Otaku no Shouzou se complace en presentar otro episodio dedicado al amado y mítico Studio Ghibli y lo interesante del caso es que esta es la primera vez en el programa que hablaremos específicamente de una película de Ghibli dirigida por la leyenda Hayao Miyazaki que si bien ya habíamos hablado de él en su debut directorial con Lupin III: El Castillo de Cagliostro esa fue una producción anterior a Ghibli, así que definitivamente este es un momento que estábamos esperando.

En esta oportunidad conversamos sobre Majo no Takkyuubin, conocida en occidente como Kiki’s Delivery Service, la película de 1989 basada en la novela de Eiko Kadono la cual fue mandada a hacer por la propia casa editorial que publicó el libro a Ghibli y que cayó del cielo justo entre medio de la creación de Tonari no Totoro y Hotaru no Haka (dos películas que definitivamente tendremos un episodio sobre ellas en el futuro) y que salvó al estudio de un problema económico no menor al transformarse en el mayor éxito comercial cinematográfico de 1989 en Japón.

Durante el episodio hablamos sobre cómo conocimos la película, además de su creación la que tuvo a gente de la talla de Yoshifumi Kondo como co-escritor con Miyazaki (y que lamentablemente falleció después de su increíble trabajo de dirección en Mimi wo Sumaseba), Katsuya Kondo en el diseño de personajes y arte, Kazuo Oga en los fondos e incluso la ayuda en la animación de Kenji Kamiyama, quien posteriormente sería el creador de la popular Higashi no Eden. Además como siempre hablamos de la música con el inconfundible Joe Hisaishi, la bella participación de Yumi Matsutoya y toda la maestría del trabajo de los seiyuus donde una vez más aparece la regalona de nuestro programa Minami Takayama destacándose en no uno sino DOS papeles en la misma película. Posteriormente hablamos del filme con spoilers y con lujo de detalles, como ha sido la costumbre… y le dedicamos unas breves palabras al live action del 2014 donde honestamente no hubo mucho que decir más allá de lo anecdótico, porque deja mucho que desear.

En este episodio tuvimos de invitada a Daniela Pino, reconocida por su trabajo como animadora del programa Free to Play de ETC y que es una gran seguidora de Studio Ghibli, siendo una pieza fundamental en su vida, no solo como fan del animé. ¡Como siempre esperamos que disfruten de nuestro bello y humilde proyecto de podcast!

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BONUS: Dani estuvo conmigo en La Entrevista de Hayama, programa que hice para YouTube el 2019 y que lamentablemente quedó en stand by por el estallido social en Chile y el COVID-19, donde Dani habla en extenso de su pasión por el animé además de lo que conversamos sobre Ghibli, por si les interesa.

El mundo de la animación japonesa tiene demasiadas aristas, especialmente en esos años pasados cuando eran la “mano de obra barata” de la industria: durante muchos años varias series o películas animadas que dieron en nuestras pantallas fueron producciones financiadas con dinero desde occidente, creadas y escritas por norteamericanos o europeos, pero que sin embargo terminaron siendo completamente animadas y a ratos dirigidas por japoneses: en los años setenta y ochenta hay muchísimos ejemplos, desde películas oscuras dibujadas completamente en Japón que no tienen edición oficial en su país de origen hasta incluso series extremadamente populares y que mucha gente desconoce que fueron animadas en Japón como los Thundercats… o sea, por favor, es puro ver el recordado opening para darse cuenta, pero eran otros tiempos.

Esta mención a los Thundercats no es aleatoria, ya que sus creadores en Rankin/Bass Productions tuvieron una gran cercanía con el estudio de animación japonesa Topcraft, los futuros Studio Ghibli que ya en ediciones pasadas hemos comentado de su etapa original con este nombre en episodios como el de Macross: Do You Remember Love? o Lupin III: El Castillo de Cagliostro. Rankin/Bass trabajó con Topcraft en varias producciones de los años setenta para la TV y el cine, incluyendo las películas animadas de The Lord of the Rings como The Hobbit y The Return of the King. Gracias a esta positiva alianza es que en 1982 decidieron crear el para ese entonces la producción más ambiciosa de Rankin/Bass Productions, una película que apostó por la magia de un libro contemporáneo que en ese momento era todo un éxito de ventas, el aclamado The Last Unicorn.

