Este episodio de Otaku no Shouzou es espiritualmente una “segunda parte” ya que una vez más nos tocó hablar de la franquicia Vampire Hunter D y sus adaptaciones al mundo del animé. La vez anterior lo hicimos con el OVA de 1985 que le tenemos mucho respeto y admiración y en esta oportunidad nos saltamos 15 años después ya que en el 2000 recibimos la llegada de Vampire Hunter D: Bloodlust.
Gracias a la magia de Madhouse el mundo del animé recibió una vez más otra increíble producción de este clásico y consagrado estudio, donde en esta oportunidad la responsabilidad de traer a D a la pantalla grande estuvo en manos del legendario y mítico Yoshiaki Kawajiri, maestro del medio y experto del estilo hypervisual del cual ya hablamos antes de él en nuestro programa debido a su magna obra Ninja Scroll. Lo bueno del caso es que todavía nos queda muchísimo más de qué hablar sobre Kawajiri en el futuro, ya que fue un ídolo del animé durante los ochenta y noventa.
Durante este episodio hablamos de sobre cómo la conocimos, su potente producción realzada por el éxito que había sido el OVA original específicamente en Estados Unidos donde Bloodlust terminó siendo estrenada primero en occidente que en su tierra natal, detalles sobre su staff donde nuevamente brillan los diseños originales del querido Yoshitaka Amano y finalmente hablamos de la película con lujo de detalles y spoilers como es común en nuestro podcast. Cabe destacar que fue muy interesante conversar sobre la sensación térmica de la escena otaku en ese entonces cuando salió la película, donde el interés por ella no solo se reflejaba en los fans del OVA original sino además de otros públicos muy diferentes que rondaban desde los seguidores de Castlevania hasta los adeptos al visual kei.
Este episodio tuvo de invitado por tercera vez en nuestro programa a 3ndjuice el cual no solo ama a esta película sino que además tuvo una enorme influencia de manera artística en su trabajo como ilustrador. Como siempre esperamos que disfruten de otro bello episodio de nuestro humilde proyecto.
Una vez más Otaku no Shouzou entra al prestigioso catálogo de Studio Ghibli, donde en el pasado ya hemos revisado varias películas y afortunadamente todavía nos falta harto por ver y disfrutar en nuestro programa. Lo bueno de este caso es que por más amor y cariño incondicional que le tengamos al trabajo de Hayao Miyazaki la verdad es que este episodio nos trae de regreso a hablar del legendario maestro y regalón tanto mío como de Pau, don Isao Takahata .
En este episodio hablamos de Omoide Poro Poro (o OmoHIde Poro Poro, algo llamativo que lo hablamos en el podcast), película que en el mercado occidental se conoce como Only Yesterday y que en la localización a nuestro mercado cayó como Recuerdos del Ayer. Este filme fue estrenado en el mercado japonés el 20 de julio de 1991, por lo que justo (y sin planearlo de antemano, honestamente) esta producción está cumpliendo 30 años, por lo que era un excelente momento para conversar sobre esta excelente obra dirigida por Takahata y basada en el manga de Hotaru Okamoto y Yuko Tone.
Durante este episodio conversamos sobre cómo la conocimos, su producción y posteriormente sobre la película con lujo de detalle y spoilers. Cabe destacar que este episodio tuvo detalles bien interesantes que acentuamos en nuestra charla, como por ejemplo el acercamiento más seinen que generalmente tiene Takahata en sus películas de Ghibli y que, de hecho, para muchos esta es una de las películas más dirigidas a un público adulto de su catálogo (y, por ende, una de las más infravaloradas). También hablamos de su preocupación personal como director con memorias pasadas de Japón (comparando ese tema con su anterior película Hotaru no Haka o La Tumba de las Luciérnagas que de seguro hablaremos de ella a futuro) y, como casi de manera única en nuestro programa, hablamos de nuestros propios recuerdos frente al ofrecimiento que da la película, donde todo se mezcló en una conversación muy amena y con momentos chistosos o emotivos que esperamos disfruten.
En esta oportunidad nuestra invitada es nuevamente la querida Daniela Pino que nos acompañó anteriormente en nuestro episodio dedicado a Kiki y que dejó otra vez en constancia su amor a Studio Ghibli.
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BONUS: Con toda honestidad esto tiene más que ver con Sailor Moon que con esta película pero como la siguiente canción aparece en el filme y lo aclaramos específicamente en este episodio igual lo comentaremos, ya que en una escena aparece Sayonara wa Dance no Atoni de Baisho Chieko que su melodía fue pieza fundamental para la composición de Moonlight Densetsu. Una anécdota extremadamente vieja y conocida entre los fans de Sailor Moon pero lo dejamos acá por si acaso.
