Si viviste la segunda mitad de los noventa o estuviste averiguando sobre la experiencia “otaku” de ese entonces de seguro algunos fanáticos o internet te habrá dicho que el “starter pack” oficial en lo que trata de películas de animé de ese entonces era Akira, Ghost in the Shell y… Ninja Scroll, una obra que si bien no tenía los elementos futuristas, cyberpunk y filosóficos de las dos películas anteriores lo cierto es que su impacto en el contexto del “shock value” estaba prácticamente en el mismo nivel que las mencionadas. Si eras adolescente y entraste al mundo del animé fuera de lo que daban en TV abierta Ninja Scroll fue un filme ineludible que dejó un gigantesco legado a las personas que la vieron, incluso aunque haya sido por tópicos completamente superficiales.

Creada en 1993, esta legendaria cinta producida por un equipo compuesto por Madhouse y Animate Studios (además de un conglomerado no menor de compañías que colocaron fondos encimas, entre ellas JVC) apareció en el mercado japonés justo en un momento de alta efervescencia con el tema de los ninja y los samurai tanto en el animé como en los videojuegos, todo cayendo de la mano del extremadamente talentoso Yoshiaki Kawajiri quien después de pasar por muchos años siento ilustrador y animador de Mushi Productions terminó realizando sus propias producciones en los años ochenta que terminaron todas siendo populares por su destacado trabajo artístico y su excesiva violencia, entre ellas la destacada Wicked City que algunos muy afortunados tuvieron la fortuna de ver antes de Ninja Scroll y les dejó una muestra de lo que se venía a futuro.

En este episodio de Otaku no Shouzou yo y Pau conversamos sobre esta espectacular producción que debido a la localización de Manga Video y la piratería pasó no solamente por ciclos y grupos de animé sino que llegó a videoclubs de barrio y se transformó en “aquella película volada de pasta base” que muchos comentaban casi como si estuvieran viendo algo prohibido, parte de esa contracultura que hemos comentado en extenso en nuestro podcast. Durante el programa hablamos en extenso de su producción y, como ha sido costumbre, la película entera con lujo de detalles donde dejamos en claro nuestro cariño a este filme de ninjas y samurai situada en el período de Tokugawa, donde Kawajiri y amigos expresaron una suerte de “tributo” a todas las películas de samurai y artes marciales que les gustaban, tanto clásicas como de cine B. Todo esto también fue suficiente para que diéramos nuestras opiniones frente a una película que en su momento fue controversial para algunos por “ciertas” (e inolvidables) escenas de excesiva violencia y sexo, temática que sería para positivo a ojos de la mayoría de su público adolescente de esa época, además de otros interesantes temas desde el uso de lo “hipervisual” de Kawajiri hasta que Jubei es probablemente en secreto un muy viejo ancestro de Spike Spiegel de Cowboy Bebop. Al final del episodio también hablamos muy vagamente de lo que fue su serie de TV que salió pasado al 2000 y de la eterna producción de Ninja Scroll 2 que ya perdimos la cuenta de cuántos años lleva realizándose y no sabemos cuándo saldrá.

Como siempre esperamos que disfruten de este programa dedicado a un clasicazo esencial para cualquiera que guste del animé antes del 2000.

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Si estuviste presente en la escena otaku de la segunda mitad de los noventa de seguro recordarás que películas como Akira, Ninja Scroll y Ghost in the Shell eran inescapables y se agrupaban en este concepto del shock value que movía a muchos fanáticos por su particular contenido difícil de ver en otros medios. A pesar que estas producciones fueron masivas y de gran escala en lo artístico y técnico lo cierto es que entre medio de estos titanes existió un humilde VHS dando vueltas a nivel internacional y que a pesar que no estaba a los niveles de ambición de los mencionados dejó un legado lo suficientemente memorable para que algunos lo tengan a este mismo nivel: Battle Angel Alita.

Basado en el manga de Yukito Kishiro y conocida en su país como GUNNM, el legendario estudio de animación y regalón de nuestro podcast Madhouse publicó en 1993 estos OVAs que si bien no tienen comparación a nivel de presupuesto y tamaño de su equipo con las películas que destacamos al final del día su toque cyberpunk que era tan popular en esos años terminó convenciendo a todo ese público de darle una oportunidad, con resultados sobresalientes. Afortunadamente gracias a la piratería el trabajo de Manga Video en España una buena parte de los que vieron estos OVA en Chile en los noventa lo hicieron en españolísimo, que dio como resultado que la serie fuera mencionada chistosamente a nivel local como “Alita: AAAAANGEEEEEEEEEEEEEEEEEEEEEEEEEL DE COMBAAAAAAAAAAATE“, lo que facilitó su propagación. Su masividad en el mercado del VHS en Chile llegó a un punto tan alto que Alita terminó escapando del círculo otaku y se transformó en una de esas cintas que estaban incluso en locales de arriendo pequeños en la capital y algunas otras ciudades, por lo que el cariño y la nostalgia para muchos sigue presente.

