe destacar que este repaso también tuvo como conversación el hecho que Cagliostro es una película conocida entre los fans de Lupin III por haber sido 100% llevada a las ideas de Hayao Miyazaki, que si bien fue director de algunos episodios y animador de las series de TV en esta oportunidad el viejo demostró la que iba a ser una de sus facetas clásicas como director: el de no importarle nada de la fuente original y hacer una película a su manera, con su visión personal de Lupin que lo convirtió en un personaje muchísimo más humilde y de buen corazón que en el manga y la serie de TV, trayendo ciertos elementos de guión y mensaje que se repetirían en los próximos proyectos de Studio Ghibli.

Este detalle, que es alabado en occidente, ha generado debates polarizados entre los seguidores más extremos de Lupin, por lo que fue interesante también hablar de todo eso que se generó mayoritariamente en su país de origen. Sea como sea el filme dio como resultado una producción impecable y que es fundamental y esencial para entender lo que haría Miyazaki y sus secuaces a futuro en un filme lleno de colorido, con uno de los castillos más impresionantes animados en ese entonces (muy inspirado en El Pájaro y el Rey de Paul Grimault), acción detallada (que terminó influyendo a muchos directores de animación posteriormente, tanto en Japón como en occidente) y una gran banda sonora compuesta por Yuji Ohno (…que lo menciono acá porque NO LO HABLAMOS EN EL PODCAST, ¡¡ME CASTIGO SEÑOR!!), dejando otra nota alta en una franquicia que hasta el día de hoy sigue siendo extremadamente activa y querida en Japón, más de 50 años después.

Como siempre esperamos que lo disfruten. Este episodio tuvo leves problemas con mi micrófono, pero no es algo tan terrible.

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Cuando iniciamos el proyecto de Otaku no Shouzou entre yo y Pau una de las propuestas que nos impusimos fue no solamente hablar del animé pre-2000 desde una perspectiva de experiencia de la época o unicamente enfrascado en la nostalgia sino también de descubrir y conversar sobre series o películas que lamentablemente por varios factores desconocíamos en ese entonces. Hasta este punto en mi caso personal habíamos conversado casi en exclusiva de animé que experimenté desde el 2000 hacia atrás y que fueron parte fundamental del gusto por este medio, sin embargo hoy al fin llegó el día de hablar en torno a algo que no viví en ese entonces y que, de hecho, no vine a enterarme de su existencia casi dos décadas después.

En este episodio de Otaku no Shouzou hablamos de Stop!! Hibari-kun!, la adaptación a la TV de un manga creado por el talentoso Hisashi Eguchi. Esta mención al autor no es solamente anecdótica, puesto que para muchos en occidente antes de conocer a Hibari ya habían escuchado o disfrutado sobre el trabajo moderno de Eguchi como ilustrador más que nada gracias a su extremadamente popular cuenta de Twitter. Eguchi en su faceta de ilustrador es conocido por ser uno de los casos más impactantes en lo que respecta a “evolución” de su dibujo, empezando en los años setenta como dibujante de manga gag al más puro estilo de series como Tensai Bakabon o Doraemon hasta terminar en una composición de dibujo inspirada en artistas como Roy Lichtenstein, todo esto plasmado en ilustraciones de hermosas mujeres que han cautivado a públicos variados, incluso fuera del ámbito del manga y que ha dejado un legado muy notorio en lo que respecta a dibujo de mujeres (como ejemplo, es más que obvio que Ilya Kuvshinov debe amar a Eguchi).

A pesar de su popularidad como ilustrador lo cierto es que en Japón uno de sus trabajos más queridos y respetados es Hibari-kun, con un manga que nació en 1981 y que debido a su alta demanda publicada en nada más y nada menos que la Shonen Jump terminó cayendo en una serie para la TV de animé producida por Toei en 1983. La serie, que apareció en medio de la explosión de la fama de Dr. Slump, cautivó a todos los que disfrutaban de la comedia absurda japonesa con un slice of life muy entretenido y frenético, bebiendo de la fuente cómica de Akira Toriyama y la construcción de personajes digno de una historia de Rumiko Takahashi, justo cuando también estaba de moda Urusei Yatsura.