Y, para los con la curiosidad, el documental sobre “lo literario de Studio Ghibli” que mencionamos en el programa se llama Ghibli no Hondana y que fue transmitido en la BS Nippon Television el 2010. No es particularmente fácil de encontrar (no está en YouTube por lo que revisamos, así que no lo adjuntamos acá y pido disculpas por eso) pero unas vueltas en Google pueden ayudar.
Si bien uno de nuestros primeros episodios de Otaku no Shouzou estuvo dedicado a la magnífica Top wo Nerae! la verdad es que creemos que esta es la primera vez en nuestro podcast que entramos a una serie 100% arraigada en las bases más puras y cristalinas del género del Super Robot, algo que de verdad lo debíamos y que en esta oportunidad tocamos una adaptación noventera de un megaclásico que nos alegra revisar, porque no ha envejecido una gota.
En este episodio conversamos sobre Change!! Getter Robo, conocido en el mercado norteamericano como Getter Robo Armageddon, los 13 fantásticos OVAs de Brain’s Base basados en la famosa serie Super Robot creada por las leyendas Ken Ishikawa y Go Nagai.
Cayendo estos OVAs en 1998 como parte de la celebración de los 15 años de Emotion (la mítica distribuidora de animé de Bandai reconocida hasta la fecha por su inolvidable logotipo con los moais), esta producción fue básicamente un tributo a toda la carrera de Ken Ishikawa y si bien tenemos claro que Getter Robo es una creación en conjunto con el gigante indiscutido que es Go Nagai (Mazinger Z, Cutie Honey, Devilman) fue Ishikawa no solo el que le dio su estilo inconfundible sino que siguió con la franquicia durante toda su carrera, falleciendo lamentablemente el año 2006 a los 58 años.
A algunos les va a parecer raro que hayamos elegido a Change!! Getter Robo en vez de su serie original de animé de 1974, emblemática, fundamental y esencial para la creación del género de los Super Robots, pero este episodio fue elegido por Pau la cual tenía una historia personal para que habláramos específicamente de ella y que lo comentamos en este episodio. A pesar de todo fue inevitable hablar sobre la carrera general de Ken Ishikawa y si bien no lo hicimos con lujo de detalle comparado con otras oportunidades de nuestro podcast creemos que dejará en evidencia toda su enorme importancia como uno de los grandes del mundo del manga.
Como es común hablamos de cómo la conocimos, su creación a cargo de Brain’s Base que aunque sea difícil de creer fue su debút (aunque todos en el equipo son veteranos del animé, ex-Tokyo Movie Shinsha) y posteriormente de todos los OVAs con spoilers. Queremos destacar de manera prioritaria que además este episodio contiene spoilers de las temporadas anteriores de Getter Robo, algo que fue necesario para poder comprender la importancia de esta producción que vino a entregar alegrías pero a la vez una auténtica locura a todos los veteranos de Getter Robo en esa época, especialmente en Japón. Fue además inevitable conversar un poco sobre la experiencia del fan del Super Robot acá en Chile en esos años, un grupo bastante particular en mi experiencia personal y el de nuestro invitado.
Que, por cierto, una vez más se repite en nuestro programa el buen Pandurris de invitado que siempre le han brillado los ojitos con los robots, así que sabíamos que lo requeríamos para esta entrega que esperamos disfruten.
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BONUS: Si bien Ken Ishikawa era un excelente y elogiado mangaka en los años setenta su carrera es recordada por su notoria superación en su estilo de dibujo, con ilustraciones realmente increíbles ya tirado desde los años ochenta hacia adelante. Acá una comparativa del primer tomo de Getter Robo con el trabajo de Ishikawa 20 años después.
Como la mayoría de los que nos escuchan saben, nuestro proyecto de podcastOtaku no Shouzou está dirigido específicamente al mundo del animé y por temas de tiempo y organización todo lo que tiene que ver exclusivamente con manga lo dejamos como algo secundario o anexo a los tópicos que hablamos por episodio, algo que por ahora no va a cambiar a corto plazo. Debido a esto, hay varios artistas del mundo del manga que admiramos mucho y que nos encantaría conversar sobre ellos pero que lamentablemente no tienen adaptaciones al mundo del animé, por lo que se escapan del radar del programa. En el caso de este episodio apenas nos salvamos, ya que nos tocó hablar sobre la que es para sus seguidores y la crítica especializada una de las más legendarias autoras de manga shoujo de todos los tiempos pero que entre su extenso catálogo solo tiene, sorpresivamente, una adaptación al animé entre todas sus obras.
