En este nuevo episodio de Otaku no Shouzou entramos por primera vez a conversar de una categoría de adaptación al mundo del animé que hasta este punto nunca habíamos tocado: la del animé basado en un videojuego. Siendo la mitad de los años noventa, la explosión que tendrían varios juegos trajo consigo que muchos de sus dueños decidieran arriesgarse y traer estos productos a la animación japonesa, algo que en ese entonces era todo un riesgo considerando que una buena parte de la industria estaba todavía intentando entender cómo adaptar este medio al cine o a la televisión, tanto en Japón como en Hollywood.

Es por eso mismo que nos alegra mucho dar el puntapié inicial de este género en nuestro podcast con uno de sus mejores exponentes: Street Fighter II MOVIE, la película de 1994 creada por Group TAC (ex-Mushi Production que después de la quiebra del mencionado harían producciones como Uchuu Senkan Yamato, Tokimeki Tonight, Those Who Hunt Elves o Super Doll Licca-chan, cerrando el 2010) y que fue producida por la mismísima Capcom, los creadores del juego que en medio de la masividad imposible de detener de su juego Street Fighter II decidieron ellos mismos poner su propio dinero en la creación del animé, algo que no es común en estos casos.

Durante este episodio hablamos un poco de nuestra relación con el juego original que yo (Hayama) tengo una relación extremadamente importante en mi vida como videojugador, siendo los títulos de pelea mi género favorito de videojuegos. Esto dio de paso posteriormente a conversar sobre cómo conocimos de la existencia de la película y el gran legado que dejó no solamente a los fanáticos del juego sino que además a la propia franquicia ya posterior a su lanzamiento. Como es común en nuestro podcast también conversamos sobre la creación de la película que, por una increíble coincidencia que de verdad no fue planeada por mí o por Pau, su staff tiene mucho que ver con algunas personas que trabajaron en Kanashimi no Belladonna, nuestro episodio anterior, empezando por el hecho que esta película está dirigida por la misma persona, el legendario y versátil Gisaburo Sugii.

Ya posteriormente hablamos de la película con lujo de detalle y con spoilers, conversando de nuestros momentos favoritos. Obviamente el tema dio para mucho, incluyendo desde la injusta pero infaltable comparación con la película live action de Street Fighter hasta la inolvidable escena de Chun-Li en la ducha que hasta el día de hoy para muchos fue lo más… exótico, por decir lo menos (y que su impacto fue tan grande que fue imitada en otras películas de animé basadas en videojuegos de pelea, con aviso NSFW a nuestro hipervínculo), todo centrado en esos años de locura que a diferencia de otras películas de animé que hemos conversado esta por su franquicia terminó siendo un impresionante éxito en todo el mundo, al punto de ser de esas pocas películas de animé que llegaron a Estados Unidos de manera mainstream y que también fue alabada por los fanáticos… y sí, también hablamos de la versión norteamericana con la música de Korn y Alice in Chains que honestamente en el 2020 nos genera un poco de risa que otra cosa. Cabe destacar que si bien Pau sí jugó Street Fighter II en los noventa y conoce la franquicia la verdad es que su acercamiento es más bien sutil, por lo que escuchar su opinión sobre la película sin tener el efecto fanboy encima fue muy llamativo.

En este episodio tuvimos de invitado a Sr.NES quien nos acompañó anteriormente en el episodio de Hunter x Hunter y que además de ser un gran fan de esta película y franquicia me acompañó en un especial sobre Street Fighter en nuestro podcast de videojuegos para Gamercafe, que lo grabamos hace nueve años, ya casi diez… pero sigue vigente todo lo que decimos. Esperamos como siempre que disfruten de este episodio.