Sin embargo la popularidad de la serie no solo tiene que ver con su comedia sino por su temática: Eguchi, en un acto bastante inesperado considerando la década, creó a la protagonista Hibari Ozora como transexual, naciendo hombre pero identificándose como mujer. Este tema que, con toda honestidad, nació exclusivamente por darle un elemento chistoso y de comedia al manga es tocado por Eguchi de una manera tan sutil y entretenida que a ojos del 2020 a mucha gente ahora le parece un animé adelantado a su época, muy a pesar que haya sido casi por accidente mas que por elementos progresivos o sociales. Después de muchos años de obscuridad en occidente con una trama que, seamos sinceros, era absolutamente imposible que la viéramos doblada en latinoamérica y… probablemente en ninguna otra parte, al fin después del lanzamiento de los DVD y Blu Ray el año 2017 la serie fue fantraducida al inglés en su totalidad por Orphan, lo que recién vino a realmente catapultar la fama de Hibari-kun en círculos otaku en internet fuera de su país de origen… y después dicen que los fansubs ahora no tienen razón de ser.

Durante este capítulo de Otaku no Shouzou conversamos sobre la carrera de su creador y de la serie para la TV explicando de qué trata para posteriormente hablar de la serie en extenso, donde el animé llegó a tener 35 capítulos que lamentablemente (y advertimos que NO es spoiler, sino algo técnico) fue abandonada sin un final por una explosión mental y física de Eguchi, en una historia real que también abarcamos en el podcast. Como Stop!! Hibari-kun! es probablemente uno de los episodios de Otaku no Shouzou más “obscuros” que hemos grabado intentamos darle el mayor hincapié a conversar sobre qué trata de manera suave, aunque obviamente al final del programa comentamos nuestros episodios favoritos. También como es costumbre hablamos de la producción del animé y de algunos de sus nombres, donde salta gente desde Toru Furuya hasta incluso Tomoyasu Hotei (el compositor y guitarrista de este tema).

Como siempre esperamos que disfruten de nuestro podcast. Cabe destacar que debido a que Stop!! Hibari-kun! no tuvo un OST oficial y que solamente sacaron los singles de las canciones cantadas colocamos estos temas de fondo, que son solo cuatro y esperamos que no sea muy monótono pero solo suenan de fondo al fin y al cabo.

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BONUS: Hisashi Eguchi fue entrevistado en octubre del 2017 por el interesante canal de YouTube Toco Toco. Muy llamativa para los fanáticos de su obra y de paso conversamos sobre algunos puntos de esta entrevista en nuestro podcast.

Si viviste la segunda mitad de los noventa o estuviste averiguando sobre la experiencia “otaku” de ese entonces de seguro algunos fanáticos o internet te habrá dicho que el “starter pack” oficial en lo que trata de películas de animé de ese entonces era Akira, Ghost in the Shell y… Ninja Scroll, una obra que si bien no tenía los elementos futuristas, cyberpunk y filosóficos de las dos películas anteriores lo cierto es que su impacto en el contexto del “shock value” estaba prácticamente en el mismo nivel que las mencionadas. Si eras adolescente y entraste al mundo del animé fuera de lo que daban en TV abierta Ninja Scroll fue un filme ineludible que dejó un gigantesco legado a las personas que la vieron, incluso aunque haya sido por tópicos completamente superficiales.

Creada en 1993, esta legendaria cinta producida por un equipo compuesto por Madhouse y Animate Studios (además de un conglomerado no menor de compañías que colocaron fondos encimas, entre ellas JVC) apareció en el mercado japonés justo en un momento de alta efervescencia con el tema de los ninja y los samurai tanto en el animé como en los videojuegos, todo cayendo de la mano del extremadamente talentoso Yoshiaki Kawajiri quien después de pasar por muchos años siento ilustrador y animador de Mushi Productions terminó realizando sus propias producciones en los años ochenta que terminaron todas siendo populares por su destacado trabajo artístico y su excesiva violencia, entre ellas la destacada Wicked City que algunos muy afortunados tuvieron la fortuna de ver antes de Ninja Scroll y les dejó una muestra de lo que se venía a futuro.