En este episodio de Otaku no Shouzou hablamos de la adaptación cinematográfica de Juuichinin Iru!, conocida mayoritariamente en occidente como They Were Eleven y en español, dependiendo el caso, como ¿Quién es el 11º pasajero? o incluso Odisea Galáctica en el muy obscuro doblaje latino. Esta película de 1986 por Kitty Film es la única adaptación al mundo del animé de la obra de la legendaria Moto Hagio, la para muchos indiscutida reina del shoujo manga quien revolucionó el género en los años setenta junto con esta historia además de otras como Poe no Ichizoku o Thomas no Shinzou. Esta “revolución” sacudió al manga supuestamente dirigido solo a niñas pequeñas o adolescentes por sus complejas y sotisficadas temáticas que tocan sus obras, muchas de ellas recordadas hasta nuestros días también por los temas de género y feminismo muy adelantados a su época.
Durante este episodio hablamos de cómo la conocimos, su producción y finalmente sobre la película en extenso con spoilers, sin embargo debido a que siempre es muy entretenido profesar nuestro incondicional amor a Moto Hagio y que es la única vez que probablemente hablaremos sobre ella de esta manera, tomamos la decisión de conversar también de su trabajo en general, que si bien no fue una repasada profunda (ya que no nos alcanzaba el tiempo) sí fue un buen momento para conversar sobre su gigantesca influencia en el mundo del manga y el animé, no solo en el shoujo sino en géneros completamente alejados de este gracias a su increíble trabajo que venía de la mano con toda la maravillosa generación del grupo del año 24.
Cabe destacar que además Juuichinin Iru! no solo es llamativa por los temas clásicos del estilo de Hagio sino que además la autora entró con esta obra al mundo de la ciencia ficción espacial, con temáticas que ante los ojos de muchos estaban extremadamente adelantadas a su época, especialmente por el estilo en que está escrita como una suerte de thriller espacial que años después se volvería muy popular en occidente gracias a películas como Alien. Hay que dejar en claro que si bien la película de animé es de 1986, el manga original es de nada más y nada menos de 1975, lo que vuela la mente pensarlo. Otro detalle particular de este episodio es que esta película está dirigida por Satoshi Dezaki, el hermano de la súperleyenda del animé Osamu Dezaki que nos dio cierta risa mencionarlo ya que a título personal soy un gran fan de Osamu Dezaki (uno de los mejores directores de animé de todos los tiempos en mi humilde opinión) pero partimos por pirmera vez hablando de su hermano en nuestro podcast que, si bien hizo un muy buen trabajo acá, su nombre tiene una reputación bastante más obscura y desconocida… cosas de la vida (y, honestamente, mejor, ya que hablamos de un mundo de dirección de animé que no conocíamos para nada hasta la realización de este episodio).
Esta entrega de Otaku no Shouzou tuvo como invitada a Lovechan quien ya nos ha acompañado en varias ocasiones y que se declara una gran seguidora de Moto Hagio, lo que dio como resultado otra entretenida conversación que esperamos disfruten.
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BONUS: Debido a que nuestra bella Lovechan es culta, fina y educada siempre que pasa por nuestro programa las entradas de mi blog se llenan de detalles anexos muy interesantes que conversamos durante la realización del podcast, así que partamos.
Pau conoció por primera vez el trabajo de Moto Hagio cuando la vio entrevistada en Manben, el increíblemente histórico y excelente programa de TV japonés realizado por la leyenda del manga Naoki Urasawa (Yawara!, Master Keaton, Monster, Pluto, 20th Century Boys, Asadora!) que cualquiera que disfrute del manga y muy especial del dibujo es un esencial. El programa está siendo traducido en inglés en este sitio web y el episodio específico es este.
Debido a los comentarios de Usamimi directo desde el Anime Nostalgia Podcast nos enteramos de la existencia del libro Four Shoujo Stories, una muy obscura publicación que salió a mediados de los noventa en Estados Unidos donde They Were Eleven fue publicado. Actualmente es una versión bastante difícil y cara de conseguir.
Durante el episodio hablamos de Junichi Nakahara y su influencia en el Shoujo de los setenta. El autor, muy famoso en Japón, tuvo un estilo de dibujo muy bello el cual su autoridad sigue presente. El sitio español Ryuhikai tiene un escueto pero interesante artículo al respecto con una interesante galería de imágenes. Queremos destacar en el blog el hecho que Nakahara le gustaba dibujar mucho siluetas y figuras a contraluz, algo que fue influencial no solo para Hagio sino para directores como Kunihiko Ikuhara donde, por ejemplo, estas dos ilustraciones de Nakahara revelan parte de por qué existe esa iconografía clásica de él como las “hermanas kashira” en Utena. Imágenes cortesía de scans provenientes de Empty Movement.