Escrita en 1968 por Peter S. Beagle, The Last Unicorn es una historia de fantasía medieval con clásicos tonos de cuentos de hadas y mitología que cautivó a toda una generación de lectores, especialmente niños, por lo que la realización de una película animada parecía ser un excelente negocio. Acá es donde la unión de Rankin/Bass y Topcraft se hizo notar, pero muy especialmente en el caso del estudio japonés ya que desplegaron con gran talento un estilo que, si bien es difícil de reconocer como “japonés” a primera vista, muchos de sus trazos se volverían indispensables en el legado de Studio Ghibli… especialmente en los fondos.

Debido al cariño que tanto yo como Pau le tenemos a la película decidimos conversar sobre ella muy a pesar que cierta gente tenga reparos sobre el término “animé” encima de esta, pero a ojos de nosotros es a todas luces una pieza histórica de Topcraft realizada en Japón al menos en su construcción, por lo que sentimos que valía la pena. En este episodio hablamos de cómo la conocimos, su creación explicando de manera humilde sobre este enredo de la producción Norteamericana-japonesa que incluye gente de la talla de la banda America o sobre su casting de voces donde resaltan personas de la talla legendaria de Mia Farrow, Christopher Lee y Jeff Bridges, entre muchos otros gigantes (incluso en un papel secundario aparece la incombustible Angela Lansbury, la querida Reportera del Crimen), aunque la gente japonesa no se queda atrás, con la dirección de la animación a cargo de Katsuhisa Yamada, cabecilla principal de Genesis Climber Mospeada (o “la tercera generación” de Robotech) o de otras producciones para Estados Unidos como Pirates of Dark Waters, algo no menor, todo en una amena conversación que nos recuerda lo traumáticas que fueron tantas películas de los ochenta para la juventud, aunque al final del día siempre agradeciéndolo.

Esperamos que lo disfruten, especialmente por lo atípico que podría ser para algunos este acercamiento “otaku” a la película, pero creo que está justificado mientra lo vamos comentando. Pido de antemano disculpas sobre el ruido que suena muy levemente en la segunda mitad del podcast, pero prendí un ventilador porque el calor estaba horrible… lo tendré en consideración para la próxima.

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BONUS: Pau quiso destacar con imágenes lo que es la introducción de la película, que su trabajo está basado en arte medieval realmente muy bello.

También quise yo personalmente destacar esta imagen donde se puede apreciar que es Topcraft en su etapa pre-Ghibli y sus reconocibles campos.

¡Cuarenta episodios de Otaku no Shouzou! y justo ya terminando el 2020. La verdad es que lo hemos pasado de maravilla en el proceso así que estamos muy contentos por la meta, por no decir que además honestamente y especialmente mientras el virus continúe penando en nuestras vidas el programa continuará con esta perseverancia.

Y claro, como ya muchos empezaron a adivinar, en esta oportunidad decidimos volver una vez más a algo más general y de experiencia masiva… y vaya que nos sumergimos en esta oportunidad en una de las experiencias más nostálgicas y a la vez noventeras del mundo otaku, porque en este episodio de Otaku no Shouzou decidimos hablar sobre las memorables revistas de animé, especialmente de la época pre-2000.

En un momento en donde el internet recién se estaba masificando y estaba lejos de ser del alcance de todo el mundo las revistas llegaron a salvar el día para todos los que estaban desesperados por encontrar nueva información sobre este fascinante mundo. Estamos claros que un grupo de personas pudo nutrirse de sus necesidades con salidas a ciclos, intercambio de VHS o porque tenían la fortuna de tener internet en sus casas, pero al mismo tiempo hubo gente que no pudo gozar de estos privilegios y la única manera de poder aunque sea sentir algo tangible sobre el mundo del animé en sus vidas era a través de estos magazines que se encontraban en todos los kioskos del país. Especialmente en la segunda mitad de los noventa con la Dragonballmanía y la nueva locura que se gestó con Evangelion donde empezamos de a poco a llenarnos de revistas por todos lados y a transformarse en un panorama obligatorio de lectura.