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Ayer grabamos el Otaku no Shouzou de la peli animada de Street Fighter II y @SrNES me recordó algo que de verdad había olvidado hace como 15 años: en Capcom Fighting Jam, cuando hacen el Midnight Bliss, Ryu se transforma en la cabra chica de Calcuta. Bien ahí Ono (algo que sea) pic.twitter.com/KvfibvfKKQ

— Hayama Akito (@TheBurpMan) November 9, 2020

Algunas de las series o películas de animé que hemos discutido en nuestro querido Otaku no Shouzou fueron éxitos instantáneos ya sea en Japón, en occidente o en todo el mundo a la vez, pero en esta oportunidad hablaremos de una película que tuvieron que pasar casi 40 años para que finalmente tomara el culto que merecía desde el día uno, no solo porque el ofrecimiento y su calidad es inolvidable sino que además entra en la categoría de la experimentación como no muchas producciones japonesas habían hecho en ese entonces.

Este episodio de Otaku no Shouzou fue dedicado a Kanashimi no Belladonna, película de 1973 creada por la legendaria Mushi Production que estaba encabezada originalmente por el mismo dios del manga y el animé Osamu Tezuka. Belladonna tiene toda una historia bien particular: justo cayendo en los años dorados del pinku, Tezuka y amigos decidieron experimentar de manera arriesgada y audaz en el género de la animación erótica para adultos cuando recién estaba explotando en el resto del mundo. De este plan nació la trilogía de películas conocidas como el Animerama, que además de Belladonna incluyó las películas Senya Ichiya Monogatari y Cleopatra (esta última conocida en el mercado norteamericano con el pintoresco nombre de Cleopatra: Queen of Sex). Belladonna, que es la última de la trilogía, es por lejos la de mayor riesgo comercial de las tres debido a varios factores artísticos que llevaron a la producción a transformarse en uno de los productos más avant-garde y experimentales que habían salido en el mercado hasta ese punto. Lamentablemente la recepción no fue la esperada y dio como resultado la quiebra del estudio, que pasarían varios años para ser refundado.

En este episodio hablamos en extenso de la creación de la película que realmente fue toda una locura hablar al respecto porque este es por lejos el episodio de Otaku no Shouzou en donde tuvimos que investigar más al respecto, llegando incluso a leer fuentes japonesas ya que no hay demasiada información en inglés (y mucho menos en español). Entre algunas cosas que conversamos fue de su particular staff, en donde Osamu Tezuka había renunciado al estudio debido a sus fracasos comerciales (para posteriormente crear Tezuka Productions) y que trajo consigo que el resto de su equipo se encargara de ella. Esto daría pistas de por qué la película es tan diferente a las demás ya que tiene a todo un elenco bien interesante: fue dirigida por el veterano Eiichi Yamamoto (quien adaptaría junto con el respetado Leiji Matsumoto a la versión animada de Uchuu Senkan Yamato), ilustrada por el increíblemente talentoso Kuni Fukai, con animación encabezada por el maestro Gisaburo Sugi (conocido por Ginga Tetsudou no Yoru pero que tiene un nutrido portafolio que pasa desde ser el director de la película de animé de Street Fighter II hasta incluso cosas de la talla de Super Doll Licca-chan, por más raro que suene esto último) y la frenetica composición musical de Masahiko Satoh.

El resultado final de este equipo es la entrega de una de las películas más “hippie” que salieron en Japón, muy inspirada en arte occidental de artistas como Gustav Klimt, Bernard Buffet y George Dunning (director de Yellow Submarine, la película animada de The Beatles), todo en un estilo demasiado “Summer of Love” muy psicodélico y que de seguro algunos la podrían catalogar como una película Stoner… se los advertimos.

En este episodio tuvimos de invitada nuevamente a Lovechan, amiga del podcast que la tenemos acá porque… simplemente la lleva. Como ha sido la tónica de todos nuestros episodios de películas hablamos de toda la extensión de esta con lujo de detalles, todo para al final llegar a nuestras interpretaciones personales de una producción obviamente demasiado artsyyyy para no debatirlo. Como siempre esperamos que disfruten de otro bello episodio de nuestro humilde proyecto.

