Otaku no Shouzou se complace en presentar otro episodio dedicado al amado y mítico Studio Ghibli y lo interesante del caso es que esta es la primera vez en el programa que hablaremos específicamente de una película de Ghibli dirigida por la leyenda Hayao Miyazaki que si bien ya habíamos hablado de él en su debut directorial con Lupin III: El Castillo de Cagliostro esa fue una producción anterior a Ghibli, así que definitivamente este es un momento que estábamos esperando.

En esta oportunidad conversamos sobre Majo no Takkyuubin, conocida en occidente como Kiki’s Delivery Service, la película de 1989 basada en la novela de Eiko Kadono la cual fue mandada a hacer por la propia casa editorial que publicó el libro a Ghibli y que cayó del cielo justo entre medio de la creación de Tonari no Totoro y Hotaru no Haka (dos películas que definitivamente tendremos un episodio sobre ellas en el futuro) y que salvó al estudio de un problema económico no menor al transformarse en el mayor éxito comercial cinematográfico de 1989 en Japón.

Durante el episodio hablamos sobre cómo conocimos la película, además de su creación la que tuvo a gente de la talla de Yoshifumi Kondo como co-escritor con Miyazaki (y que lamentablemente falleció después de su increíble trabajo de dirección en Mimi wo Sumaseba), Katsuya Kondo en el diseño de personajes y arte, Kazuo Oga en los fondos e incluso la ayuda en la animación de Kenji Kamiyama, quien posteriormente sería el creador de la popular Higashi no Eden. Además como siempre hablamos de la música con el inconfundible Joe Hisaishi, la bella participación de Yumi Matsutoya y toda la maestría del trabajo de los seiyuus donde una vez más aparece la regalona de nuestro programa Minami Takayama destacándose en no uno sino DOS papeles en la misma película. Posteriormente hablamos del filme con spoilers y con lujo de detalles, como ha sido la costumbre… y le dedicamos unas breves palabras al live action del 2014 donde honestamente no hubo mucho que decir más allá de lo anecdótico, porque deja mucho que desear.

En este episodio tuvimos de invitada a Daniela Pino, reconocida por su trabajo como animadora del programa Free to Play de ETC y que es una gran seguidora de Studio Ghibli, siendo una pieza fundamental en su vida, no solo como fan del animé. ¡Como siempre esperamos que disfruten de nuestro bello y humilde proyecto de podcast!

Ivoox:

Archive.org:

Spotify:

BONUS: Dani estuvo conmigo en La Entrevista de Hayama, programa que hice para YouTube el 2019 y que lamentablemente quedó en stand by por el estallido social en Chile y el COVID-19, donde Dani habla en extenso de su pasión por el animé además de lo que conversamos sobre Ghibli, por si les interesa.

El mundo de la animación japonesa tiene demasiadas aristas, especialmente en esos años pasados cuando eran la “mano de obra barata” de la industria: durante muchos años varias series o películas animadas que dieron en nuestras pantallas fueron producciones financiadas con dinero desde occidente, creadas y escritas por norteamericanos o europeos, pero que sin embargo terminaron siendo completamente animadas y a ratos dirigidas por japoneses: en los años setenta y ochenta hay muchísimos ejemplos, desde películas oscuras dibujadas completamente en Japón que no tienen edición oficial en su país de origen hasta incluso series extremadamente populares y que mucha gente desconoce que fueron animadas en Japón como los Thundercats… o sea, por favor, es puro ver el recordado opening para darse cuenta, pero eran otros tiempos.

Esta mención a los Thundercats no es aleatoria, ya que sus creadores en Rankin/Bass Productions tuvieron una gran cercanía con el estudio de animación japonesa Topcraft, los futuros Studio Ghibli que ya en ediciones pasadas hemos comentado de su etapa original con este nombre en episodios como el de Macross: Do You Remember Love? o Lupin III: El Castillo de Cagliostro. Rankin/Bass trabajó con Topcraft en varias producciones de los años setenta para la TV y el cine, incluyendo las películas animadas de The Lord of the Rings como The Hobbit y The Return of the King. Gracias a esta positiva alianza es que en 1982 decidieron crear el para ese entonces la producción más ambiciosa de Rankin/Bass Productions, una película que apostó por la magia de un libro contemporáneo que en ese momento era todo un éxito de ventas, el aclamado The Last Unicorn.

Escrita en 1968 por Peter S. Beagle, The Last Unicorn es una historia de fantasía medieval con clásicos tonos de cuentos de hadas y mitología que cautivó a toda una generación de lectores, especialmente niños, por lo que la realización de una película animada parecía ser un excelente negocio. Acá es donde la unión de Rankin/Bass y Topcraft se hizo notar, pero muy especialmente en el caso del estudio japonés ya que desplegaron con gran talento un estilo que, si bien es difícil de reconocer como “japonés” a primera vista, muchos de sus trazos se volverían indispensables en el legado de Studio Ghibli… especialmente en los fondos.