Debido a que existían demasiadas revistas en esos años decidimos cortar por lo sano y darle a este episodio del podcast un repaso CASUAL de la experiencia, NO histórico, a diferencia de cómo lo hemos hecho con otros temas en el pasado ya que de verdad no nos alcanzaba ni el tiempo para hablar de la creación de las revistas ni el tiempo para leer con lujo de detalle cada una de las opciones disponibles… si no eso daba para mil episodios y no era la idea. Cualquiera que haya vivido la época sabe que por lejos el país número uno de producción y distribución de estas revistas era España, donde la lectura de la revista desde un enfoque latinoamericano tenía toda una visión muy diferente a ser local de allá puesto que veíamos con sorpresa (y para algunos envidia) la gigantesca escena del animé y el manga en ese país, a años luz de calidad a diferencia de lo que pasaba acá en esos años (donde ni siquiera existía la Anime Expo para ese entonces) y con toda una industria a sus espaldas, a diferencia del mar de piratería que era el mundo otaku nacional. Por eso mismo es que en este episodio hablamos de revistas como Dokan, Minami, Shirase, Neko, Otaku, Kame y otras más que invadieron nuestro continente.

Por otro lado también comentamos vagamente de lo que pasaba en Argentina con Lazer y, muy especialmente, decidimos darle un tributo a las revistas de animé hechas en Chile que si bien es cierto que ninguno de estos proyectos podía tener la proyección comercial de lo que pasaba en España y no duraron demasiados números al final del día nadie puede negar el esfuerzo por amor al arte que efectuaron, desde las cosas más inspiradas en lo que había en los kioskos como Zeeon o Kyodai hasta el extremadamente humilde pero pionero fanzine Kakkoii! que estaba dando vueltas en Santiago antes que dieran en TV series como Sailor Moon o Dragon Ball, la verdadera OG chilena. También salió entre medio otros detalles interesantes, desde la experiencia de leer cosas de animé en revistas de videojuegos hasta incluso lo que fue Dragon Fall, entre otros… ah, y claro, por supuesto que hablamos también de los inolvidables CD-ROM que venían en ellos místicos MP3s de Openings y Endings (algunos de ellos de series que probablemente nunca verías en tu vida) o los sagrados skins de Winamp… y hasta del Hentai oculto de estos discos, ja.

En este episodio tuvimos de regreso como invitada a Lovechan porque además de ser 2cool4school ella, a diferencia de yo y Pau, tuvo en su poder varias revistas de animé y todavía las conserva hasta la fecha, así que las revisamos en tiempo real durante este bello episodio que esperamos disfruten.

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BONUS: Queremos agradecer públicamente la espectacular labor que realiza el blog Revistas de Animé y Manga quienes se han dedicado y siguen en el proceso de mantener vivas en internet a estas revistas con scans e incluso ISOs de los CDs, lo que es demasiado valorable y a estas alturas una pieza de colección histórica para el mundo otaku en español.

Durante el episodio comenté que por mucho tiempo quise adquirir una revista que tenía este dibujo de Satoshi Urushihara y nunca pude, ilustración icónica que de seguro muchos recuerdan.

Lovechan comentó también durante el capítulo su experiencia frente a las revistas Hentai o de corte erótico, donde ella destacó al legendario ilustrador italiano Milo Manara y su reacción a esta ilustración… o más bien a esta publicidad.

Finalmente acá está una foto de parte de mi colección de Dragon Fall que mencioné en el episodio. Antes tenía muchísimas más pero me las robaron… así es la laif del tercer mundo.