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BONUS: Quiero aprovechar en usar este espacio para destacar por sobre todo el maravilloso trabajo de Kuni Fukai, el cual plasmó todo su talento en la película y que sin él simplemente no existiría. Esto lo digo porque casi no hay nada de información de su trabajo fuera de fuentes japonesas y al parecer Belladonna es lo único que ha salido al extranjero de su mano. Fukai es ilustrador, tiene 85 años y todavía está activo, siendo un maestro del arte erótico para novelas japonesas. Acá quiero dejar algunos de sus trabajos donde la única fuente que encontré para mostrarles esto fue a través de Yahoo Auctions Japan.

Una escena específica de Kanashimi no Belladonna cambia de manera drástica en su estilo de animación, pasando por un pintado muy llamativo. Esta técnica se realiza a través del pintado encima de vidrio, algo que a nivel mundial su mayor exponente es Aleksandr Petrov. Esto lo conversamos en el programa y quisimos destacar este documental (en ruso pero con subtítulos en inglés) donde se muestra esta técnica que es realmente increíble.

Finalmente, Pau comentó que acá en Chile este estilo de animación fue aplicado por la película La Casa Lobo, por si le quieren dar el vistazo pertinente.

Present Day, Present Time: era 1998 y justo Chile estaba en la locura de los años dorados del intercambio de VHS de animé y ciclos locales. Durante esa explosión uno de los elementos más recurrente del mundo otaku de ese entonces es que muchos de sus fanáticos estaban sumergidos en series más “profundas” o “sicológicas”, especialmente después del boom de Evangelion. Como parte de esta “contracultura” que hemos discutido en nuestro programa, una de esas series que fue muy importante no solamente porque contenía estos elementos sino que además estaba dentro del para al menos en Chile novedoso mundo del internet fue Serial Experiments Lain, que sacudió a su público con uno de los ofrecimientos más originales pero a la vez difíciles de entrar del animé en ese momento.

En este bello nuevo episodio de Otaku no Shouzou charlamos sobre esta clásica y “de culto” serie de TV de 1998 creada por Pioneer y Triangle Staff, quienes regresan a nuestro podcast después de conversar sobre este estudio en Shamanic Princess y Macross Plus. Una de las mayores particularidades de Triangle Staff es que se arriesgaron a cosas muy “experimentales” de la época y qué decir de Lain, que por lejos fue uno de los riesgos económicos más grandes que tuvo el estudio durante su existencia. Mezclando el cyberpunk con el terror psicológico, temas existenciales, sobre la realidad y especialmente sobre las conexiones en el mundo real y el internet (o en este caso el Wired), Serial Experiments Lain fue una de las series pioneras en tomar la temática del “ciberespacio” cuando en esos años todo era críptico y misterioso a ojos del consumidor casual. Esto además trajo consigo a un equipo muy prestigioso al staff de la serie, con nombres como Yasuyuki Ueda en la producción, el fallecido Ryutaro Nakamura de director, Chiaki J. Konaka como escritor y Yoshitoshi ABe en sus inconfundibles diseños de personaje. Además de todo esto se nos es imposible no mencionar la gigantesca popularidad que tuvo (y todavía tiene) el inolvidable OP de la serie, Duvet, que sacó de onda a mucha gente por estar en inglés y por su estilo melódico que podría haber pasado perfectamente como un single de una radio FM de la época.

Como es común hablamos de cómo conocimos la serie, justo en este ambiente de ver cosas “shuper locarsh” en años adolescentes y que obviamente dio un impacto especial al verlo a esa edad. También hablamos de la producción que fue todo un riesgo para sus creadores y como siempre hablamos del primer episodio con lujo de detalle y del resto con spoilers al final del episodio, además de conclusiones finales que la verdad pueden ser más o menos polarizadas para el gusto de algunos.

En este capítulo tuvimos de invitado a Wladymir Bernechea, quien escribió el libro Neo Tokio: Historia del animé en la cultura chilena y que nos acompañó junto con sus anécdotas de haber experimentado esta serie. Como siempre esperamos que disfruten de este episodio.

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BONUS: el equipo de Lain fue entrevistado en 1999 por la revista norteamericana Animerica, que fue muy discutido en su momento. Alguien tuvo la buena onda de traducir la entrevista al español, por si le quieren dar un vistazo.