Debido al cariño que tanto yo como Pau le tenemos a la película decidimos conversar sobre ella muy a pesar que cierta gente tenga reparos sobre el término “animé” encima de esta, pero a ojos de nosotros es a todas luces una pieza histórica de Topcraft realizada en Japón al menos en su construcción, por lo que sentimos que valía la pena. En este episodio hablamos de cómo la conocimos, su creación explicando de manera humilde sobre este enredo de la producción Norteamericana-japonesa que incluye gente de la talla de la banda America o sobre su casting de voces donde resaltan personas de la talla legendaria de Mia Farrow, Christopher Lee y Jeff Bridges, entre muchos otros gigantes (incluso en un papel secundario aparece la incombustible Angela Lansbury, la querida Reportera del Crimen), aunque la gente japonesa no se queda atrás, con la dirección de la animación a cargo de Katsuhisa Yamada, cabecilla principal de Genesis Climber Mospeada (o “la tercera generación” de Robotech) o de otras producciones para Estados Unidos como Pirates of Dark Waters, algo no menor, todo en una amena conversación que nos recuerda lo traumáticas que fueron tantas películas de los ochenta para la juventud, aunque al final del día siempre agradeciéndolo.

Esperamos que lo disfruten, especialmente por lo atípico que podría ser para algunos este acercamiento “otaku” a la película, pero creo que está justificado mientra lo vamos comentando. Pido de antemano disculpas sobre el ruido que suena muy levemente en la segunda mitad del podcast, pero prendí un ventilador porque el calor estaba horrible… lo tendré en consideración para la próxima.

Ivoox:

Archive.org:

Spotify:

BONUS: Pau quiso destacar con imágenes lo que es la introducción de la película, que su trabajo está basado en arte medieval realmente muy bello.

También quise yo personalmente destacar esta imagen donde se puede apreciar que es Topcraft en su etapa pre-Ghibli y sus reconocibles campos.

¡Cuarenta episodios de Otaku no Shouzou! y justo ya terminando el 2020. La verdad es que lo hemos pasado de maravilla en el proceso así que estamos muy contentos por la meta, por no decir que además honestamente y especialmente mientras el virus continúe penando en nuestras vidas el programa continuará con esta perseverancia.

Y claro, como ya muchos empezaron a adivinar, en esta oportunidad decidimos volver una vez más a algo más general y de experiencia masiva… y vaya que nos sumergimos en esta oportunidad en una de las experiencias más nostálgicas y a la vez noventeras del mundo otaku, porque en este episodio de Otaku no Shouzou decidimos hablar sobre las memorables revistas de animé, especialmente de la época pre-2000.

En un momento en donde el internet recién se estaba masificando y estaba lejos de ser del alcance de todo el mundo las revistas llegaron a salvar el día para todos los que estaban desesperados por encontrar nueva información sobre este fascinante mundo. Estamos claros que un grupo de personas pudo nutrirse de sus necesidades con salidas a ciclos, intercambio de VHS o porque tenían la fortuna de tener internet en sus casas, pero al mismo tiempo hubo gente que no pudo gozar de estos privilegios y la única manera de poder aunque sea sentir algo tangible sobre el mundo del animé en sus vidas era a través de estos magazines que se encontraban en todos los kioskos del país. Especialmente en la segunda mitad de los noventa con la Dragonballmanía y la nueva locura que se gestó con Evangelion donde empezamos de a poco a llenarnos de revistas por todos lados y a transformarse en un panorama obligatorio de lectura.

Debido a que existían demasiadas revistas en esos años decidimos cortar por lo sano y darle a este episodio del podcast un repaso CASUAL de la experiencia, NO histórico, a diferencia de cómo lo hemos hecho con otros temas en el pasado ya que de verdad no nos alcanzaba ni el tiempo para hablar de la creación de las revistas ni el tiempo para leer con lujo de detalle cada una de las opciones disponibles… si no eso daba para mil episodios y no era la idea. Cualquiera que haya vivido la época sabe que por lejos el país número uno de producción y distribución de estas revistas era España, donde la lectura de la revista desde un enfoque latinoamericano tenía toda una visión muy diferente a ser local de allá puesto que veíamos con sorpresa (y para algunos envidia) la gigantesca escena del animé y el manga en ese país, a años luz de calidad a diferencia de lo que pasaba acá en esos años (donde ni siquiera existía la Anime Expo para ese entonces) y con toda una industria a sus espaldas, a diferencia del mar de piratería que era el mundo otaku nacional. Por eso mismo es que en este episodio hablamos de revistas como Dokan, Minami, Shirase, Neko, Otaku, Kame y otras más que invadieron nuestro continente.

Por otro lado también comentamos vagamente de lo que pasaba en Argentina con Lazer y, muy especialmente, decidimos darle un tributo a las revistas de animé hechas en Chile que si bien es cierto que ninguno de estos proyectos podía tener la proyección comercial de lo que pasaba en España y no duraron demasiados números al final del día nadie puede negar el esfuerzo por amor al arte que efectuaron, desde las cosas más inspiradas en lo que había en los kioskos como Zeeon o Kyodai hasta el extremadamente humilde pero pionero fanzine Kakkoii! que estaba dando vueltas en Santiago antes que dieran en TV series como Sailor Moon o Dragon Ball, la verdadera OG chilena. También salió entre medio otros detalles interesantes, desde la experiencia de leer cosas de animé en revistas de videojuegos hasta incluso lo que fue Dragon Fall, entre otros… ah, y claro, por supuesto que hablamos también de los inolvidables CD-ROM que venían en ellos místicos MP3s de Openings y Endings (algunos de ellos de series que probablemente nunca verías en tu vida) o los sagrados skins de Winamp… y hasta del Hentai oculto de estos discos, ja.