En este nuevo y flamante episodio de Otaku no Shouzou volvimos a hablar del año 1989, justo cuando habíamos conversado hace no mucho de The Five Star Stories que salió ese mismo año… y, de hecho, en esta oportunidad hablamos de una película creada y dirigida por otra leyenda de las series de robots, aunque en un estilo completamente diferente.

En esta oportunidad hablamos de Venus Senki (o Venus Wars para el mercado occidental), filme financiado por Bandai Visual Company y animada por el estudio Kugatsusha que esta sería su única gran producción. La película está basada en un manga de Yoshikazu Yasuhiko (también conocido como YAS), quien dentro del mundo del animé es conocido a nivel internacional por ser el líder del diseño de personajes de la mítica e inconmensurable Gundam en su primera serie de TV de 1979. YAS sería por muchos años pieza fundamental para la franquicia incluyendo las posteriores series que saldrían durante la década de los ochenta, es por eso que cuando hablamos de probablemente el animé más exitoso de la historia de Japón sabemos que hablamos de alguien muy talentoso y que tuvo el poder de hacer lo que quisiera en esos años a nivel comercial, eso dio como resultado dar un salto profesional desde el diseño de personajes o de la creación de manga a ser director de animé, algo que no todos los mangakas cuentan, donde antes de Venus Senki fue el responsable de la película de Crusher Joe y de otra adaptación original de su propio manga, Arion, que algo me dice que de seguro hablaremos de ellas en un (bueeeen) tiempo más en el podcast.

La película no fue el éxito comercial que esperaban, sin embargo su legado es bastante grande no solo por quién la dirigió y por tener esos diseños inconfundibles para los fanáticos de Gundam, sino además por demostrar un excelente trabajo de animación, el impresionante diseño de tanques y motos en manos de otra leyenda de Gundam, don Makoto Kobayashi y los increíbles y detallados fondos de Shichiro Kobayashi (no relacionado familiarmente con Makoto). Si a todo eso le sumamos un soundtrack del endiosado y amado por todos leyenda de Studio Ghibli Joe Hisaishi da como resultado final una muy entretenida película de ciencia ficción y especialmente introducida en el género del cyberpunk, cosa que si bien no está a los niveles apoteósicos de Akira ni tampoco tiene el legado de Bubblegum Crisis al final del día el filme cumple con su objetivo de entregar acción adrenalínica y diseños inolvidables para todos los que disfrutan de esta temática tan ochentera, muy a pesar que esté lejos de ser una película perfecta.

Durante el episodio hablamos de su producción y, como es costumbre, de toda la película con spoilers (que avisamos cuando esto empieza), siendo una pieza interesante especialmente para Pau que no está introducida en Gundam, por lo que parece que para ella fue una experiencia bastante más especial de lo que esperaba. En este episodio tuvimos de invitado a Pandurris, a estas alturas parte de la casa en Otaku no Shouzou y que si bien no la había visto él tiene su propia conexión con Gundam y los robots, así que tuvo bastante que decir de su experiencia que cayó en su corazón de manera positiva.

Como siempre esperamos que disfruten de este bello episodio.

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BONUS: El buen Pandurris nos hizo destacar este sitio que incluye arte en buena calidad de la película, realmente bello para cualquiera que sea fan del estilo de esos años del maestro YAS.

En este nuevo episodio de Otaku no Shouzou yo y Pau nos acercamos nuevamente a conversar sobre una película pre-2000 del fantástico y legendario Studio Ghibli, estudio que pensamos no requieren presentación alguna. Ya anteriormente hablamos del estudio con Pom Poko y también tocamos el debut directorial en el cine de Hayao Miyazaki con Lupin III: El Castillo de Cagliostro y en esta oportunidad decidimos conversar sobre una de nuestras favoritas del catálogo para los dos por igual, la encantadora Mimi wo Sumaseba.