En este episodio de Otaku no Shouzou decidimos hacer un 2×1: primero hablar de los OVAs que dejaron esta marca profunda en la época, con sus dos episodios Rusty Angel y Tears Sign que por fortuna llegaron acá solamente en un VHS en vez de dos como lo fue originalmente en Japón, para después hablar de lo que es el “revival” de la franquicia y a ojos mainstream su introducción a una nueva generación con la película live action del 2019 Alita: Battle Angel dirigida por Robert Rodríguez y producida por James Cameron. Si bien a algunos les parecerá raro que hablemos de algo tan “moderno” en nuestro podcast creemos que la película de Hollywood de Alita es parte fundamental de su experiencia como fanático, ya que James Cameron se demoró por lo bajo dos décadas en cumplir su sueño realidad como entusiasta de los OVAs y el manga (al punto que en algún momento intentó crear su propia Alita sin mucho éxito) y era algo que llevábamos escuchando por rumores de pasillo e internet desde tiempos prehistóricos.

Como ha sido siempre la tónica de nuestro podcast hablamos un poco sobre su creador y su obra, la localización del manga en Estados Unidos por Viz que terminó cambiando los nombres incluyendo el de su protagonista, el inesperado éxito en Estados Unidos que terminó siendo mucho más popular que en Japón y los cabecillas que llevaron a Madhouse a hacer estos OVAs. También hablamos en detalle de los dos (más del primero que del segundo por cuestiones de tiempo y para que los que no la han visto entiendan de qué trata), con nuestros momentos favoritos y a ratos deprimentes de una obra conocida por su dureza, su violencia gráfica y un final inventado para el animé que a pesar de todo igual destruyó inocentes corazones. Ya posteriormente hablamos de la película, la maldición de Cameron de traerla al cine que duró casi 20 años y los elementos que más y menos nos gustaron.

Todo esto grabado en el por ahora más extenso episodio de Otaku no Shouzou… aunque no queremos pasarnos tan seguido del rango de las tres horas. En esta oportunidad tuvimos por tercera vez de invitado a Pandurris quien disfrutó de los OVAs en los noventa y de la película actualmente. Como siempre esperamos que lo disfruten. Quiero destacar que por un problema con un plugin y por confiarme mi respiración se escucha más fuerte de lo normal… se que no es la primera vez, pero juro que no volverá a pasar.

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BONUS: Como comentó nuestro amigo Pandurris en el programa, el querido artista marcial chileno Marko Zaror aparece en la película y como lo queríamos destacar en imagen pues, acá lo tienen.

“No hay escape mejor que ni lo intentes, no existe una cura para el amor ♫” sonaba a través del televisor en canales como Chilevisión o ETC…TV a finales de los noventa, un Opening que mucha gente recuerda con cierto cariño y respeto. Al recordar a tus amigos esta canción en general la respuesta siempre es positiva o alentadora, pero a la hora de preguntar “Hey, ¿te acuerdas de la serie?” las respuestas un 90% del tiempo son “Era de… ah… un loco con muchas mujeres encima… y eso es todo lo que recuerdo“.

Hay algo realmente misterioso en la experiencia que fue Tenchi Muyo! en Chile, o al menos en lo que respecta estrictamente en el ámbito de la televisión local: si bien antes que la dieran con doblaje esta producción tuvo su cierto grupo de fanáticos en el mundo otaku ya que los OVAs recibieron una fuerte campaña de publicidad en Estados Unidos y España por empresas como Pioneer o Manga Video lo cierto es que para muchos el recuerdo más casual de la serie de TV fue una enorme confusión, especialmente porque acá dieron dos temporadas que fueron Tenchi Universe y Tenchi in Tokyo que no tenían relación alguna entre ellas, siendo Tenchi in Tokyo una suerte de reboot/spin-off creado en una época en que la gente no estaba acostumbrada a esas locuras… y mucho menos cuando acá la serie fue publicitada simplemente como Tenchi a secas, por lo que el salto de series generó un embrollo tan excesivo que hasta la fecha mucha gente piensa que la serie fue transmitida con los capítulos sin orden o con una equivocación de parte de los canales en su continuidad, algo que sigue penando constantemente.