A pesar que acá en Otaku no Shouzou no hablamos directamente de intercambio de piratería ni mucho menos el amigo Stigma acá en Chilito tuvo la maravilla de hacer un rip de Lain directo de VHS, por si quieren vivir la magia.

Otaku no Shouzou se complace en presentar otro episodio dedicado a un tema más general donde nos escapamos de conversar sobre una serie o película en particular y nos adentramos a la “experiencia” de la época… y wow, vaya que nos tocó hablar en esta oportunidad de un tema que cualquiera que haya vivido los ochenta o noventa y quería ver animé fuera de la televisión abierta y entrar de manera real al mundo otaku tuvo que pasar al menos una vez, ya sea de manera externa o vuelto loco en la comodidad de su casa.

En esta oportunidad hablamos de la experiencia de arriendo e intercambio de VHS, las ya casi desaparecidas cintas de video que abrieron las puertas a poder ver tranquilamente en tu hogar lo que quisieras sin la necesidad de ir al cine. Lo cierto es que mientras para el primer mundo esto generó una gigantesca industria acá por estos lados el VHS abrió todas las posibilidades del mundo a la piratería cuando pasamos de los “pasapelículas” a los videograbadores, algo que tenemos claro que si no hubiera sido por eso nuestra experiencia de animé en Chile por el formato habría estado casi en el borde de lo nulo para muchos de nosotros. ¡El tercer mundo siempre presente!

Durante este episodio conversamos de nuestra experiencia como usuarios de reproductores VHS y todo lo que significó para nosotros esa vivencia, tanto en poder arrendar animé en pequeños videoclubs (porque honestamente el catálogo en lugares como Errol’s o Blockbuster no era muy grande por la negativa que ellos tenían frente al animé) como el intercambio de VHS a través de grupos dedicados al tema, todo en el formato ya conocido de nuestro podcast donde la nostalgia fue protagonista número uno en esta oportunidad.

Sin embargo por lejos lo mejor de esta edición de Otaku no Shouzou fue nuestra invitada, Soubi, la que fue nada más y nada menos que dueña y trabajadora de un videoclub de barrio que empezó en 1990 y terminó el 2006, lo que generó una extensa pero muy entretenida conversación sobre la experiencia de mantener uno de estos queridos locales ya casi todos en extinción. Esto no solamente se conversó desde la perspectiva del videoclub sino que le dimos la vuelta otaku al tema ya que Soubi también lo es y vio un gigantesco y muy envidiable catálogo en VHS de animé siendo muy, muy joven, algo que de seguro generará una sana envidia a varios en nuestro público. La conversación también dio de manera chistosa otros tópicos al respecto, desde la “popularidad” de Manga Video directo desde España a nuestro mercado y las comillas las resalto porque les pirateamos absolutamente todo, la sorprendente suerte que tuvo Pau como usuaria de un reproductor de Laserdisc y hasta incluso esa extravagante pero curiosa anécdota de lo que ocurrió con Rodolfo Garrido y el escándalo de Urotsukidoji a nivel nacional en la segunda mitad de los noventa, entre otros.

Como siempre esperamos que disfruten de este episodio general que yo y Pau siempre lo pasamos bien realizando.

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BONUS: Por si alguien se quedó con la duda, la película que mencioné que vi y que es “lo más extraño” que tuve en VHS es esta.

Cuando Pau me ofreció grabar sobre la siguiente serie en este episodio de Otaku no Shouzou la verdad es que al principio no estaba muy convencido. Algunos por descarte van a sacar la conclusión automática que es “por la temática” pero no, nada que ver con eso, sino porque a pesar que la serie de TV salió a finales del 2000 y es parte del borde de lo que tocamos acá en el programa lo cierto es que ante mis ojos esta producción es, a todas luces, un reflejo de una escuela de animé que se moldearía y sería muy notorio durante la década del 2000. Sin embargo decidí darle otra vuelta: si bien es cierto que para la mayoría fue una experiencia “post”, al final del día esta fue una serie que cerró la década y dio vuelta la página para entregarle especialmente a occidente una visión más bien novedosa y revolucionaria fuera de Japón que es poder ver una serie shounen ai/BL para la televisión abierta.