Conocida en el mercado occidental como Whisper of the Heart y en su localización a latinoamérica como Susurros del Corazón, la película apareció en 1995 siendo una suerte de “desafío” para una nueva camada y sangre fresca que había llegado al estudio, según las propias palabras de Miyazaki. Es por eso que durante la creación de Mononoke Hime se tomó la decisión de tener otra película en producción para poner en prueba a esta gente, incluyendo el debut de su director Yoshifumi Kondo que lamentablemente esconde una historia trágica, ya que fue la única película que dirigió para después fallecer en 1998 a los 47 años por exceso de trabajo, para muchos atribuido a su experiencia en la producción de este filme. Esto fue un duro golpe para Ghibli, ya que al ser la primera película que no estaba dirigida ni por Miyazaki ni por Isao Takahata mucho se especuló que Kondo sería el sucesor bendecido oficial de estos directores, lo que tristemente terminó en esta pena.

La película está basada en un manga original de 1989 escrito por Aoi Hiiragi para la revista Ribon, magazine fundamental que fue la casa de muchos clásicos del género del Shoujo. A pesar de ser bastante cortito, el manga encierra una historia de superación y búsqueda de tus talentos en el género del “coming of age” con elementos que terminó cautivando a Hayao Miyazaki y su estudio. Cabe destacar eso sí que, como ocurre casi siempre con Ghibli, Miyazaki terminó editando la historia considerablemente y la dirección de Kondo le dio un aire mucho más realista y palpable, alejado de los sueños rosados del manga original demasiado arraigado al Shoujo. Esto nos hizo conversar en el podcast sobre la experiencia del manga per se, que de verdad no les va a quitar mucho de su tiempo si le dan la oportunidad.

Como ya lo saben en este episodio hablamos sobre cómo la conocimos, su creación, su talentoso y variado equipo, la gran importancia del uso de la canción Country Roads de John Denver (a pesar que acá se tradujo al japonés y, de paso, se utilizó una versión de nada menos que Olivia Newton-John) y en la segunda mitad del episodio comentamos la película en extenso y con spoilers, con nuestros momentos favoritos detallados. A pesar que es post-2000 igual le dimos un pequeño espacio a mencionar nuestra corta pero sincera opinión sobre el spin-off basado en la película Neko no Ongaeshi del 2002 y de los futuros planes para una secuela live action que tenía que haber llegado a los cines japoneses en septiembre de este 2020 pero los planes fueron retrasados por el coronavirus. Todo en la buena onda de siempre para demostrar el cariño a este filme que muchos evitan por no ser esa fantasía aventurera de las películas más populares de Ghibli pero que llega, precisamente, al corazón.

Como siempre esperamos que disfruten del episodio… y que quede clarísimo que nos queda todavía mil por hablar de muchas películas de Studio Ghibli en el futuro.

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BONUS: La famosa escena “fantástica” de la película fue basada en un cuadro del pintor Naohisa Inoue, que pueden ver acá para sacar la conclusión automática que esta inspiración fue evidente.

Durante el episodio mencioné sobre el reloj cucú de Totoro, todavía está a la venta… si es que quieren hacer llorar a su bolsillo.

En este nuevo y flamante episodio de Otaku no Shouzou regresamos a una serie de animé para la TV que fue transmitida en señal abierta y con doblaje latino, que en general son nuestros podcast más escuchados por razones obvias. A pesar que le hemos dado hincapié a todo lo que fue la cultura otaku pre-2000 en algunas oportunidades hemos tocado algunas producciones que fueron creadas ya rozando el final de la década de los noventa debido a todo ese boom que tuvimos en la televisión en Chile y que, a veces, tuvieron su repercusión cultural ya pasada la década. Sin embargo creemos que el episodio de hoy es una serie que, más que denominarla “post 2000”, fue un fenómeno -en- el año 2000 y que sentó las bases de una franquicia muy querida.

En este episodio hablamos de Digimon Adventure, la primera temporada de este muy famoso animé que apareció en Japón a mediados de 1999 y que llegó bastante rápido a nuestras pantallas latinoamericanas en el 2000. Justo cayendo en medio de la fiebre de las producciones de “monstruos” o coleccionables en general que había iniciado años atrás Pokémon, la gente de Toei Animation nos entregó este animé de TV de 54 episodios intentando beber un poco de este alocado mercado.