En este episodio de Otaku no Shouzou yo y Pau conversamos sobre esta espectacular producción que debido a la localización de Manga Video y la piratería pasó no solamente por ciclos y grupos de animé sino que llegó a videoclubs de barrio y se transformó en “aquella película volada de pasta base” que muchos comentaban casi como si estuvieran viendo algo prohibido, parte de esa contracultura que hemos comentado en extenso en nuestro podcast. Durante el programa hablamos en extenso de su producción y, como ha sido costumbre, la película entera con lujo de detalles donde dejamos en claro nuestro cariño a este filme de ninjas y samurai situada en el período de Tokugawa, donde Kawajiri y amigos expresaron una suerte de “tributo” a todas las películas de samurai y artes marciales que les gustaban, tanto clásicas como de cine B. Todo esto también fue suficiente para que diéramos nuestras opiniones frente a una película que en su momento fue controversial para algunos por “ciertas” (e inolvidables) escenas de excesiva violencia y sexo, temática que sería para positivo a ojos de la mayoría de su público adolescente de esa época, además de otros interesantes temas desde el uso de lo “hipervisual” de Kawajiri hasta que Jubei es probablemente en secreto un muy viejo ancestro de Spike Spiegel de Cowboy Bebop. Al final del episodio también hablamos muy vagamente de lo que fue su serie de TV que salió pasado al 2000 y de la eterna producción de Ninja Scroll 2 que ya perdimos la cuenta de cuántos años lleva realizándose y no sabemos cuándo saldrá.

Como siempre esperamos que disfruten de este programa dedicado a un clasicazo esencial para cualquiera que guste del animé antes del 2000.

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Si estuviste presente en la escena otaku de la segunda mitad de los noventa de seguro recordarás que películas como Akira, Ninja Scroll y Ghost in the Shell eran inescapables y se agrupaban en este concepto del shock value que movía a muchos fanáticos por su particular contenido difícil de ver en otros medios. A pesar que estas producciones fueron masivas y de gran escala en lo artístico y técnico lo cierto es que entre medio de estos titanes existió un humilde VHS dando vueltas a nivel internacional y que a pesar que no estaba a los niveles de ambición de los mencionados dejó un legado lo suficientemente memorable para que algunos lo tengan a este mismo nivel: Battle Angel Alita.

Basado en el manga de Yukito Kishiro y conocida en su país como GUNNM, el legendario estudio de animación y regalón de nuestro podcast Madhouse publicó en 1993 estos OVAs que si bien no tienen comparación a nivel de presupuesto y tamaño de su equipo con las películas que destacamos al final del día su toque cyberpunk que era tan popular en esos años terminó convenciendo a todo ese público de darle una oportunidad, con resultados sobresalientes. Afortunadamente gracias a la piratería el trabajo de Manga Video en España una buena parte de los que vieron estos OVA en Chile en los noventa lo hicieron en españolísimo, que dio como resultado que la serie fuera mencionada chistosamente a nivel local como “Alita: AAAAANGEEEEEEEEEEEEEEEEEEEEEEEEEL DE COMBAAAAAAAAAAATE“, lo que facilitó su propagación. Su masividad en el mercado del VHS en Chile llegó a un punto tan alto que Alita terminó escapando del círculo otaku y se transformó en una de esas cintas que estaban incluso en locales de arriendo pequeños en la capital y algunas otras ciudades, por lo que el cariño y la nostalgia para muchos sigue presente.

En este episodio de Otaku no Shouzou decidimos hacer un 2×1: primero hablar de los OVAs que dejaron esta marca profunda en la época, con sus dos episodios Rusty Angel y Tears Sign que por fortuna llegaron acá solamente en un VHS en vez de dos como lo fue originalmente en Japón, para después hablar de lo que es el “revival” de la franquicia y a ojos mainstream su introducción a una nueva generación con la película live action del 2019 Alita: Battle Angel dirigida por Robert Rodríguez y producida por James Cameron. Si bien a algunos les parecerá raro que hablemos de algo tan “moderno” en nuestro podcast creemos que la película de Hollywood de Alita es parte fundamental de su experiencia como fanático, ya que James Cameron se demoró por lo bajo dos décadas en cumplir su sueño realidad como entusiasta de los OVAs y el manga (al punto que en algún momento intentó crear su propia Alita sin mucho éxito) y era algo que llevábamos escuchando por rumores de pasillo e internet desde tiempos prehistóricos.