En este episodio tuvimos de regreso como invitada a Lovechan porque además de ser 2cool4school ella, a diferencia de yo y Pau, tuvo en su poder varias revistas de animé y todavía las conserva hasta la fecha, así que las revisamos en tiempo real durante este bello episodio que esperamos disfruten.

Ivoox:

Archive.org:

Spotify:

BONUS: Queremos agradecer públicamente la espectacular labor que realiza el blog Revistas de Animé y Manga quienes se han dedicado y siguen en el proceso de mantener vivas en internet a estas revistas con scans e incluso ISOs de los CDs, lo que es demasiado valorable y a estas alturas una pieza de colección histórica para el mundo otaku en español.

Durante el episodio comenté que por mucho tiempo quise adquirir una revista que tenía este dibujo de Satoshi Urushihara y nunca pude, ilustración icónica que de seguro muchos recuerdan.

Lovechan comentó también durante el capítulo su experiencia frente a las revistas Hentai o de corte erótico, donde ella destacó al legendario ilustrador italiano Milo Manara y su reacción a esta ilustración… o más bien a esta publicidad.

Finalmente acá está una foto de parte de mi colección de Dragon Fall que mencioné en el episodio. Antes tenía muchísimas más pero me las robaron… así es la laif del tercer mundo.

En este nuevo y flamante episodio de Otaku no Shouzou volvimos a hablar del año 1989, justo cuando habíamos conversado hace no mucho de The Five Star Stories que salió ese mismo año… y, de hecho, en esta oportunidad hablamos de una película creada y dirigida por otra leyenda de las series de robots, aunque en un estilo completamente diferente.

En esta oportunidad hablamos de Venus Senki (o Venus Wars para el mercado occidental), filme financiado por Bandai Visual Company y animada por el estudio Kugatsusha que esta sería su única gran producción. La película está basada en un manga de Yoshikazu Yasuhiko (también conocido como YAS), quien dentro del mundo del animé es conocido a nivel internacional por ser el líder del diseño de personajes de la mítica e inconmensurable Gundam en su primera serie de TV de 1979. YAS sería por muchos años pieza fundamental para la franquicia incluyendo las posteriores series que saldrían durante la década de los ochenta, es por eso que cuando hablamos de probablemente el animé más exitoso de la historia de Japón sabemos que hablamos de alguien muy talentoso y que tuvo el poder de hacer lo que quisiera en esos años a nivel comercial, eso dio como resultado dar un salto profesional desde el diseño de personajes o de la creación de manga a ser director de animé, algo que no todos los mangakas cuentan, donde antes de Venus Senki fue el responsable de la película de Crusher Joe y de otra adaptación original de su propio manga, Arion, que algo me dice que de seguro hablaremos de ellas en un (bueeeen) tiempo más en el podcast.

La película no fue el éxito comercial que esperaban, sin embargo su legado es bastante grande no solo por quién la dirigió y por tener esos diseños inconfundibles para los fanáticos de Gundam, sino además por demostrar un excelente trabajo de animación, el impresionante diseño de tanques y motos en manos de otra leyenda de Gundam, don Makoto Kobayashi y los increíbles y detallados fondos de Shichiro Kobayashi (no relacionado familiarmente con Makoto). Si a todo eso le sumamos un soundtrack del endiosado y amado por todos leyenda de Studio Ghibli Joe Hisaishi da como resultado final una muy entretenida película de ciencia ficción y especialmente introducida en el género del cyberpunk, cosa que si bien no está a los niveles apoteósicos de Akira ni tampoco tiene el legado de Bubblegum Crisis al final del día el filme cumple con su objetivo de entregar acción adrenalínica y diseños inolvidables para todos los que disfrutan de esta temática tan ochentera, muy a pesar que esté lejos de ser una película perfecta.

Durante el episodio hablamos de su producción y, como es costumbre, de toda la película con spoilers (que avisamos cuando esto empieza), siendo una pieza interesante especialmente para Pau que no está introducida en Gundam, por lo que parece que para ella fue una experiencia bastante más especial de lo que esperaba. En este episodio tuvimos de invitado a Pandurris, a estas alturas parte de la casa en Otaku no Shouzou y que si bien no la había visto él tiene su propia conexión con Gundam y los robots, así que tuvo bastante que decir de su experiencia que cayó en su corazón de manera positiva.

Como siempre esperamos que disfruten de este bello episodio.

Ivoox:

Archive.org:

Spotify:

BONUS: El buen Pandurris nos hizo destacar este sitio que incluye arte en buena calidad de la película, realmente bello para cualquiera que sea fan del estilo de esos años del maestro YAS.