Lo interesante del caso y el verdadero motivo de por qué Digimon salió adelante y es recordada con tanto cariño hasta el día de hoy es porque Toei y Bandai decidieron darle un aire más interesante a una serie que solamente tenía la responsabilidad de que vender juguetes y al final entregó una trama bastante interesante y entretenida, que intentaba escaparse de los cánones más básicos del género del kodomo y abarcaron ideas más complejas que dejaron como resultado una serie para niños pero que no termina ofendiendo la inteligencia de su público objetivo.

Durante este episodio hablamos de nuestra experiencia con la serie y de su creación, que como la gran mayoría de los fans de Digimon saben no nació como un animé sino por los productos V-Pets de Bandai que venían heredando todo lo que fue el fenómeno de los Tamagotchi unos años antes. Con eso encima tratamos sobre su desarrollo, el staff de Toei involucrado y de cosas inevitables a la hora de conversar sobre Digimon desde la para muchos injusta comparativa con Pokémon hasta el hecho que en latinoamérica nos salvamos de la horrorosa versión norteamericana. Obviamente y como es parte de la experiencia local se nos hizo inevitable conversar sobre el cariño que mucha gente siente por el lamentablemente fallecido Koji Wada que fue una de las primeras personas de la industria del animé en pasar por Chile y que fue un momento fundamental de la historia del animé en nuestro país, incluso aunque Digimon no fuera lo tuyo.

Como siempre en la hora final del programa hablamos de la serie con spoilers, lo que de paso nos hizo conversar además de las películas de Digimon, tanto la homónima de 1999 como Bokura no War Game. Como algunos ya deben estar imaginando por descarte esto también nos llevó a hablar de los inicios del legendario Mamoru Hosoda como director y sí… hablamos de –ese– episodio, entre otras cosas. También destacamos el trabajo directorial de Hiroyuki Kakudo en la serie de TV (que, como curiosidad, tiene una humilde cuenta de Twitter) y la música del legendario Takanori Arisawa quien años antes ya se había vuelto una leyenda con su trabajo en la maravillosa Sailor Moon… porque pucha que se nota (y sí, Arisawa es ridículamente reconocible en todo lo que trabajó). Por cierto, sí, también hablamos de aquel meme de orgullo nacional.

La invitada de este episodio es CosmicVero quien nos ha hecho todas las imágenes de encabezado del podcast hasta la fecha y que se declara una gran fanática de Digimon, algo que quedó completamente demostrado en este episodio que como siempre esperamos disfruten.

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BONUS: Uno de los detalles artísticos más inolvidables de Digimon Adventure fueron sus fondos, algo que lo conversamos en el podcast. Vero quiso recomendar al respecto este enlace. También una auditora del programa nos comentó sobre cierta interpretación un tanto retorcida del episodio 21 que el propio Hosoda comentó años atrás, por si quieren pasarlo bien… o mal.

Y, como lo prometió Vero en el podcast, acá está una imagen de su bella colección:

En este nuevo episodio de Otaku no Shouzou entramos por primera vez a conversar de una categoría de adaptación al mundo del animé que hasta este punto nunca habíamos tocado: la del animé basado en un videojuego. Siendo la mitad de los años noventa, la explosión que tendrían varios juegos trajo consigo que muchos de sus dueños decidieran arriesgarse y traer estos productos a la animación japonesa, algo que en ese entonces era todo un riesgo considerando que una buena parte de la industria estaba todavía intentando entender cómo adaptar este medio al cine o a la televisión, tanto en Japón como en Hollywood.

Es por eso mismo que nos alegra mucho dar el puntapié inicial de este género en nuestro podcast con uno de sus mejores exponentes: Street Fighter II MOVIE, la película de 1994 creada por Group TAC (ex-Mushi Production que después de la quiebra del mencionado harían producciones como Uchuu Senkan Yamato, Tokimeki Tonight, Those Who Hunt Elves o Super Doll Licca-chan, cerrando el 2010) y que fue producida por la mismísima Capcom, los creadores del juego que en medio de la masividad imposible de detener de su juego Street Fighter II decidieron ellos mismos poner su propio dinero en la creación del animé, algo que no es común en estos casos.