En este episodio de Otaku no Shouzou hablamos de Gravitation en dos de sus adaptaciones animadas: los OVAs que salieron en 1999 y la serie de TV que apareció en octubre del año 2000, todo esto basado en la obra de la mangaka Maki Murakami quien había iniciado su trabajo con esta historia en 1996. Todo parece indicar que el éxito del manga fue explosivo porque no se demoró nada en ser adaptado al mundo del animé y si bien ya existían otras obras de corte BL o incluso yaoi antes de Gravitation que estaba dando vueltas en Chile en formato VHS (como Zetsuai 1989) esta fue toda una locura que trajo consigo una efervescencia nunca antes vista, especialmente dentro del público femenino otaku nacional, que hizo reventar el éxito de la serie al punto que uno viajaba por lugares como Eurocentro o Portal Lyon y se encontraba con una montaña de Kumagoro a la venta… casi al mismo nivel de personajes como Kero de Card Captor Sakura. Fue así de gigante.

Durante este episodio conversamos de los tópicos de siempre: cómo la conocimos, su creación en el mundo del animé que a esas alturas fue básicamente una “súper producción” para el género donde estaba metida las manos de Studio Deen y SME Visual Works (actualmente Aniplex) y un catálogo de seiyuus donde la gran mayoría ya eran estrellas o iban camino a serlo, como Tomokazu Seki, Kazuhiko Inoue, Ai Orikasa, Kappei Yamaguchi, Hiromi Tsuru o Rie Tanaka, entre otros. Todo esto dio como resultado una visión muy diferente al resto de las producciones BL que habían salido hasta ese punto, alejadas del dramón y shock clásico del género y acercándose a una comedia ligera muy agradable y accesible, casi en la escuela de Rumiko Takahashi a ratos en solamente 13 episodios, aunque igual con ciertos elementos oscuros.

A pesar que la serie de TV fue la protagonista principal del fenómeno antes de hablar de ella le dimos hincapié a los OVAs, que hasta unos días atrás nunca había visto pero que mi interés se disparó al 999% cuando me enteré que habían sido dirigidos por nada más y nada menos que el legendario Shinichi Watanabe, quien su fama por estirar la comedia japonesa al más absurdo denominador posible se ha plasmado en clásicos como Excel Saga o Puni Puni Poemy… y siendo sincero es algo que se nota a millones de kilómetros de distancia en estos OVAs. Esto dio como resultado muchas risas y la verdad es que lo pasamos bastante bien hablando al respecto. Como es costumbre también hablamos de la serie con spoilers al final, con nuestros personajes y episodios favoritos, entre otros. Todo esto dio como resultado una conversación entretenida pero a la vez bien crítica de la serie de TV, que honestamente a nivel visual no ha envejecido para nada bien y fue algo que detallamos en lo que pudimos.

En este episodio tuvimos de invitado a 3ndjuice, ilustrador y seguidor del trabajo de Maki Murakami y que si bien se considera fanático de Gravitation igual es a la vez bien crítico de este trabajo para el animé, siendo mucho más entusiasta del manga. Esto no quiere decir que se haya guardado sus opiniones frente a los OVAs y la serie de TV, que dio para largo en uno de los episodios más largos que hemos grabado en Otaku no Shouzou (¿otra vez?) y que esperamos disfruten.

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BONUS: Debido a que a Gravitation le tocó vivir la transición del análogo al digital la serie de TV sufrió de varios problemas con respecto a los bordes, que son errores que no se ven en televisores CRT pero que son completamente visibles en monitores VGA o HD. Hay desde errores perdonables hasta algunos realmente impresentables. Acá les dejamos dos ejemplos de lo “perdonable” y lo “impresentable”, aunque se pueden entretener ustedes mismos viendo la serie buscando los errores, que no son pocos.