Si estás involucrado/a en el mundo del shoujo esta anécdota es muy probable que la conozcas ya que se ha vuelto un clásico de redes sociales y lugares como Tumblr, pero algunos personajes masculinos creados no solo por Hagio sino por muchas mangakas de shoujo de los setenta fueron inspirados en Björn Andrésen, actor sueco conocido particularmente en occidente por su participación en Muerte en Venecia. Es casi unánime que su belleza fue pieza fundamental para crear el arquetipo bishounen del manga y el animé, algo predilecto de Moto Hagio.
Si bien la obra de Moto Hagio ha evadido el mundo del animé, algo que lamentamos, sus mangas sí han sido adaptados a otros medios. Uno de los que comentamos en el podcast fue el caso de 1999 Nen no Natsu Yasumi, una adaptación muy alocada y arthouse de Thomas no Shinzou realizada en 1988 y dirigida por Shuusuke Kaneko. Una de sus mayores características es que a pesar que el manga original está protagonizado solo por hombres adolescentes en el caso de la película estos hombres fueron interpretados por un elenco femenino que hizo un increíble trabajo. A título personal es, probablemente, mi adaptación favorita al live action que se haya hecho de un manga. Totalmente recomendada. Acá un pequeño extracto.
Finalmente (y muy anexo a todo) me fue mal buscando el soundtrack de la película para acompañar nuestro episodio (solo encontré tres temas en YouTube) así que para rellenar pero de buena manera decidí utilizar Cosmos, un fabuloso álbum de los setenta con temática espacial compuesto por el gigante del animé y el cine japonés Yuji Ohno que vale la pena le den la escuchada pertinente.
Otaku no Shouzou una vez más regresa a una franquicia de animé pre-2000 situada en la experiencia de la televisión abierta y el doblaje latino, tocando además otra serie extremadamente popular de la segunda mitad de los noventa, mitad que por varios motivos probablemente siempre será de las más conversadas en nuestro programa… y en esta oportunidad el nombre ni siquiera se sostenía solo por el animé, sino porque era parte de lo que se transformaría en la franquicia comercial más exitosa de todos los tiempos, así de gigante.
En esta oportunidad hablamos de la adaptación como animé de TV de Pokémon, la megafranquicia de Game Freak, The Pokémon Company y Nintendo que supondremos no requiere presentación, especialmente porque a diferencia de muchas series y películas que hemos hablado hasta este punto Pokémon es una marca que sigue tan estúpidamente viva y exitosa como lo era en sus primeros años, consagrándose como parte de la cultura popular con sus videojuegos y que ya hace mucho rato que es parte del conocimiento general de cualquier ser humano… a estas alturas Pikachu es más famoso que cualquiera de tus ídolos terrenales o religiosos favoritos, lo quieran o no.
Pokémon fue un emblema cayendo justo en medio del gran “boom” que el animé estaba viviendo en latinoamérica, por lo que la serie no solamente fue gigantescamente popular como en el resto del mundo sino que además iba de la mano con la locura otaku local, muy a pesar que estamos claros que esta serie es un kodomo y la gente que la disfrutó al 100% eran bastante más pequeños comparado al público de otras series o películas que hemos conversado en nuestro podcast hasta la fecha. A pesar de eso Pokémon tenía la ventaja de haber nacido en el mundo de los videojuegos en Game Boy, por lo que despertó la curiosidad “gamer” de gente que no era el público objetivo de todas formas.
En esta oportunidad conversamos de cómo conocimos la serie aunque a título personal y a diferencia de Pau yo viví las expectativas del animé debido a mi amor a los videojuegos, por lo que a diferencia de otras ediciones de Otaku no Shouzou en esta oportunidad dirigimos un poco nuestra conversación a Pokémon como juego, muy a pesar que solo fue un ratito ya que ustedes saben que esta no es nuestra prioridad. Posteriormente ya pasamos a la experiencia de la serie de TV, hablando de su equipo conformado por gente de Oriental Light and Magic quienes antes acá en nuestro país el mundo otaku los conocía por los OVAs de Gunsmith Cats, pelamos un poco sobre la localización norteamericana de la cual lamentablemente no nos salvamos de la mano de 4Kids, recordamos el doblaje latino con sus a ratos exagerada experiencia mexicanota que es para muchos inolvidable para bien o para mal y ya finalmente hablamos con spoilers de nuestros momentos y episodios favoritos, incluyendo además al tema hablar casualmente de las dos primeras películas de Pokémon, conocidas como Mewtwo Strikes Back y The Movie 2000 en el mercado gringo.