Durante este episodio hablamos un poco de nuestra relación con el juego original que yo (Hayama) tengo una relación extremadamente importante en mi vida como videojugador, siendo los títulos de pelea mi género favorito de videojuegos. Esto dio de paso posteriormente a conversar sobre cómo conocimos de la existencia de la película y el gran legado que dejó no solamente a los fanáticos del juego sino que además a la propia franquicia ya posterior a su lanzamiento. Como es común en nuestro podcast también conversamos sobre la creación de la película que, por una increíble coincidencia que de verdad no fue planeada por mí o por Pau, su staff tiene mucho que ver con algunas personas que trabajaron en Kanashimi no Belladonna, nuestro episodio anterior, empezando por el hecho que esta película está dirigida por la misma persona, el legendario y versátil Gisaburo Sugii.

Ya posteriormente hablamos de la película con lujo de detalle y con spoilers, conversando de nuestros momentos favoritos. Obviamente el tema dio para mucho, incluyendo desde la injusta pero infaltable comparación con la película live action de Street Fighter hasta la inolvidable escena de Chun-Li en la ducha que hasta el día de hoy para muchos fue lo más… exótico, por decir lo menos (y que su impacto fue tan grande que fue imitada en otras películas de animé basadas en videojuegos de pelea, con aviso NSFW a nuestro hipervínculo), todo centrado en esos años de locura que a diferencia de otras películas de animé que hemos conversado esta por su franquicia terminó siendo un impresionante éxito en todo el mundo, al punto de ser de esas pocas películas de animé que llegaron a Estados Unidos de manera mainstream y que también fue alabada por los fanáticos… y sí, también hablamos de la versión norteamericana con la música de Korn y Alice in Chains que honestamente en el 2020 nos genera un poco de risa que otra cosa. Cabe destacar que si bien Pau sí jugó Street Fighter II en los noventa y conoce la franquicia la verdad es que su acercamiento es más bien sutil, por lo que escuchar su opinión sobre la película sin tener el efecto fanboy encima fue muy llamativo.

En este episodio tuvimos de invitado a Sr.NES quien nos acompañó anteriormente en el episodio de Hunter x Hunter y que además de ser un gran fan de esta película y franquicia me acompañó en un especial sobre Street Fighter en nuestro podcast de videojuegos para Gamercafe, que lo grabamos hace nueve años, ya casi diez… pero sigue vigente todo lo que decimos. Esperamos como siempre que disfruten de este episodio.

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Ayer grabamos el Otaku no Shouzou de la peli animada de Street Fighter II y @SrNES me recordó algo que de verdad había olvidado hace como 15 años: en Capcom Fighting Jam, cuando hacen el Midnight Bliss, Ryu se transforma en la cabra chica de Calcuta. Bien ahí Ono (algo que sea) pic.twitter.com/KvfibvfKKQ

— Hayama Akito (@TheBurpMan) November 9, 2020

Algunas de las series o películas de animé que hemos discutido en nuestro querido Otaku no Shouzou fueron éxitos instantáneos ya sea en Japón, en occidente o en todo el mundo a la vez, pero en esta oportunidad hablaremos de una película que tuvieron que pasar casi 40 años para que finalmente tomara el culto que merecía desde el día uno, no solo porque el ofrecimiento y su calidad es inolvidable sino que además entra en la categoría de la experimentación como no muchas producciones japonesas habían hecho en ese entonces.

