En este nuevo episodio de Otaku no Shouzou yo y Pau nos acercamos nuevamente a conversar sobre una película pre-2000 del fantástico y legendario Studio Ghibli, estudio que pensamos no requieren presentación alguna. Ya anteriormente hablamos del estudio con Pom Poko y también tocamos el debut directorial en el cine de Hayao Miyazaki con Lupin III: El Castillo de Cagliostro y en esta oportunidad decidimos conversar sobre una de nuestras favoritas del catálogo para los dos por igual, la encantadora Mimi wo Sumaseba.

Conocida en el mercado occidental como Whisper of the Heart y en su localización a latinoamérica como Susurros del Corazón, la película apareció en 1995 siendo una suerte de “desafío” para una nueva camada y sangre fresca que había llegado al estudio, según las propias palabras de Miyazaki. Es por eso que durante la creación de Mononoke Hime se tomó la decisión de tener otra película en producción para poner en prueba a esta gente, incluyendo el debut de su director Yoshifumi Kondo que lamentablemente esconde una historia trágica, ya que fue la única película que dirigió para después fallecer en 1998 a los 47 años por exceso de trabajo, para muchos atribuido a su experiencia en la producción de este filme. Esto fue un duro golpe para Ghibli, ya que al ser la primera película que no estaba dirigida ni por Miyazaki ni por Isao Takahata mucho se especuló que Kondo sería el sucesor bendecido oficial de estos directores, lo que tristemente terminó en esta pena.

La película está basada en un manga original de 1989 escrito por Aoi Hiiragi para la revista Ribon, magazine fundamental que fue la casa de muchos clásicos del género del Shoujo. A pesar de ser bastante cortito, el manga encierra una historia de superación y búsqueda de tus talentos en el género del “coming of age” con elementos que terminó cautivando a Hayao Miyazaki y su estudio. Cabe destacar eso sí que, como ocurre casi siempre con Ghibli, Miyazaki terminó editando la historia considerablemente y la dirección de Kondo le dio un aire mucho más realista y palpable, alejado de los sueños rosados del manga original demasiado arraigado al Shoujo. Esto nos hizo conversar en el podcast sobre la experiencia del manga per se, que de verdad no les va a quitar mucho de su tiempo si le dan la oportunidad.

Como ya lo saben en este episodio hablamos sobre cómo la conocimos, su creación, su talentoso y variado equipo, la gran importancia del uso de la canción Country Roads de John Denver (a pesar que acá se tradujo al japonés y, de paso, se utilizó una versión de nada menos que Olivia Newton-John) y en la segunda mitad del episodio comentamos la película en extenso y con spoilers, con nuestros momentos favoritos detallados. A pesar que es post-2000 igual le dimos un pequeño espacio a mencionar nuestra corta pero sincera opinión sobre el spin-off basado en la película Neko no Ongaeshi del 2002 y de los futuros planes para una secuela live action que tenía que haber llegado a los cines japoneses en septiembre de este 2020 pero los planes fueron retrasados por el coronavirus. Todo en la buena onda de siempre para demostrar el cariño a este filme que muchos evitan por no ser esa fantasía aventurera de las películas más populares de Ghibli pero que llega, precisamente, al corazón.

Como siempre esperamos que disfruten del episodio… y que quede clarísimo que nos queda todavía mil por hablar de muchas películas de Studio Ghibli en el futuro.

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BONUS: La famosa escena “fantástica” de la película fue basada en un cuadro del pintor Naohisa Inoue, que pueden ver acá para sacar la conclusión automática que esta inspiración fue evidente.

Durante el episodio mencioné sobre el reloj cucú de Totoro, todavía está a la venta… si es que quieren hacer llorar a su bolsillo.

En este nuevo y flamante episodio de Otaku no Shouzou regresamos a una serie de animé para la TV que fue transmitida en señal abierta y con doblaje latino, que en general son nuestros podcast más escuchados por razones obvias. A pesar que le hemos dado hincapié a todo lo que fue la cultura otaku pre-2000 en algunas oportunidades hemos tocado algunas producciones que fueron creadas ya rozando el final de la década de los noventa debido a todo ese boom que tuvimos en la televisión en Chile y que, a veces, tuvieron su repercusión cultural ya pasada la década. Sin embargo creemos que el episodio de hoy es una serie que, más que denominarla “post 2000”, fue un fenómeno -en- el año 2000 y que sentó las bases de una franquicia muy querida.