Obviamente debido a que Otaku no Shouzou habla exclusivamente de animé antes que terminara el año 2000 en este episodio tratamos sobre el animé de TV de Pokémon solo hasta la liga Johto, lo que como coincidencia y vivencia personal cercana fue un momento donde algunos abandonaron la serie cuando notaron que esto iba a ser eterno, lo que hasta la fecha se ha cumplido. Aprovechamos también en hacer un mea culpa con mencionar que la tercera película también es de antes de que acabara el 2000 pero bueno… tampoco nos alcanzaba el tiempo, así que por ahora la dejamos sin hablar de ella.
En este episodio tuvimos de invitada a Bea, amiga de hace muchos años quien es jueza Pokémon oficial y que es fanática de la serie desde que empezó en los noventa, siendo completamente el público objetivo de esa época y que fue bastante notorio durante el programa todo el amor que le tiene al animé en esos años.
Como siempre esperamos que disfruten de este episodio.
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BONUS: De seguro como chileno si viviste la época te acordarás de esto, pero como nuestra invitada no lo recordaba lo dejamos acá para que sufran con ella.
En este nuevo episodio de Otaku no Shouzou regresamos al año 2000 con otra serie que se mantiene a duras penas dentro del margen en nuestro límite de lo que hablamos, aunque tal vez más de uno estará contento de que hablemos de ella… especialmente la gente que disfrutaba con locura los edgy years de los monos chinos.
En esta oportunidad conversamos sobre Boogiepop Phantom, la serie para TV que cayó y terminó justo en el año 2000 realizada por Madhouse junto con una colaboración con Triangle Staff, el extinto estudio recordado por su experimentación en el medio con producciones poco ortodoxas y esta definitivamente no es la excepción, ya que Boogiepop Phantom entró al mundo del animé justo cuando estaba muy de moda las series de terror psicológico o más oscuras y crípticas. Si viviste la época de seguro más de uno recordará que incluso la serie fue vendida de manera bastante errada como “la secuela espiritual para los fanáticos de Serial Experiments Lain“, algo que yo y Pau rechazamos categóricamente pero que a la vez reconocemos que era un punto de venta fácil y llamativo, especialmente porque al final del día sí había gente de Lain involucrado en esto, pero en otra onda nada que ver.
Durante este episodio hablamos de su creación donde repasamos nuestra experiencia con la franquicia Boogiepop en general, conocida en Japón como Boogipop wa Warawanai (Boogiepop no se ríe) y que nació gracias a las novelas escritas por Kouhei Kadono, recibiendo un gigantesco éxito en Japón y que, de hecho, fue pieza fundamental para la proliferación y fama del formato de “novela ligera”, algo tan enormemente popular en la actualidad, especialmente a la hora de hablar de adaptaciones al formato animé en estos tiempos. Debido a esto, no mucha gente sabía (y al parecer tampoco se sabe mucho ahora) que la serie de TV del 2000 es otra historia totalmente nueva y que está entre medio de la franquicia, siendo un requerimiento haber leído las novelas e incluso haber visto el live action que salió ese año. Todo esto trae consigo muchas confusiones, ya que dejan a Boogiepop Phantom como una experiencia extremadamente compleja y difícil de digerir la primera vez que la vez… más de lo que ya está hecha, puesto que la serie es recordada notoriamente por su inusual estilo de dirección, uso de música y sonido y muy especialmente en lo estético donde casi todos los episodios están animados en base a un filtro sepia que llama la atención como algo totalmente insólito dentro del animé.
Todo esto llegó con una nueva historia original escrita por Kadono en colaboración con Sadayuki Murai, quien anteriormente adaptó al animé la historia de la mismísima Perfect Blue, además de la dirección de Takashi Watanabe que realmente nos vuela la cabeza pensar que es de su autoría ya que es el director de series absolutamente diferentes como Slayers, Lost Universe o Tenjou Tenge, solo por mencionar algunas. También conversamos sobre su interesante trabajo musical y sonoro, que es por lejos uno de los mejores elementos de la serie. Todo dio en total una extensa conversación sobre este animé que, vamos a adelantar y ser sinceros con ustedes que la verdad fuimos bastante críticos con varios de sus elementos tan clásicos de esa época y que sentimos enredaron la situación más de lo necesario. También hablamos de la película live action dirigida por Ryu Kaneda quien ya antes había hecho una adaptación al cine de Video Girl Ai y que es… eeh… “exótica“. Cabe destacar que la franquicia sigue active e incluso tuvo una nueva serie el 2019 que mencionamos un poquito al respecto.