Este episodio de Otaku no Shouzou fue dedicado a Kanashimi no Belladonna, película de 1973 creada por la legendaria Mushi Production que estaba encabezada originalmente por el mismo dios del manga y el animé Osamu Tezuka. Belladonna tiene toda una historia bien particular: justo cayendo en los años dorados del pinku, Tezuka y amigos decidieron experimentar de manera arriesgada y audaz en el género de la animación erótica para adultos cuando recién estaba explotando en el resto del mundo. De este plan nació la trilogía de películas conocidas como el Animerama, que además de Belladonna incluyó las películas Senya Ichiya Monogatari y Cleopatra (esta última conocida en el mercado norteamericano con el pintoresco nombre de Cleopatra: Queen of Sex). Belladonna, que es la última de la trilogía, es por lejos la de mayor riesgo comercial de las tres debido a varios factores artísticos que llevaron a la producción a transformarse en uno de los productos más avant-garde y experimentales que habían salido en el mercado hasta ese punto. Lamentablemente la recepción no fue la esperada y dio como resultado la quiebra del estudio, que pasarían varios años para ser refundado.

En este episodio hablamos en extenso de la creación de la película que realmente fue toda una locura hablar al respecto porque este es por lejos el episodio de Otaku no Shouzou en donde tuvimos que investigar más al respecto, llegando incluso a leer fuentes japonesas ya que no hay demasiada información en inglés (y mucho menos en español). Entre algunas cosas que conversamos fue de su particular staff, en donde Osamu Tezuka había renunciado al estudio debido a sus fracasos comerciales (para posteriormente crear Tezuka Productions) y que trajo consigo que el resto de su equipo se encargara de ella. Esto daría pistas de por qué la película es tan diferente a las demás ya que tiene a todo un elenco bien interesante: fue dirigida por el veterano Eiichi Yamamoto (quien adaptaría junto con el respetado Leiji Matsumoto a la versión animada de Uchuu Senkan Yamato), ilustrada por el increíblemente talentoso Kuni Fukai, con animación encabezada por el maestro Gisaburo Sugi (conocido por Ginga Tetsudou no Yoru pero que tiene un nutrido portafolio que pasa desde ser el director de la película de animé de Street Fighter II hasta incluso cosas de la talla de Super Doll Licca-chan, por más raro que suene esto último) y la frenetica composición musical de Masahiko Satoh.

El resultado final de este equipo es la entrega de una de las películas más “hippie” que salieron en Japón, muy inspirada en arte occidental de artistas como Gustav Klimt, Bernard Buffet y George Dunning (director de Yellow Submarine, la película animada de The Beatles), todo en un estilo demasiado “Summer of Love” muy psicodélico y que de seguro algunos la podrían catalogar como una película Stoner… se los advertimos.

En este episodio tuvimos de invitada nuevamente a Lovechan, amiga del podcast que la tenemos acá porque… simplemente la lleva. Como ha sido la tónica de todos nuestros episodios de películas hablamos de toda la extensión de esta con lujo de detalles, todo para al final llegar a nuestras interpretaciones personales de una producción obviamente demasiado artsyyyy para no debatirlo. Como siempre esperamos que disfruten de otro bello episodio de nuestro humilde proyecto.

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BONUS: Quiero aprovechar en usar este espacio para destacar por sobre todo el maravilloso trabajo de Kuni Fukai, el cual plasmó todo su talento en la película y que sin él simplemente no existiría. Esto lo digo porque casi no hay nada de información de su trabajo fuera de fuentes japonesas y al parecer Belladonna es lo único que ha salido al extranjero de su mano. Fukai es ilustrador, tiene 85 años y todavía está activo, siendo un maestro del arte erótico para novelas japonesas. Acá quiero dejar algunos de sus trabajos donde la única fuente que encontré para mostrarles esto fue a través de Yahoo Auctions Japan.

Una escena específica de Kanashimi no Belladonna cambia de manera drástica en su estilo de animación, pasando por un pintado muy llamativo. Esta técnica se realiza a través del pintado encima de vidrio, algo que a nivel mundial su mayor exponente es Aleksandr Petrov. Esto lo conversamos en el programa y quisimos destacar este documental (en ruso pero con subtítulos en inglés) donde se muestra esta técnica que es realmente increíble.

Finalmente, Pau comentó que acá en Chile este estilo de animación fue aplicado por la película La Casa Lobo, por si le quieren dar el vistazo pertinente.