Tenchi Muyo! nos reúne en este episodio de Otaku no Shouzou con una amena conversación sobre esta extremadamente prolifera franquicia creada por Masaki Kajishima y Hiroki Hayashi, quienes después de desplegar sus talentos aplicados en Bubblegum Crisis tomaron el concepto de establecer a un grupo de chicas hermosas en una situación de comedia donde nadie pondría en duda que estos dos amigos amaban Ranma ½ o por lo bajo la obra y el estilo de Rumiko Takahashi de alguna u otra manera. Debido a esto Tenchi Muyo! se convirtió en uno de los pioneros del en ese entonces chistoso pero actualmente trillado y odiado por muchos género del harem anime, por lo que ciertos tópicos y elementos de la serie podrían ser de cierto disgusto para algunas personas… y eso mismo quisimos también abordar al respecto en este episodio, más bien en carácter de defensa.

En este programa hablamos primero de la creación de la serie y su llegada original con Tenchi Muyo! Ryo-Ohki, los OVAs creado por AIC que fueron un enorme éxito en el mundo otaku más duro y que trajo consigo que llegara a nuestro país antes que dieran Tenchi Universe en TV abierta, la mayoría con la experiencia vivida en absoluto españolísimo. Posteriormente hablamos de lo que fue Universe como experiencia 100% creada para la TV, que increíblemente fue doblada al español latino en nada más y nada menos que nuestro propio país gracias a Technoworks y que fue el inicio de las confusiones ya que fue el primer “reboot” que sufrió la franquicia. También tocamos todo lo que significó los spin-offs, intentando dar algún tipo de orden cronológico (como diría cierto personaje “en la medida en lo posible“), después hablamos de las películas de Tenchi las cuales especialmente Tenchi Muyo! Midsummer’s Eve (conocida también como Tenchi the Movie 2: The Daughter of Darkness) es recordada hasta nuestros días por ser el producto más transgresor y único de todo el catálogo, donde su inesperado estilo para sus fanáticos la dejó consagrada como algo digno de ser mencionado “de lo mejorcito” de Tenchi. Finalmente hablamos de Tenchi in Tokyo que fue la que realmente generó la confusión masiva en nuestro país a nivel mainstream y que… no es del gusto de nosotros, para serles franco. Cabe destacar que abarcamos Tenchi Muyo hasta antes del 2000 porque sabemos que la cosa continúa incluso hasta nuestros días pero… err… dejémoslo amistosamente en un “no gracias“.

En este episodio tuvimos de invitada a Nanda quien es más joven que nosotros y que a pesar de la diferencia generacional se declara una fanática a morir de Tenchi Muyo, al punto que es probablemente su animé favorito de todos los tiempos. Esto fue incluso hasta sanador, ya que Nanda nos contó que debido a su juventud rara vez puede explayarse sobre la serie con sus conocidos, así que… bienvenido sea en otro episodio que esperamos disfruten.

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AVISO: Debido a problemas ajenos a Otaku no Shouzou la versión del podcast en Spotify quedó con severos problemas de audio que no pudieron ser borrados o corregidos por limitantes de la plataforma. Sugerimos escuchar el programa en Ivoox y Archive.org. Pedimos disculpas por el problema, no volverá a suceder.

Oh yeah, créanlo o no en solamente cinco meses llegamos a nuestro episodio número 20 de Otaku no Shouzou y al igual como lo hicimos con el primero y el onceavo en esta oportunidad decidimos volver a conversar sobre un tema “general” en vez de revisar una serie o película del pasado, aunque como siempre con el ojo puesto encima a una experiencia pre-2000… y vaya que nos fuimos a una de las más extremas para el fanático del animé, ya que en este programa nos sumergimos al mundo del Cosplay.

Si nos han escuchado desde el primer episodio de seguro ya se dieron cuenta hace mucho rato que Pau está involucrada en el cosplay de manera no menor ya que no solamente se dedica a presentarse con trajes sino que además es fotógrafa, así que este era uno de los programas que más estaba esperando que realizáramos. Cabe destacar que este humilde servidor quien les escribe siempre ha respetado y observado el fenómeno del cosplay con mucho cariño, pero siempre desde la perspectiva casual y solo como alguien que lo observa, así que Pau se tomó completamente el poder de este episodio para entregarnos su visión del asunto.

Durante este episodio conversamos sobre cómo conocimos originalmente el concepto del costume play cuando lo veíamos muy de lejos en países del primer mundo gracias a las revistas de España o de otros lugares para ya luego vivir en carne propia toda la experiencia en nuestro país, con toda la precariedad que eso conllevaba. En el caso específico de Pau, su evolución como cosplayer fue parte del tema y de pasó tratamos de cómo empezó a popularizarse ya pasado el 2000 con la llegada de los eventos populares como la Anime Expo y la nueva masividad del internet, lo que trajo consigo el interés de publicar tus fotos para que fueran expuestas literalmente a todo el planeta. También fue inevitable conversar sobre el mundo del cosplay ya alejado del simple hobby y transformado en el borde de una profesión, donde varias personas se han terminado transformando en celebridades del tópico. Todo esto traído con un nivel de detalle que ha terminando destacando a gente incluso en nuestro país.