Como siempre esperamos que disfruten de este episodio.
Tal como lo habíamos prometido, en este episodio de Otaku no Shouzou continúa nuestro repaso por las cinco temporadas de Bishoujo Senshi Sailor Moon, la adaptación al animé de este megaclásico de Naoko Takeuchi que no requiere presentación. Debido a que la franquicia es tan importante para nosotros decidimos darle esta revisión con lujo de detalles a cada una de las temporadas de la serie, empezando el pasado mes de marzo con la primera temporada y ahora le toca el turno a Bishoujo Senshi Sailor Moon R, cayendo su primera emisión en Japón en 1993.
Sailor Moon R se destaca por ser la primera “secuela” de la franquicia la cual tuvo que pasar obligatoriamente por dos arcos: el primer arco Cardian, recordado por los enemigos alienígenas Ail y An y posteriormente el arco del clan Black Moon. El primer arco es a todas luces un relleno de aquellos pero que al mismo tiempo fue obligatorio y necesario de realizar debido a todo lo gigantescamente diferente que fue el final de la primera temporada del animé con respecto al manga, trayendo elementos más arraigados a la comedia y situaciones un tanto ridículas (como el extraño Tsukikage no Kishi o Caballero de la Luna en el doblaje latino) mientras que el segundo arco está inspirado directamente del manga, siendo más “canónico” y trayendo al universo de Sailor Moon elementos de ciencia ficción y viajes en el tiempo que, honestamente, nadie se los esperaba. Por supuesto que también muchos recuerdan esta temporada por la llegada de Chibiusa, uno de los personajes más importantes de toda la serie… para bien o para mal.
Debido a que es primera vez en nuestro podcast que hablamos de una secuela directa de algo (los OVAs de Ranma ½ están en otra categoría de continuidad, por no decir que una buena parte ni siquiera son canónicos) en este episodio nos dirigimos sin muchos preámbulos a hablar de ella con todos los spoilers posibles, están más que advertidos. También conversamos de mi desesperación de la época por enterarme de lo que ocurría en R debido a que la temporada se demoró en llegar a Chile y una que otra anécdota, además de la creación de esta temporada donde entra por primera vez la mano del legendario Kunihiko Ikuhara quien no solo le tocó dirigir el arco del Black Moon sino que además fue el cabecilla de la muy recordada película de Sailor Moon R que también hablamos de ella, aunque confesamos que se nos fue demasiado el tiempo en hablar de la serie de TV y no mencionamos todo lo que hubiéramos querido.
Este episodio tuvo de invitado a Usagi Glitter, drag queen, hyperking, cosplayer y estilista profesional que nos acompañó para hablar de sus experiencias frente a Sailor Moon y que tuvo en general bastantes buenas palabras para la temporada de R a pesar de no ser su favorita, que honestamente es raro escuchar que es la favorita de alguien y que fue tópico en nuestro episodio por lo que fue muy entretenido compartir opiniones al respecto de sus elementos positivos y negativos.
Los próximos episodios de Otaku no Shouzou seguirán con otras series y películas, ¡nos vemos con Sailor Moon S en unos meses más!
Nuestro número 60 de Otaku no Shouzou regresa a querer abarcar parte de la experiencia otaku noventera local de Santiago, donde a mediados de la década empezó toda una explosión que vendría de la mano poco tiempo después con el nuevo “boom” del animé en TV abierta: fuera del concepto de los “monitos” y entrando ya de frentón a lo japonés de las maneras más underground posibles, empezaron a salir en Chile nuevos proyectos dedicados exclusivamente a este tópico, donde cayeron por primera vez las revistas y tiendas de animé.
Si bien ya existía de mucho antes tiendas que vendían manga, VHS importados y artículos relacionados, la tienda Japanimation fue una de las primeras dedicadas exclusivamente a la venta de productos relacionados al fenómeno estrictamente japonés y que incluso su propio nombre lo dejaba más que destacado. Esto, junto con que uno de los dueños capitalistas de la tienda sería Juan Andrés Salfate quien en ese entonces gozaba de la popularidad del programa Maldita Sea en el extinto canal Rock & Pop Television, entregaba una plataforma de publicidad masiva como lo era la TV, por lo que la existencia de la tienda empezó a meter ruido como pocas… por más que los precios fueran inalcanzables para muchos de nosotros.