Una de las cosas más memorables dentro del recuerdo del animé en un tono más “hardcore” en los noventa era lo impredecible que podía aparecer en tu vida, considerando que el internet a nivel masivo estaba recién naciendo: podía ser un VHS, podía ser un ciclo de animé o incluso podía ser una rara película que dieron alguna vez en TV y que fue estrenada en el horario y canal menos esperado… y esa fue la experiencia que me tocó con el filme de animé que hablaremos el día de hoy.

En este episodio de Otaku no Shouzou conversamos sobre Vampire Hunter D, la película de 1985 creada por Ashi Productions quienes observando cómo se estaba moviendo el lucrativo y recién inaugurado mundo de los OVAs decidieron escapar de su temática infantil del pasado y entrar con una producción directa al VHS, todo con el objetivo de sorprender a su público con una obra con ciertos niveles de violencia y temáticas que todavía no eran tan comunes y que querían escapar de la censura de la TV. Esta película fue basada en unas novelas de Hideyuki Kikuchi (quien también es el creador de Wicked City y Demon City Shinjuku, dos obras que igualmente fueron adaptadas al mundo del animé por el inconfundible Yoshiaki Kawajiri y que tomaría las riendas de Vampire Hunter D a futuro) donde en una intensa mezcla de vampiros, paisajes góticos y europeos, western e incluso cyberpunk dieron como resultado a una producción cinematográfica que no cayó a los cines per se en su país natal pero que dejó un enorme legado al otro lado del charco, donde al ser adquirida por Streamline Pictures (del controversial Carl Macek) se transformó en una de las primeras producciones de animé dirigido a un público adulto y dentro de círculos más vinculados al cine arte que generó un gigantesco culto en Estados Unidos, culto que incluso han intentado seguir cultivando hasta el día de hoy.

Y lo de Kikuchi no se queda solo en lo anecdótico: la película fue basada en el arte que traía las novelas, las cuales fueron ilustradas por el gigantesco y enormemente querido Yoshitaka Amano quien ya era muy famoso en Japón en ese entonces pero que años después se volvería una eminencia en occidente por su trabajo de diseño de personajes en Final Fantasy. Si eso es poco, Ashi Productions en la mentalidad “necesitamos una película violenta y transgresora” decidieron contratar para su dirección al fallecido Toyoo Ashida quien en ese entonces era el director de la serie de TV de Hokuto no Ken… y que es algo que en esta película se nota a mil kilómetros de distancia. Si a eso le sumamos la música del actualmente multimillonario Tetsuya Komuro de TM Network (quien iba en camino a crear uno de los temas de animé más exitosos a nivel comercial en Japón de todos los tiempos) da como resultado a un staff muy memorable.

Durante esta entrega de Otaku no Shouzou como es común hicimos nuestro repaso por cómo la conocimos, su creación y parte de todo el éxito que fue Vampire Hunter D en occidente, al punto que exclusivamente por este motivo nació Vampire Hunter D Bloodlust el año 2000 (que de seguro la hablaremos a futuro, justo entrando a duras penas a nuestra temática en el podcast), aunque probablemente una de las cosas más curiosas fue cuando comenté que debido a muuuuuucha suerte en la vida vi esta película siendo muy joven, en 1995, sin estar todavía 100% sumergido en el mundo del animé a nivel “otaku”, cuando fue mostrada en nada más y nada menos que Cartoon Network en el ciclo Night of the Vampire Robots, muchísimo antes de la existencia de Toonami o Adult Swim. También como deben estar imaginando hablamos de la película con lujo de detalles, además de otros temas que se dieron en el camino como nuestro respeto y admiración al trabajo de Amano en cosas como Angel’s Egg (que estúpidamente le digo “Angel’s Eyes” en varias oportunidades en el programa, que es el juego de peleas de Tecmo y pido disculpas de antemano por la confusión derp), entre otras cosas.

¡Como siempre yo y Pau esperamos que lo disfruten!