En este episodio hablamos de Digimon Adventure, la primera temporada de este muy famoso animé que apareció en Japón a mediados de 1999 y que llegó bastante rápido a nuestras pantallas latinoamericanas en el 2000. Justo cayendo en medio de la fiebre de las producciones de “monstruos” o coleccionables en general que había iniciado años atrás Pokémon, la gente de Toei Animation nos entregó este animé de TV de 54 episodios intentando beber un poco de este alocado mercado.

Lo interesante del caso y el verdadero motivo de por qué Digimon salió adelante y es recordada con tanto cariño hasta el día de hoy es porque Toei y Bandai decidieron darle un aire más interesante a una serie que solamente tenía la responsabilidad de que vender juguetes y al final entregó una trama bastante interesante y entretenida, que intentaba escaparse de los cánones más básicos del género del kodomo y abarcaron ideas más complejas que dejaron como resultado una serie para niños pero que no termina ofendiendo la inteligencia de su público objetivo.

Durante este episodio hablamos de nuestra experiencia con la serie y de su creación, que como la gran mayoría de los fans de Digimon saben no nació como un animé sino por los productos V-Pets de Bandai que venían heredando todo lo que fue el fenómeno de los Tamagotchi unos años antes. Con eso encima tratamos sobre su desarrollo, el staff de Toei involucrado y de cosas inevitables a la hora de conversar sobre Digimon desde la para muchos injusta comparativa con Pokémon hasta el hecho que en latinoamérica nos salvamos de la horrorosa versión norteamericana. Obviamente y como es parte de la experiencia local se nos hizo inevitable conversar sobre el cariño que mucha gente siente por el lamentablemente fallecido Koji Wada que fue una de las primeras personas de la industria del animé en pasar por Chile y que fue un momento fundamental de la historia del animé en nuestro país, incluso aunque Digimon no fuera lo tuyo.

Como siempre en la hora final del programa hablamos de la serie con spoilers, lo que de paso nos hizo conversar además de las películas de Digimon, tanto la homónima de 1999 como Bokura no War Game. Como algunos ya deben estar imaginando por descarte esto también nos llevó a hablar de los inicios del legendario Mamoru Hosoda como director y sí… hablamos de –ese– episodio, entre otras cosas. También destacamos el trabajo directorial de Hiroyuki Kakudo en la serie de TV (que, como curiosidad, tiene una humilde cuenta de Twitter) y la música del legendario Takanori Arisawa quien años antes ya se había vuelto una leyenda con su trabajo en la maravillosa Sailor Moon… porque pucha que se nota (y sí, Arisawa es ridículamente reconocible en todo lo que trabajó). Por cierto, sí, también hablamos de aquel meme de orgullo nacional.

La invitada de este episodio es CosmicVero quien nos ha hecho todas las imágenes de encabezado del podcast hasta la fecha y que se declara una gran fanática de Digimon, algo que quedó completamente demostrado en este episodio que como siempre esperamos disfruten.

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BONUS: Uno de los detalles artísticos más inolvidables de Digimon Adventure fueron sus fondos, algo que lo conversamos en el podcast. Vero quiso recomendar al respecto este enlace. También una auditora del programa nos comentó sobre cierta interpretación un tanto retorcida del episodio 21 que el propio Hosoda comentó años atrás, por si quieren pasarlo bien… o mal.

Y, como lo prometió Vero en el podcast, acá está una imagen de su bella colección:

En este nuevo episodio de Otaku no Shouzou entramos por primera vez a conversar de una categoría de adaptación al mundo del animé que hasta este punto nunca habíamos tocado: la del animé basado en un videojuego. Siendo la mitad de los años noventa, la explosión que tendrían varios juegos trajo consigo que muchos de sus dueños decidieran arriesgarse y traer estos productos a la animación japonesa, algo que en ese entonces era todo un riesgo considerando que una buena parte de la industria estaba todavía intentando entender cómo adaptar este medio al cine o a la televisión, tanto en Japón como en Hollywood.

Es por eso mismo que nos alegra mucho dar el puntapié inicial de este género en nuestro podcast con uno de sus mejores exponentes: Street Fighter II MOVIE, la película de 1994 creada por Group TAC (ex-Mushi Production que después de la quiebra del mencionado harían producciones como Uchuu Senkan Yamato, Tokimeki Tonight, Those Who Hunt Elves o Super Doll Licca-chan, cerrando el 2010) y que fue producida por la mismísima Capcom, los creadores del juego que en medio de la masividad imposible de detener de su juego Street Fighter II decidieron ellos mismos poner su propio dinero en la creación del animé, algo que no es común en estos casos.