Para esta entrega de Otaku no Shouzou tuvimos de invitado una vez más a Ikari quien nos acompañó anteriormente en el episodio de Bubblegum Crisis debido a que ha realizado en su vida más de 80 cosplays (!!!) iniciándose en los años noventa, así que era la persona perfecta para que conversáramos de esa época y de paso de la evolución del tema, lo que entregó como resultado una charla sobre la humildad de esa era, los problemas que era conseguir un lugar para que dejaran hacer las presentaciones o incluso accidentes que ocurrieron en esos años, algo que los que llevan mucho tiempo en este tema de seguro van a recordar cuando lo escuchen.

Como siempre esperamos que lo disfruten. El próximo episodio ya está grabado y será sobre toda la entretenida (y a ratos confusa) experiencia de Tenchi Muyo!

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BONUS: Es impresionante pero nos alegramos en comentar que en internet hay harto material sobre lo que pasó en el mundo del cosplay en nuestro país antes del 2000. Acá está una scan directa del querido fanzine Kakkoii! con fotos del concurso de Illion de 1998.

Y si esto les parece poco… ¡está en YouTube todo el concurso grabado en video! esto fue salvado al formato digital gracias a Anime.cl y Panda Anime, que a estas alturas dejaron arriba un material histórico para la escena otaku nacional. Pueden ver el concurso entero en esta playlist pero les dejamos acá la primera parte.

Grabar un podcast como Otaku no Shouzou y darle hincapié al fenómeno del animé antes del 2000 ha sido una experiencia muy nostálgica y enriquecedora, especialmente para rememorar series o películas que no había visto en un buen tiempo, sin embargo también tiene su lado negativo y creo que ya le encontramos uno: es una pena, pero parece que este episodio será el único que se lo dedicaremos a quien, para muchos, fue uno de los mejores directores de animé de todos los tiempos, el legendario Satoshi Kon.

En este episodio hablamos de Perfect Blue, la popular y extremadamente bien recibida por la prensa especializada (tanto de animé como de cine en general) película de 1997 por Madhouse y que sería la primera de una seguidilla de producciones por Kon que lamentablemente quedarían a medio camino por su triste fallecimiento el año 2010 a los 46 años debido a un cáncer pancreático. Para ese entonces este director era toda una eminencia en el mundo del animé e incluso parte de su trabajo terminó generando un legado a otros directores… incluso fuera de Japón (algo que hablamos al respecto en este episodio) y a pesar que ya han pasado 10 años su muerte es algo que todavía me duele, al punto que a título personal me salté el protocolo y escribí sobre su fallecimiento en Gamercafe muy a pesar que él no tuvo nada que ver con videojuegos. Su carta de despedida a su público es algo que todavía me conmueve.

Durante este Otaku no Shouzou conversamos yo y Pau sobre cómo la conocimos y sobre su producción, con datos desde que este filme no es una idea original sino que está basado en una novela de Yoshikazu Takeuchi hasta el recuerdo de mucha gente a finales de los noventa sobre que fue presentada de manera errónea en el mundo otaku en occidente como “una película de Katsuhiro Otomo” en vez de Kon ya que fue supervisor, aunque su apoyo fue definitivamente vital y necesario para el resultado final. También y como lo hemos realizado cada vez que hablamos específicamente de una película en la segunda mitad del podcast resumimos todo el filme con spoilers, lo que fue bastante interesante en este caso debido a que como estamos hablando de un thriller psicológico la conversación nos llevó a tratar de lo que nosotros entendemos de ciertas escenas y teorías, incluyendo el memorable y recordado uso de puesta en escena que se volvería un efecto inconfundible de Kon. Cabe destacar como advertencia que tenemos claro que Satoshi Kon es un director tan querido y respetado en el mundo del cine que existen miles de tesis y videos en YouTube con un nivel de investigación y profundidad muy alta, pero nosotros lo quisimos hacer más bien en el contexto chill que nuestro programa se caracteriza.

Como anexo también conversamos muy levemente sobre la para muchos desconocida y “WHAT? ¿ESO EXISTE?” película Live Action del 2002 dirigida por Toshiki Satou (un prolífico director de… cine pinku, yep) y que a pesar de ser un tanto amateur y en ciertos aspectos cuestionable le da a Perfect Blue otra perspectiva totalmente diferente, mucho más similar a la novela (o al menos eso es lo que dice la crítica, puesto que a título personal nunca he podido leerla).

Como siempre esperamos que disfruten de este episodio. ¡El próximo será nuevamente de un tema general!

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BONUS: Como comenté más arriba Perfect Blue es una película tan popular que tiene bastantes ensayos y videos de investigación en YouTube. Este es probablemente uno de mis favoritos, creado por BreadSword.