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BONUS: Toyoo Ashida no tuvo ningún problema en demostrar que era el director de Hokuto no Ken durante el OVA y esto no solamente se despliega en su estilo que es inconfundible sino que además incluso Kenshiro y Lynn tienen cameos, que lo destacamos acá con estas imágenes.

Una de las cosas bellas de la experiencia otaku de los noventa, especialmente en su segunda mitad, fue la llegada de una variopinta selección de series de manga y animé los cuales parecían tener ciertas tendencias a lo erótico y mucho más oscuras y retorcidas en trama que el promedio pero que a la vez estaban dirigidas al público femenino, algo normal en Japón desde los setenta pero que por acá no dejaba indiferente a nadie en esos años. Debido a ese material existió (¡y todavía existe!) un grupo específico del mundo otaku femenino el cual gozaba casi en exclusiva de este tipo de contenido, por lo que precisamente gracias a ese público fue el que yo llegué a la serie de animé que conversamos el día de hoy en nuestro hermoso podcast.

En esta oportunidad en Otaku no Shouzou conversamos sobre Shamanic Princess, una producción de Triangle Staff dirigida exclusivamente al mercado de los OVA y que se apuntó seis episodios entre los años 1996 a 1998. Para ese entonces la gente de Triangle, todos ex-Madhouse, recién estaban extendiendo sus alas para realizar series de animé que serían reconocidas particularmente por su experimentación y conceptos poco ortodoxos (como por ejemplo que apenas terminara Shamanic Princess el equipo de Triangle crearía la extremadamente popular Serial Experiments Lain, serie que obviamente hablaremos a futuro) y si bien lamentablemente el estudio cerraría a inicios de los 2000 su legado quedó registrado en la gran mayoría de los fanáticos del medio.

Durante el episodio conversamos sobre este particular acercamiento al género del mahou shoujou donde entre medio de la locura de Sailor Moon en nuestro país y gran parte del planeta Triangle quiso romper el molde y entregarnos una propuesta “edgy” al género, algo que si bien tenemos claro que incluso la propia Sailor Moon lo intentó en algún momento esta visión de Shamanic Princess sobre las chicas mágicas con súperpoderes llegaría con paisajes europeos, peleas con mucha sangre de por medio, rituales paganos y mucho escote. Lo que podría parecer la sinopsis de algo totalmente dirigido al público masculino al final del día da vuelta la tortilla con unos diseños de animé Shoujo extremadamente noventeros, creados por Atsuko Ishida quien antes había sido la diseñadora de personajes y la encargada de adaptar al mundo de la TV la serie Magic Knight Rayearth (conocida en nuestro país con el horrible y genérico nombre de Las Guerreras Mágicas) y que no es una simple anécdota, ya que Shamanic Princess bebe descaradamente de los delicados y complejos esquemas estéticos de Clamp… y sí, prepárense para esos ojos gigantes y esos peinados espectaculares que solo se ven en cosplay.

Como ya deben esperarse hablamos tanto de cómo conocimos estos OVAs y a su vez sobre la producción de estos, su primer episodio con detalle y ya después nos sumergimos en los spoilers con nuestros episodios y momentos favoritos. Cabe destacar que este fue un episodio de Otaku no Shouzou con comentarios más bien polarizados frente a la serie, la cual es por lejos la producción de animé más débil que hemos conversado hasta la fecha en nuestro podcast pero que a la vez tiene ciertos elementos que todavía se rescatan y que quisimos revivir en nuestra memoria, como su impecable trabajo de animación que todavía es muy llamativo.

Como siempre esperamos que disfruten de Otaku no Shouzou y nuestro humilde proyecto hecho por quien les escribe (Hayama) y Pau.

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Una vez más Otaku no Shouzou se lanza de un chapuzón a un animé que fue transmitido en TV abierta en Chile y que fue doblado en latino, algo que de seguro a nadie le va a sorprender que son por lejos nuestros episodios con mayor cantidad de reproducciones. Lo hemos hecho con series como Ranma ½, Tenkuu no Escaflowne, Hunter x Hunter, Ghost Sweeper Mikami y Tenchi Muyo! y en esta oportunidad nos toca conversar de una serie que en algún punto de la vida fue una de las más queridas en nuestro país y que con el paso del tiempo se diluyó un poco porque pasado el 2000 no siguieron doblando más episodios… y ya está a punto de llegar a los 1000 en Japón, lo que genera una flojera absoluta.