Durante este episodio hablamos un poco de nuestra relación con el juego original que yo (Hayama) tengo una relación extremadamente importante en mi vida como videojugador, siendo los títulos de pelea mi género favorito de videojuegos. Esto dio de paso posteriormente a conversar sobre cómo conocimos de la existencia de la película y el gran legado que dejó no solamente a los fanáticos del juego sino que además a la propia franquicia ya posterior a su lanzamiento. Como es común en nuestro podcast también conversamos sobre la creación de la película que, por una increíble coincidencia que de verdad no fue planeada por mí o por Pau, su staff tiene mucho que ver con algunas personas que trabajaron en Kanashimi no Belladonna, nuestro episodio anterior, empezando por el hecho que esta película está dirigida por la misma persona, el legendario y versátil Gisaburo Sugii.

Ya posteriormente hablamos de la película con lujo de detalle y con spoilers, conversando de nuestros momentos favoritos. Obviamente el tema dio para mucho, incluyendo desde la injusta pero infaltable comparación con la película live action de Street Fighter hasta la inolvidable escena de Chun-Li en la ducha que hasta el día de hoy para muchos fue lo más… exótico, por decir lo menos (y que su impacto fue tan grande que fue imitada en otras películas de animé basadas en videojuegos de pelea, con aviso NSFW a nuestro hipervínculo), todo centrado en esos años de locura que a diferencia de otras películas de animé que hemos conversado esta por su franquicia terminó siendo un impresionante éxito en todo el mundo, al punto de ser de esas pocas películas de animé que llegaron a Estados Unidos de manera mainstream y que también fue alabada por los fanáticos… y sí, también hablamos de la versión norteamericana con la música de Korn y Alice in Chains que honestamente en el 2020 nos genera un poco de risa que otra cosa. Cabe destacar que si bien Pau sí jugó Street Fighter II en los noventa y conoce la franquicia la verdad es que su acercamiento es más bien sutil, por lo que escuchar su opinión sobre la película sin tener el efecto fanboy encima fue muy llamativo.

En este episodio tuvimos de invitado a Sr.NES quien nos acompañó anteriormente en el episodio de Hunter x Hunter y que además de ser un gran fan de esta película y franquicia me acompañó en un especial sobre Street Fighter en nuestro podcast de videojuegos para Gamercafe, que lo grabamos hace nueve años, ya casi diez… pero sigue vigente todo lo que decimos. Esperamos como siempre que disfruten de este episodio.

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Ayer grabamos el Otaku no Shouzou de la peli animada de Street Fighter II y @SrNES me recordó algo que de verdad había olvidado hace como 15 años: en Capcom Fighting Jam, cuando hacen el Midnight Bliss, Ryu se transforma en la cabra chica de Calcuta. Bien ahí Ono (algo que sea) pic.twitter.com/KvfibvfKKQ

— Hayama Akito (@TheBurpMan) November 9, 2020

Algunas de las series o películas de animé que hemos discutido en nuestro querido Otaku no Shouzou fueron éxitos instantáneos ya sea en Japón, en occidente o en todo el mundo a la vez, pero en esta oportunidad hablaremos de una película que tuvieron que pasar casi 40 años para que finalmente tomara el culto que merecía desde el día uno, no solo porque el ofrecimiento y su calidad es inolvidable sino que además entra en la categoría de la experimentación como no muchas producciones japonesas habían hecho en ese entonces.

Este episodio de Otaku no Shouzou fue dedicado a Kanashimi no Belladonna, película de 1973 creada por la legendaria Mushi Production que estaba encabezada originalmente por el mismo dios del manga y el animé Osamu Tezuka. Belladonna tiene toda una historia bien particular: justo cayendo en los años dorados del pinku, Tezuka y amigos decidieron experimentar de manera arriesgada y audaz en el género de la animación erótica para adultos cuando recién estaba explotando en el resto del mundo. De este plan nació la trilogía de películas conocidas como el Animerama, que además de Belladonna incluyó las películas Senya Ichiya Monogatari y Cleopatra (esta última conocida en el mercado norteamericano con el pintoresco nombre de Cleopatra: Queen of Sex). Belladonna, que es la última de la trilogía, es por lejos la de mayor riesgo comercial de las tres debido a varios factores artísticos que llevaron a la producción a transformarse en uno de los productos más avant-garde y experimentales que habían salido en el mercado hasta ese punto. Lamentablemente la recepción no fue la esperada y dio como resultado la quiebra del estudio, que pasarían varios años para ser refundado.