Dentro del marco de lo que cubrimos en Otaku no Shouzou una de las experiencias más entretenidas y a la vez impredecibles de lo que era ver animé fuera de lo que daban en TV abierta era encontrarse con cosas que te sorprendían porque escapaban de cualquier expectativa, sea buena o mala. Una de esas experiencias es la que hablamos el día de hoy en nuestro episodio número 18.

En esta entrega de Otaku no Shouzou hablamos de Dragon Half, una adaptación al formato OVA basado en el manga de Ryusuke Mita y producido por los talentosos Production I.G. en sus primeros años de existencia. Lo que supuestamente iba a ser un proyecto más ambicioso donde querían entregar varios episodios conforme pasara el tiempo lamentablemente las ventas fueron tan pobres en Japón que Dragon Half terminó solamente con dos OVAs de 20 minutos… y aún así, a pesar de lo corto y triste que suena, la serie dejó un legado que ni sus propios creadores imaginaron que tendría cuando Dragon Half fue exportada a occidente, debido a que fue para muchos la puerta de entrada a la comedia japonesa en el tono más ridículo y estúpido posible.

Este episodio fue la verdad bastante particular para mí y Pau ya que a pesar que Pau no la conocía y recién vino a introducirse a ella gracias a nuestro podcast ambos terminamos compartiendo durante este podcast no solamente nuestros comentarios sobre Dragon Half sino que unos unió la experiencia de lo que era el Laserdisc, el extinto formato de video que acá en Chile era realmente muy difícil de ver ya que escapaba del bolsillo del chileno común pero que como experiencia personal me tocó vivir ya que, aunque sea increíble de imaginar, tuve la gran experiencia de ver Dragon Half en 1997 en Laserdisc y no gracias a mi dinero precisamente sino porque el papá de un amigo tenía un reproductor (y no eran de dinero… es una larga historia que comenté en el podcast), lo que nos sumergió a ver estos dos OVAs en completísimo japonés… las locuras otaku de la época. Lo que podría haber sido una anécdota muy personal terminó extendiéndose ya que Pau tuvo Laserdisc, así que para los que están interesados en el tema este podcast tuvo un segundo tópico, de manera no intencional.

Pero eso solo fue un exótico agregado ya que obviamente hablamos de estos OVAs en su totalidad y en lo que respecta a mí también hablé de la recepción que tuvo en mi vida, cuando yo solamente tenía 13 años: durante esa época Dragon Half era promocionada en los círculos de animé en Santiago como “el animé más chistoso de todos los tiempos” y la verdad es que, para ese entonces, no era una mentira ya que Dragon Half pasó a la historia por su alocada estructura, donde Mink tiene que luchar contra muchos enemigos… solamente por cumplir su sueño de conocer a su ídolo musical Dick Saucer (el MEJOR nombre de la historia del animé junto con Roy Focker y Quattro Bajeena), todo esto en un entorno de fantasía medieval pero obviamente parodiando al mundo del RPG, donde los chistes sobre Dragon Quest y otros videojuegos están a la orden del día. La experiencia de Dragon Half marcó para mí un antes y un después sobre la comedia japonesa, en un mar de risas que me tocó experimentar antes que Ranma ½ o Ghost Sweeper Mikami, por lo que el contexto personal fue legendario y recordado hasta el día de hoy.

A pesar de lo personal que pueda sonar los OVAs de Dragon Half han envejecido lo suficientemente bien para seguir siendo muy chistosos ya que los elementos de comedia son a la vena: desde los chibis/SD más ridículos, algunos elementos sacados de Looney Tunes y hasta incluso uno de los Endings más estúpidos y pegadizos de la época, todo esto con mucho carisma, buen humor… y, por qué no decirlo, algo de ecchi que al parecer igual termina siendo algo más bien anecdótico que protagonista. Todos estos elementos lo dejaron como una experiencia de culto para muchos en los noventa que fue disfrutada por mucha gente (incluyendo algunas muy chistosas confusiones de la época… saludos a todos los que pidieron Dragon Half y les pasaron Dragon Pink, je) y que quisimos revivir en este episodio más corto y relajado de lo normal pero que esperamos una vez más disfruten.

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Otaku no Shouzou se complace en presentar su episodio número 17, algo que todavía nos cuesta creer considerando que este proyecto va a cumplir recién cuatro meses desde su creación.

En esta oportunidad nos fuimos a los años ochenta y decidimos entrar a la producción cinematográfica de una de las franquicias más queridas en nuestro país para los más veteranos, Macross, donde abordamos la mítica y espectacular película Choujikuu Yousai Macross: Ai Oboete Imasu ka, conocida en el mercado occidental como The Super Dimension Fortress Macross: Do You Remember Love?.