En este episodio hablamos de Detective Conan y su adaptación al animé para la TV de este estúpidamente popular manga creado por Gosho Aoyama. Lo de “estúpidamente popular” no es un simple decir: si bien es cierto que fue muy apreciada y tuvo un grupo no menor de fanáticos en nuestro país por otro lado estaba bastante lejos de posicionarse en el Top 3 ni mucho menos, mientras que en Japón hasta nuestros días Detective Conan es un branding que ha traspasado todas las fronteras de lo imaginable y se ha consolidado como una de las creaciones hechas en Japón más lucrativas de todos los tiempos. Actualmente Detective Conan es el quinto manga más vendido de la historia superando a series como Slam Dunk, Bleach, Shingeki no Kyojin o Hunter x Hunter, lo que para la gente que se perdió con lo que pasó post-doblaje en latinoamérica suena difícil de creer.

Como ha sido común en estos casos conversamos sobre cómo conocimos la franquicia (que para algunos tal vez no fue el primer anime que vieron de Aoyama), la creación del manga y su salto al animé y obviamente tiramos al aire nuestros personajes y episodios favoritos, en un episodio cargado de harta nostalgia.

Sin embargo –y de seguro algunos estaban esperando esto– fue absolutamente inevitable conversar sobre la locura del doblaje latino de Detective Conan, ya que por varios motivos (incluyendo su casi nula popularidad en Estados Unidos) pasar al mundo de los episodios en japonés fuera de lo que doblaban acá fue por muchísimos años una experiencia muy complicada de concretar y que no vino a normalizarse de manera más digerible recién a principios de la década pasada, más que nada por la cantidad maratónica de episodios que tiene la serie. Debido a lo mencionado su trabajo de fansub no era una tarea fácil en la década de los 2000s.

Con todo esto encima, conversamos sobre la producción del doblaje que NO está hecho en México sino en Los Ángeles, California por la compañía Point 360 (conocida en esa época como VDI Media) y que si bien varias de las personas involucradas como actores de doblaje hicieron un trabajo profesional lamentablemente hasta nuestros días el trabajo de ellos es recordado por los inolvidables cambios de nombre (Ran Mori a Claudia Guzmán, Kogoro Mori a Carlos Guzmán, Shinichi Kudo a… BOBBY JACKSON ¿¿¿???) y unos impresentables errores de continuidad, cambios de nombres de un episodio a otro sin aviso y caos en la edición de sonido. Una experiencia que es discutida a tono irónico hasta nuestros días, con más de dos décadas encima. Este tema fue “corregido” muchísimos años después cuando la serie volvió a ser adquirida nada más y nada menos que en nuestro país para volver a ser doblada desde el punto que la dejaron tirada… pero eso es post-2000, así que lo tocamos de una manera muy, muy vaga.

En este episodio tuvimos de invitado a Tantei Kid, fanático a morir de Detective Conan que la disfrutó a concho en los noventa y que además es de ese selecto grupo que dio el salto al animé post-doblaje y que va “al día” con la serie, lo que siempre es refrescante de escuchar y conocer. Como siempre yo y Pau esperamos que disfruten de este episodio que fue (¿sorpresa?) el más largo que hemos grabado hasta la fecha, más que nada porque nos llegaron tantos saludos y preguntas que se nos fue un buen tiempo en eso (¡cosa que agradecemos!).

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BONUS: La actriz de voz del doblaje latino de Conan, Marcela Bordes, dio una entrevista sobre su experiencia en el doblaje de la serie para YouTube. Hay un par de puntos que los discutimos en el podcast, agregando también a la conversación unas declaraciones de Rubén Trujillo que también estuvo presente en este doblaje, despejando ciertas sospechas.

Ah y, como real bonus…