Por otro lado también la iniciativa del llamado “manga nacional” estaba en auge, por lo que justo en esa misma época nació la revista Kakkoii!, una de las primeras dedicadas exclusivamente a publicar cómics con estilo manga hecho en Chile y que además traía artículos y notas sobre otras series que estaban muy de moda como Macross o Bubblegum Crisis, todo en pleno 1995. La revista duró solo seis números antes de cerrar justo en el cambio de milemio.
Debido a lo pionero y único de estas experiencias, siendo ambas claves para entender lo que pasaba en los primeros años de amor al animé ya con el concepto entendido y gozando a full, decidimos grabar este episodio dedicado a Kakkoii! y Japanimation… y no solo por experiencia personal, sino porque el invitado lo valía totalmente: Toñotech, quien fue editor de la revista y además trabajó seis años en la tienda, tenía todas las bondades para hacer de este episodio de Otaku no Shouzou uno perfecto para hablar de aquellos años, entregando no solo anécdotas de estos dos tópicos sino además de la sensación de estar en el mundo del animé desde los ochenta con una mirada adolescente/adulta, lo que realmente queríamos escuchar en nuestro programa hace mucho tiempo y que incluso si no te interesa el tema de la revista y la tienda recomendamos escuchar a Toño si te llama la atención los años del fan “OG” del animé en Santiago. Es por esto que si bien nosotros ya tenemos un episodio dedicado a las revistas de animé en general este fue uno de primera fuente que valió totalmente la pena realizar y que yo y Pau estamos contentos de grabar.
Como siempre esperamos que disfruten de este bello episodio.
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BONUS: A pesar que Toño no lo ha actualizado hace 10 años su Blog es muy interesante para entender el fenómeno de la ilustración de “cómics tipo manga” en Chile, con mucho material y scans de la época directo de su colección.
Acá está, de paso, la primera editorial de la número cero de Kakkoii! que leímos en el programa. Cabe destacar que esto fue escrito en 1994 (la revista fue publicada en 1995, pero fue un trabajo de largo tiempo antes que saliera a la luz) y ya hablaban de términos manga, animé e incluso mangaka y doujinshi, algo que queremos destacar porque normalmente mucha gente piensa que esto no se conocía en Chile en esa época, lo que no es correcto.
A futuro tenemos la intención de digitalizar estas revistas pero por ahora no prometemos nada porque la situación del COVID nos tiene bien complicados para poder organizarlo como la gente. Ojalá la cosa cambie a futuro.
Si bien anteriormente en Otaku no Shouzou conversamos sobre series o películas de animé que contienen elementos que, ante los ojos de la mayoría, podrían parecer “de terror” o con contenido que podría asustar a más de uno lo real es que esta es la primera vez en nuestro programa que hablaremos de una franquicia completamente encasillada en ese género como elemento principal… y no, ni Mikami ni Midori valen.
En esta edición de nuestro bello podcast hablamos de Vampire Princess Miyu, también conocida como Kyuuketsuhime Miyu o simplemente Vampire Miyu, el “mediamix” con altísimas ambiciones creada por el matrimonio conformado por Toshiki Hirano y Narumi Kakinouchi quienes si bien estaban en sus veintes ya llevaban sus años trabajando arduamente en el mundo del animé, anteriormente en los impresionantes OVAs de Tatakae!! Iczer One y que a futuro Hirano metería un golazo a su repertorio siendo el director de la serie de TV de Magic Knight Rayearth. Toda esta experiencia terminó cayendo en un ofrecimiento que mezclaba los elementos del terror con un dibujo Shoujo muy cautivador que para ese entonces fue moderadamente revolucionario en el público femenino, siendo muy popular en ese target en Japón de manera automática y que ha dado como resultado que la franquicia incluso sigue viva hasta la fecha, con la última parte de su manga terminando recién el pasado año 2020… y que promete continuar mientras sus creadores lo estimen conveniente.
Durante el episodio hablamos de las dos entregas animadas de Miyu: los OVAs de 1988/89 y una década después la serie de TV de 1997/98, que honestamente tanto yo como Pau pensamos que son apuestas completamente diferentes. Studio AIC, quienes ya antes se habían anotado un triunfo con su impresionante trabajo en Bubblegum Crisis y que para la época de Miyu en TV se estaban llenando los bolsillos con Tenchi Muyo!, estuvieron presentes en la realización de estos dos productos.