Como ha sido siempre la tónica de nuestro podcast hablamos un poco sobre su creador y su obra, la localización del manga en Estados Unidos por Viz que terminó cambiando los nombres incluyendo el de su protagonista, el inesperado éxito en Estados Unidos que terminó siendo mucho más popular que en Japón y los cabecillas que llevaron a Madhouse a hacer estos OVAs. También hablamos en detalle de los dos (más del primero que del segundo por cuestiones de tiempo y para que los que no la han visto entiendan de qué trata), con nuestros momentos favoritos y a ratos deprimentes de una obra conocida por su dureza, su violencia gráfica y un final inventado para el animé que a pesar de todo igual destruyó inocentes corazones. Ya posteriormente hablamos de la película, la maldición de Cameron de traerla al cine que duró casi 20 años y los elementos que más y menos nos gustaron.

Todo esto grabado en el por ahora más extenso episodio de Otaku no Shouzou… aunque no queremos pasarnos tan seguido del rango de las tres horas. En esta oportunidad tuvimos por tercera vez de invitado a Pandurris quien disfrutó de los OVAs en los noventa y de la película actualmente. Como siempre esperamos que lo disfruten. Quiero destacar que por un problema con un plugin y por confiarme mi respiración se escucha más fuerte de lo normal… se que no es la primera vez, pero juro que no volverá a pasar.

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BONUS: Como comentó nuestro amigo Pandurris en el programa, el querido artista marcial chileno Marko Zaror aparece en la película y como lo queríamos destacar en imagen pues, acá lo tienen.

“No hay escape mejor que ni lo intentes, no existe una cura para el amor ♫” sonaba a través del televisor en canales como Chilevisión o ETC…TV a finales de los noventa, un Opening que mucha gente recuerda con cierto cariño y respeto. Al recordar a tus amigos esta canción en general la respuesta siempre es positiva o alentadora, pero a la hora de preguntar “Hey, ¿te acuerdas de la serie?” las respuestas un 90% del tiempo son “Era de… ah… un loco con muchas mujeres encima… y eso es todo lo que recuerdo“.

Hay algo realmente misterioso en la experiencia que fue Tenchi Muyo! en Chile, o al menos en lo que respecta estrictamente en el ámbito de la televisión local: si bien antes que la dieran con doblaje esta producción tuvo su cierto grupo de fanáticos en el mundo otaku ya que los OVAs recibieron una fuerte campaña de publicidad en Estados Unidos y España por empresas como Pioneer o Manga Video lo cierto es que para muchos el recuerdo más casual de la serie de TV fue una enorme confusión, especialmente porque acá dieron dos temporadas que fueron Tenchi Universe y Tenchi in Tokyo que no tenían relación alguna entre ellas, siendo Tenchi in Tokyo una suerte de reboot/spin-off creado en una época en que la gente no estaba acostumbrada a esas locuras… y mucho menos cuando acá la serie fue publicitada simplemente como Tenchi a secas, por lo que el salto de series generó un embrollo tan excesivo que hasta la fecha mucha gente piensa que la serie fue transmitida con los capítulos sin orden o con una equivocación de parte de los canales en su continuidad, algo que sigue penando constantemente.

Tenchi Muyo! nos reúne en este episodio de Otaku no Shouzou con una amena conversación sobre esta extremadamente prolifera franquicia creada por Masaki Kajishima y Hiroki Hayashi, quienes después de desplegar sus talentos aplicados en Bubblegum Crisis tomaron el concepto de establecer a un grupo de chicas hermosas en una situación de comedia donde nadie pondría en duda que estos dos amigos amaban Ranma ½ o por lo bajo la obra y el estilo de Rumiko Takahashi de alguna u otra manera. Debido a esto Tenchi Muyo! se convirtió en uno de los pioneros del en ese entonces chistoso pero actualmente trillado y odiado por muchos género del harem anime, por lo que ciertos tópicos y elementos de la serie podrían ser de cierto disgusto para algunas personas… y eso mismo quisimos también abordar al respecto en este episodio, más bien en carácter de defensa.