Producida en 1984 por Studio Nue y animada en cooperación con Tatusnoko y Topcraft (estos últimos quienes después se transformarían en Studio Ghibli), Ai Oboute Imasuka ka vino a pavimentar para siempre el gigantesco éxito que había experimentado la serie de televisión original dos años antes, entregando una nueva visión alternativa de los acontecimientos del animé pero ahora con un notorio alto presupuesto acentuando un absolutamente demoledor lujo en los detalles, siendo en ese entonces una de las producciones más ambiciosas de Japón en lo que respecta a su historia de la animación. Obviamente nuestro amor a la película nace por el cariño que nosotros profesamos a Macross y si bien nos hubiera encantado tener un episodio dedicado a la serie de televisión la verdad preferimos cortar por lo sano y hablar de uno de nuestros productos favoritos de ella… aunque quién sabe, tal vez a futuro haremos algo al respecto.

Durante el programa abarcamos de manera relajada lo que fue la producción de la película, donde el trabajo de un muy joven Shoji Kawamori y la dirección del lamentablemente fallecido Noboru Ishiguro dieron increíbles resultados, donde varias personas que participaron en esta obra terminarían trabajando en otras legendarias series y filmes en el futuro. También se nos hizo inevitable hablar de la importancia de la música en la película, especialmente todo lo que tiene que ver con la grandiosa labor de Mari Iijima en su papel de Lynn Minmay que catapultó el concepto de las idol en el mundo del animé.

Como ya deben estar imaginando durante este episodio hablamos de la película en su totalidad con lujo de detalles, comentando nuestros momentos favoritos que la verdad son bastantes. Durante el camino de toda esta conversación fue prácticamente obligatorio e ineludible tratar sobre nuestros sentimientos frente a lo que fue la experiencia Macross en Chile, especialmente por todo lo que fue Robotech que hasta nuestros días sigue generando amor u odio entre los seguidores de la franquicia, que debido a todo lo que pasó con Harmony Gold todavía vivimos ciertos dramas legales con todo esto. La charla incluso nos llevó a veces a otros lados inesperados, como por ejemplo hablar un poquito sobre el juego oficial de la película para PlayStation y Sega Saturn.

En este episodio de Otaku no Shouzou tuvimos de invitado a Kaz TT (o también conocido en algunos círculos y webs como Isamito), viejo amigo y ex-colaborador de Gamercafe que es un seguidor de Macross de toda la vida y que además tiene su propio programa, Nerdo, donde trata temas del acontecer ñoño de ayer y hoy. Cabe destacar que como Kaz efectivamente tiene muchos años en el tema del animé también se nos fue la primera media hora, como nos ha ocurrido antes, en hablar de sus inicios en este mundillo, con toda la nostalgia que siempre intentamos revivir en otro episodio que yo y Pau deseamos que disfruten.

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BONUS: Nuestro amigo Opi nos comentó que por favor le diéramos espacio a estos bellos comerciales de los Valkyries, así que acá tienen.

『超時空要塞マクロス』CM集
タカトクトイス 玩具 × 3
有井のプラモデル × 1@retoro_mode #今日は何の日 #おもちゃの日 pic.twitter.com/pzGO4RltfP

— ひろみょん (@hiromyon_) May 5, 2020

En el episodio número 16 de Otaku no Shouzou hemos regresado a otra serie de animé para la televisión la cual, este sí que sí, es un caso que el 99% de la gente en los noventa te dirá que lo conoció de manera exclusiva gracias a la TV abierta o el cable, con todo el poder del doblaje mexicano. Una serie que tiene la curiosa particularidad de ser muy popular en Japón y en latinoamérica… y absolutamente obscura y under en el resto del planeta: Ghost Sweeper Mikami (conocida también para los más puristas como GS Mikami: Gokuraku Daisakusen!!).

Basado en el manga de Takashi Shiina, Ghost Sweeper Mikami llegó a la televisión japonesa en 1993 gracias a Toei Animation y se quedó grabada en la memoria colectiva de los fanáticos del animé por ser una de las producciones más chistosas y sobrecargadas a la comedia que podías encontrar en el extenso catálogo de esos años. En una sola temporada de 45 episodios, Mikami fue una representación de no solo la comedia japonesa en latinoamérica sino además para muchos la introducción a una mirada mucho más picaresca y cargada al fanservice en la televisión abierta, al punto que probablemente sería un tanto controversial en la actualidad.