Como ya lo imaginarán conversamos en esta oportunidad de cómo la conocimos, sobre la gente encargada de las dos producciones y finalmente de todo con lujo de detalles y spoilers. No podemos ocultar a nuestros auditores el hecho que si bien los OVAs nos gustaron bastante la serie de TV es… un surtido de ideas interesantes pero aplicadas de maneras arriesgadas y con resultados polarizados que los mencionamos acá, en una serie de TV que justo cayó cuando se puso de moda los edgy years del animé noventero, así que todo esto dio una larga conversación al respecto.
Como siempre esperamos que disfruten de este episodio… ¡y vamos por el número 60!
AVISO: Debido a problemas ajenos a Otaku no Shouzou con Archive.org el episodio no podrá estar disponible por este medio hasta nuevo aviso. Las versiones de Ivoox y Spotify siguen sin complicaciones. Pedimos disculpas por el problema.
Hace no mucho tiempo atrás en Otaku no Shouzou realizamos un completito episodio dedicado a la película de X y si bien es evidente que el principal destaque a la hora de hablar de ese filme es el trabajo de CLAMP otro punto muy importante para nosotros es que fue la primera vez que hablamos del destacado director Rintaro, fundador de la mismísima Madhouse y que ha cosechado una gran cantidad de producciones de animé tanto para la televisión como para el cine, siendo una pieza fundamental de la industria en su país de origen pero que descontando la bulla que metió con Metropolis la verdad es que su nombre no es tan conocido en occidente.
Es por eso mismo que nos alegra nuevamente tocar otra de sus obras, una que lamentablemente el tiempo ha sido bastante cruel con ella ya que está en el borde del abandom anime pero que su legado artístico es de un valor incalculable, por muy que sea una película bastante lejos de la perfección.
En este episodio de Otaku no Shouzou conversamos sobre Kamui no Ken, conocida por algunos en nuestro mercado como La daga de Kamui, película basada en las novelas de Tetsu Yano con temática de ninjas en el período Edo publicada en 1985 que trajo a Rintaro y Madhouse a una producción que si bien no tuvo un alto presupuesto sus resultados artísticos son impresionantes, con un inolvidable diseño de personajes por Moribi Murano y que reunió a tres gigantes del dibujo: Takamura Mukuo, Kazuo Oga y Tadao Kubota. Esta mezcla dio como resultado no solo algo brillante visualmente sino además muy arriesgado, con un estilo vanguardista de dirección todavía poco común para esa época y que incluso vino a chocar con una inesperada banda sonora compuesta por Ryudo Uzaki y Eitetsu Hayashi, combinando música tradicional japonesa con guitarras eléctricas e incluso el sonido Kecak de Indonesia. Un elenco muy talentoso que incluso tuvo entre los animadores a gente de la talla de Koji Morimoto y Yoshiaki Kawajiri, que creemos con mucha seguridad que esta experiencia para Kawajiri debe haber sido muy importante en su vida ya que la inspiración para Ninja Scroll es notoria.
Como ya saben nuevamente hicimos nuestro clásico repaso conversando sobre cómo la conocimos, su producción y finalmente sobre la película en extenso con lujo de detalles y spoilers. Cabe destacar eso sí que aunque Kamui no Ken es una experiencia muy destacable y que estamos contentos de hablar de ella tiene ciertos elementos muy cuestionables que solo por coincidencia tanto a mí (Hayama) como Pau no nos gusta y quisimos conversar harto al respecto, porque podría haber sido una de nuestras películas favoritas de animé de todos los tiempos… pero no.
Como siempre esperamos que disfruten de este bello episodio.
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BONUS: Durante este episodio comentamos que Kamui no Ken fue exhibida en cines japoneses junto con Bobby Ni Kubittake, conocida en Estados Unidos como Bobby’s in Deep! y dirigida por Toshio Hirata. Si hablamos de producciones que el tiempo ha sido duro con ellas esta es definitivamente una ya que actualmente solo existe en VHS y la calidad de lo que ronda en internet deja mucho que desear, por no decir que está tan botada a nivel de copyright que probablemente esté en YouTube para siempre. Lo recomendamos mucho (especialmente por la escena final animada de manera increíble por el talentoso Koji Morimoto), de hecho nos encantaría hacer un episodio al respecto a futuro.
Eitetsu Hayashi hizo un gran trabajo como compositor de la banda sonora de Kamui no Ken, sin embargo su verdadera fama internacional es por su impresionante maestría en el arte del Taiko. Acá lo tienen en vivo para que vean el nivel además de estar acompañado en el shamisen por Shinichi Kinoshita.