En este programa hablamos primero de la creación de la serie y su llegada original con Tenchi Muyo! Ryo-Ohki, los OVAs creado por AIC que fueron un enorme éxito en el mundo otaku más duro y que trajo consigo que llegara a nuestro país antes que dieran Tenchi Universe en TV abierta, la mayoría con la experiencia vivida en absoluto españolísimo. Posteriormente hablamos de lo que fue Universe como experiencia 100% creada para la TV, que increíblemente fue doblada al español latino en nada más y nada menos que nuestro propio país gracias a Technoworks y que fue el inicio de las confusiones ya que fue el primer “reboot” que sufrió la franquicia. También tocamos todo lo que significó los spin-offs, intentando dar algún tipo de orden cronológico (como diría cierto personaje “en la medida en lo posible“), después hablamos de las películas de Tenchi las cuales especialmente Tenchi Muyo! Midsummer’s Eve (conocida también como Tenchi the Movie 2: The Daughter of Darkness) es recordada hasta nuestros días por ser el producto más transgresor y único de todo el catálogo, donde su inesperado estilo para sus fanáticos la dejó consagrada como algo digno de ser mencionado “de lo mejorcito” de Tenchi. Finalmente hablamos de Tenchi in Tokyo que fue la que realmente generó la confusión masiva en nuestro país a nivel mainstream y que… no es del gusto de nosotros, para serles franco. Cabe destacar que abarcamos Tenchi Muyo hasta antes del 2000 porque sabemos que la cosa continúa incluso hasta nuestros días pero… err… dejémoslo amistosamente en un “no gracias“.

En este episodio tuvimos de invitada a Nanda quien es más joven que nosotros y que a pesar de la diferencia generacional se declara una fanática a morir de Tenchi Muyo, al punto que es probablemente su animé favorito de todos los tiempos. Esto fue incluso hasta sanador, ya que Nanda nos contó que debido a su juventud rara vez puede explayarse sobre la serie con sus conocidos, así que… bienvenido sea en otro episodio que esperamos disfruten.

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AVISO: Debido a problemas ajenos a Otaku no Shouzou la versión del podcast en Spotify quedó con severos problemas de audio que no pudieron ser borrados o corregidos por limitantes de la plataforma. Sugerimos escuchar el programa en Ivoox y Archive.org. Pedimos disculpas por el problema, no volverá a suceder.

Oh yeah, créanlo o no en solamente cinco meses llegamos a nuestro episodio número 20 de Otaku no Shouzou y al igual como lo hicimos con el primero y el onceavo en esta oportunidad decidimos volver a conversar sobre un tema “general” en vez de revisar una serie o película del pasado, aunque como siempre con el ojo puesto encima a una experiencia pre-2000… y vaya que nos fuimos a una de las más extremas para el fanático del animé, ya que en este programa nos sumergimos al mundo del Cosplay.

Si nos han escuchado desde el primer episodio de seguro ya se dieron cuenta hace mucho rato que Pau está involucrada en el cosplay de manera no menor ya que no solamente se dedica a presentarse con trajes sino que además es fotógrafa, así que este era uno de los programas que más estaba esperando que realizáramos. Cabe destacar que este humilde servidor quien les escribe siempre ha respetado y observado el fenómeno del cosplay con mucho cariño, pero siempre desde la perspectiva casual y solo como alguien que lo observa, así que Pau se tomó completamente el poder de este episodio para entregarnos su visión del asunto.

Durante este episodio conversamos sobre cómo conocimos originalmente el concepto del costume play cuando lo veíamos muy de lejos en países del primer mundo gracias a las revistas de España o de otros lugares para ya luego vivir en carne propia toda la experiencia en nuestro país, con toda la precariedad que eso conllevaba. En el caso específico de Pau, su evolución como cosplayer fue parte del tema y de pasó tratamos de cómo empezó a popularizarse ya pasado el 2000 con la llegada de los eventos populares como la Anime Expo y la nueva masividad del internet, lo que trajo consigo el interés de publicar tus fotos para que fueran expuestas literalmente a todo el planeta. También fue inevitable conversar sobre el mundo del cosplay ya alejado del simple hobby y transformado en el borde de una profesión, donde varias personas se han terminado transformando en celebridades del tópico. Todo esto traído con un nivel de detalle que ha terminando destacando a gente incluso en nuestro país.

Para esta entrega de Otaku no Shouzou tuvimos de invitado una vez más a Ikari quien nos acompañó anteriormente en el episodio de Bubblegum Crisis debido a que ha realizado en su vida más de 80 cosplays (!!!) iniciándose en los años noventa, así que era la persona perfecta para que conversáramos de esa época y de paso de la evolución del tema, lo que entregó como resultado una charla sobre la humildad de esa era, los problemas que era conseguir un lugar para que dejaran hacer las presentaciones o incluso accidentes que ocurrieron en esos años, algo que los que llevan mucho tiempo en este tema de seguro van a recordar cuando lo escuchen.