Durante esta entrega de Otaku no Shouzou hablamos del impacto de la serie no solo en el público más hardcore del animé como lo hemos hecho la mayor parte del tiempo sino en el más casual, al punto que una buena parte de la primera mitad de este podcast se nos fue en conversar sobre la experiencia que era acá en Chile (o en Santiago más bien) ver Mikami entre medio de El Club de los Tigritos de Chilevisión, algo que a Pau le cayó con más nostalgia ya que solamente tenía 9 años cuando la dieron. A pesar de este detalle Pau ha dejado en claro durante nuestros podcast que Ghost Sweeper Mikami fue una de las primeras series de animé que disfrutó de manera considerable, al punto que “Mikami” fue su primer nickname de internet (!!). Entre todo eso conversamos también del éxito que le trajo encima a Takashi Shiina, actualmente gozando de una segunda popularidad con Zettai Karen Children y obviamente enfatizamos nuestros episodios y personajes favoritos, este último detalle siempre bastante entretenido de tratar ya que Ghost Sweeper Mikami destacó precisamente por su llamativa lista de personajes secundarios que mucha gente le tiene cariño hasta el día de hoy o incluso les agradaban más que los protagonistas.

Además de la serie de TV también conversamos sobre la película de Mikami, conocida con el mismo nombre homónimo de la serie y que apareció rápidamente en 1994, teniendo un recordado lanzamiento en el Reino Unido. Debido a lo mencionado esta versión incluía subtítulos en inglés, lo que dio como resultado que en el mundo angloparlante sea hasta la actualidad lo único que conocen de Mikami, para la sorpresa de nosotros y los japoneses. También se nos hizo imposible no abordar aunque fuera un poco sobre el manga, que como muchos saben la serie de TV no abarca ni siquiera un cuarto de la historia del manga que terminó bastante más lejos, en 1999. Como anexo y en algo que no habíamos hecho nunca en el programa también hablamos del muy entretenido juego de Super Nintendo, porque vale la pena hacerlo.

Como siempre esperamos que disfruten de un episodio que fue grabado por mí (Hayama) y Pau sin invitado en una conversación un poco más relajada y menos técnica de lo habitual, probablemente porque así era Mikami… solamente relajarse y disfrutar. Avisamos que tuvimos unos leves problemas de audio con Pau en la grabación, pero nada muy terrible.

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Otaku no Shouzou sigue a toda velocidad y sin demasiados problemas con otro episodio semanal y en tres meses ya entramos a nuestro episodio número 15. Si sumamos el total de tiempo de todos los podcast que hemos grabado hasta la fecha hacemos un total de 45 horas… por si alguien ponía en duda que no teníamos mucho sobre qué hablar.

En este episodio yo y Pau nos adentramos a Bubblegum Crisis, los excelentes ocho OVAs producidos por Youmex desde 1987 hasta 1991 el cual durante este largo período de tiempo para solamente ocho episodios se entregó como resultado uno de los proyectos más ambiciosos de todos los tiempos con respecto a la calidad de animación en esos años, especialmente si consideramos que no era algo para la TV abierta ni tampoco para el cine.

Animados por Artmic y AIC, Bubblegum Crisis nos proporcionó de una de las experiencias más alocadas y entretenidas del género del cyberpunk, que en ese entonces estaba en sus años dorados a nivel mundial y también en Japón con otras increíbles producciones como Akira. A diferencia de otras series Bubblegum Crisis no tuvo ningún pudor en demostrar ser un “sueño otaku” de sus creadores y desplegó en pantalla una mezcla de todas las películas y series que ellos amaban con locura, donde sin asco pero a la vez de manera respetuosa y con lujo de detalle incluyeron elementos de Blade Runner, Terminator y Streets of Fire cayendo en la ciudad de Mega Tokyo del 2030, reina del caos y la destrucción donde la policía no puede hacer nada al respecto (obviamente).

En este mundo distópico es donde aparecen las Knight Sabers, un grupo de mujeres que encabezan un equipo cazarrecompensas unidas para enfrentar varios casos de violencia realizados por los “Boomers” (inserte su chiste aburrido acá), robots con elementos humanos que obviamente vienen directos de los replicantes de Blade Runner. Todo esto es entregado a través de maravillosas escenas de acción donde las Knight Sabers utilizan sus trajes de combate (conocidos como Hard Suit) donde el nivel de detalle es recordado hasta nuestros días como una de las mejores experiencias del animé en la época, especialmente en occidente donde el fenómeno por el gusto de la animación japonesa a nivel más underground recién se estaba formando en la primera mitad de los noventa y qué mejor manera que con una serie totalmente cyberpunk concentrada en un ambiente ideal para el gusto más gringo.

Durante este episodio conversamos sobre la tormentosa pero impresionante producción de la serie, que traería nombres de la talla de Katsuhito Akiyama, Kenichi Sonoda, Masami Obari, Shinji Aramaki y Hiroaki Goda, entre otros más de una lista de directores y animadores que todos se volverían megaleyendas de la animación japonesa. También tratamos sobre la triste pelea que llevó a la producción de la serie detenerse e incluso dividirse internamente para dejar estos OVA de manera inconclusa (iban a ser originalmente 13 episodios), lo que dejó como resultado otras series que intentaron parchear la situación como Bubblegum Crash, AD Police Files o Bubblegum Crisis Tokyo 2040, esta última transmitida en televisión abierta y cable en Chile doblada en latino, que tuvieron que cruzar un mar de problemas legales y que lamentablemente no estuvieron a la altura de Crisis. Como ha sido la tónica de todos nuestros podcast también hablamos del primer episodio para posteriormente conversar sobre todo los OVAs con spoilers destacando nuestros personajes, episodios y momentos favoritos… ah, por supuesto que también hablamos de la recordada banda sonora que te lleva de una patada a los años ochenta y de todos los elementos que Bubblegum Crisis bebe de sus inspiraciones, como por ejemplo la hermosa introducción que no tiene ningún problema en demostrar su fuente principal.

Este episodio de Otaku no Shouzou tuvo de invitado a Ikari, comunicador visual que nos ha estado escuchando hace un tiempo y que nos acompañó para hablar de su experiencia sobre Bubblegum Crisis durante mediados de los noventa cuando realmente estaba golpeando duro en la pequeña pero alocada escena nacional. Como siempre esperamos que lo disfruten.

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BONUS: Nuestro amigo Ikari es tan fanático de Bubblegum Crisis que realizó hace unos años atrás un AMV de la serie con You Could Be Mine de Guns ‘N Roses, se los dejamos acá ♡

En este nuevo y flamante episodio de Otaku no Shouzou nos adentramos a lo que es para mucha gente una de las series más NOVENTERAS de todos los tiempos: la querida Initial D.

Basado en este clásico manga de conducción y carreras touge por Shuichi Shigeno, en este episodio decidimos abordar los primeros años de estas adaptaciones al animé creadas originalmente por Studio Pastel y producida por Avex que abarcan la primera temporada de 1998 (conocida retroactivamente como First Stage), la segunda conocida como Second Stage de 1999 y los dos OVAs conocidos como Extra Stage del 2000, estos últimos justo en la quemada para el podcast.

Durante este episodio comentamos un poco sobre la carrera de Shigeno antes de Initial D con su particular estilo de ilustración y el posterior golazo que fue no solamente crear un manga de una temática que estaba totalmente de moda en Japón a mediados de los noventa sino además agregar en el animé gracias a Avex todo el fenómeno del eurobeat, elemento que terminó consagrando a la serie por ser una experiencia que suda 1998 a la vena en un género musical que estaba completamente vigente y en su peak de popularidad mainstream en Japón… FAIAAAAAAAAAA.

Si a todo esto le sumamos que la serie no se destaca precisamente por su “buena” calidad de animación y que mucha gente también lo recuerda por su rudimentario trabajo en CGI (una de las primeras series de animé para la TV en introducirlo como una característica primordial en el desarrollo de la acción) da como resultado a una experiencia DEFINITIVAMENTE noventera en todos los sentidos. A pesar que la serie siempre ha sido popular en el círculo otaku y todavía guarda una legión importante de seguidores desde el día uno hasta el fin de la serie el 2013 lo cierto es que gracias a YouTube Initial D agarró un segundo aire debido a todos los memes con eurobeat que han aparecido en estos años, algo que aunque sea un poco incómodo para los fans más puristas y extremistas de la serie fue algo inevitable de conversar.

Como ha sido la tónica en nuestro programa durante el episodio hablamos de la creación de la serie y también de todos los elementos que, casi por coincidencia, armaron la producción para la televisión japonesa en una apuesta Seinen que hasta cierto punto era un riesgo, uno que dio resultados positivos y que empezó a aumentar su presupuesto considerablemente (algo muy notorio en la segunda temporada, para bien o para mal) y en la segunda mitad ya nos adentramos a los spoilers con nuestros personajes, capítulos y momentos favoritos. También entregamos durante el programa una que otra curiosa anécdota sobre Initial D bien particulares… ¿sabían que una de las piezas fundamentales de la producción de Initial D trabajaría después en The Fast and the Furious?.

¡Esperamos que lo disfruten! en este episodio nuestro invitado es Opi, quien además de ser otaku y seguidor de Initial D su profesión es mecánico automotriz así que ya se estarán imaginando que el amigo nos ayudó enormemente con todo su conocimiento tuerca para una serie que merece ser tratada con ciertos tecnicismos, todo en el episodio más largo que hemos grabado (pero prometemos nunca más pasarnos de este límite).

Ivoox:

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Spotify:

BONUS: Curioso documental sobre el Para Para en Chile directo del 2007, con toda la onda (y, para qué negarlo, un poco de cringe) que existía en nuestro país al respecto.