Como siempre esperamos que lo disfruten. El próximo episodio ya está grabado y será sobre toda la entretenida (y a ratos confusa) experiencia de Tenchi Muyo!

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BONUS: Es impresionante pero nos alegramos en comentar que en internet hay harto material sobre lo que pasó en el mundo del cosplay en nuestro país antes del 2000. Acá está una scan directa del querido fanzine Kakkoii! con fotos del concurso de Illion de 1998.

Y si esto les parece poco… ¡está en YouTube todo el concurso grabado en video! esto fue salvado al formato digital gracias a Anime.cl y Panda Anime, que a estas alturas dejaron arriba un material histórico para la escena otaku nacional. Pueden ver el concurso entero en esta playlist pero les dejamos acá la primera parte.

Grabar un podcast como Otaku no Shouzou y darle hincapié al fenómeno del animé antes del 2000 ha sido una experiencia muy nostálgica y enriquecedora, especialmente para rememorar series o películas que no había visto en un buen tiempo, sin embargo también tiene su lado negativo y creo que ya le encontramos uno: es una pena, pero parece que este episodio será el único que se lo dedicaremos a quien, para muchos, fue uno de los mejores directores de animé de todos los tiempos, el legendario Satoshi Kon.

En este episodio hablamos de Perfect Blue, la popular y extremadamente bien recibida por la prensa especializada (tanto de animé como de cine en general) película de 1997 por Madhouse y que sería la primera de una seguidilla de producciones por Kon que lamentablemente quedarían a medio camino por su triste fallecimiento el año 2010 a los 46 años debido a un cáncer pancreático. Para ese entonces este director era toda una eminencia en el mundo del animé e incluso parte de su trabajo terminó generando un legado a otros directores… incluso fuera de Japón (algo que hablamos al respecto en este episodio) y a pesar que ya han pasado 10 años su muerte es algo que todavía me duele, al punto que a título personal me salté el protocolo y escribí sobre su fallecimiento en Gamercafe muy a pesar que él no tuvo nada que ver con videojuegos. Su carta de despedida a su público es algo que todavía me conmueve.

Durante este Otaku no Shouzou conversamos yo y Pau sobre cómo la conocimos y sobre su producción, con datos desde que este filme no es una idea original sino que está basado en una novela de Yoshikazu Takeuchi hasta el recuerdo de mucha gente a finales de los noventa sobre que fue presentada de manera errónea en el mundo otaku en occidente como “una película de Katsuhiro Otomo” en vez de Kon ya que fue supervisor, aunque su apoyo fue definitivamente vital y necesario para el resultado final. También y como lo hemos realizado cada vez que hablamos específicamente de una película en la segunda mitad del podcast resumimos todo el filme con spoilers, lo que fue bastante interesante en este caso debido a que como estamos hablando de un thriller psicológico la conversación nos llevó a tratar de lo que nosotros entendemos de ciertas escenas y teorías, incluyendo el memorable y recordado uso de puesta en escena que se volvería un efecto inconfundible de Kon. Cabe destacar como advertencia que tenemos claro que Satoshi Kon es un director tan querido y respetado en el mundo del cine que existen miles de tesis y videos en YouTube con un nivel de investigación y profundidad muy alta, pero nosotros lo quisimos hacer más bien en el contexto chill que nuestro programa se caracteriza.

Como anexo también conversamos muy levemente sobre la para muchos desconocida y “WHAT? ¿ESO EXISTE?” película Live Action del 2002 dirigida por Toshiki Satou (un prolífico director de… cine pinku, yep) y que a pesar de ser un tanto amateur y en ciertos aspectos cuestionable le da a Perfect Blue otra perspectiva totalmente diferente, mucho más similar a la novela (o al menos eso es lo que dice la crítica, puesto que a título personal nunca he podido leerla).

Como siempre esperamos que disfruten de este episodio. ¡El próximo será nuevamente de un tema general!

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BONUS: Como comenté más arriba Perfect Blue es una película tan popular que tiene bastantes ensayos y videos de investigación en YouTube. Este es probablemente uno de mis favoritos, creado por BreadSword.