En este episodio hablamos en extenso de la creación de la película que realmente fue toda una locura hablar al respecto porque este es por lejos el episodio de Otaku no Shouzou en donde tuvimos que investigar más al respecto, llegando incluso a leer fuentes japonesas ya que no hay demasiada información en inglés (y mucho menos en español). Entre algunas cosas que conversamos fue de su particular staff, en donde Osamu Tezuka había renunciado al estudio debido a sus fracasos comerciales (para posteriormente crear Tezuka Productions) y que trajo consigo que el resto de su equipo se encargara de ella. Esto daría pistas de por qué la película es tan diferente a las demás ya que tiene a todo un elenco bien interesante: fue dirigida por el veterano Eiichi Yamamoto (quien adaptaría junto con el respetado Leiji Matsumoto a la versión animada de Uchuu Senkan Yamato), ilustrada por el increíblemente talentoso Kuni Fukai, con animación encabezada por el maestro Gisaburo Sugi (conocido por Ginga Tetsudou no Yoru pero que tiene un nutrido portafolio que pasa desde ser el director de la película de animé de Street Fighter II hasta incluso cosas de la talla de Super Doll Licca-chan, por más raro que suene esto último) y la frenetica composición musical de Masahiko Satoh.

El resultado final de este equipo es la entrega de una de las películas más “hippie” que salieron en Japón, muy inspirada en arte occidental de artistas como Gustav Klimt, Bernard Buffet y George Dunning (director de Yellow Submarine, la película animada de The Beatles), todo en un estilo demasiado “Summer of Love” muy psicodélico y que de seguro algunos la podrían catalogar como una película Stoner… se los advertimos.

En este episodio tuvimos de invitada nuevamente a Lovechan, amiga del podcast que la tenemos acá porque… simplemente la lleva. Como ha sido la tónica de todos nuestros episodios de películas hablamos de toda la extensión de esta con lujo de detalles, todo para al final llegar a nuestras interpretaciones personales de una producción obviamente demasiado artsyyyy para no debatirlo. Como siempre esperamos que disfruten de otro bello episodio de nuestro humilde proyecto.

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BONUS: Quiero aprovechar en usar este espacio para destacar por sobre todo el maravilloso trabajo de Kuni Fukai, el cual plasmó todo su talento en la película y que sin él simplemente no existiría. Esto lo digo porque casi no hay nada de información de su trabajo fuera de fuentes japonesas y al parecer Belladonna es lo único que ha salido al extranjero de su mano. Fukai es ilustrador, tiene 85 años y todavía está activo, siendo un maestro del arte erótico para novelas japonesas. Acá quiero dejar algunos de sus trabajos donde la única fuente que encontré para mostrarles esto fue a través de Yahoo Auctions Japan.

Una escena específica de Kanashimi no Belladonna cambia de manera drástica en su estilo de animación, pasando por un pintado muy llamativo. Esta técnica se realiza a través del pintado encima de vidrio, algo que a nivel mundial su mayor exponente es Aleksandr Petrov. Esto lo conversamos en el programa y quisimos destacar este documental (en ruso pero con subtítulos en inglés) donde se muestra esta técnica que es realmente increíble.

Finalmente, Pau comentó que acá en Chile este estilo de animación fue aplicado por la película La Casa Lobo, por si le quieren dar el vistazo pertinente.

Present Day, Present Time: era 1998 y justo Chile estaba en la locura de los años dorados del intercambio de VHS de animé y ciclos locales. Durante esa explosión uno de los elementos más recurrente del mundo otaku de ese entonces es que muchos de sus fanáticos estaban sumergidos en series más “profundas” o “sicológicas”, especialmente después del boom de Evangelion. Como parte de esta “contracultura” que hemos discutido en nuestro programa, una de esas series que fue muy importante no solamente porque contenía estos elementos sino que además estaba dentro del para al menos en Chile novedoso mundo del internet fue Serial Experiments Lain, que sacudió a su público con uno de los ofrecimientos más originales pero a la vez difíciles de entrar del animé en ese momento.

En este bello nuevo episodio de Otaku no Shouzou charlamos sobre esta clásica y “de culto” serie de TV de 1998 creada por Pioneer y Triangle Staff, quienes regresan a nuestro podcast después de conversar sobre este estudio en Shamanic Princess y Macross Plus. Una de las mayores particularidades de Triangle Staff es que se arriesgaron a cosas muy “experimentales” de la época y qué decir de Lain, que por lejos fue uno de los riesgos económicos más grandes que tuvo el estudio durante su existencia. Mezclando el cyberpunk con el terror psicológico, temas existenciales, sobre la realidad y especialmente sobre las conexiones en el mundo real y el internet (o en este caso el Wired), Serial Experiments Lain fue una de las series pioneras en tomar la temática del “ciberespacio” cuando en esos años todo era críptico y misterioso a ojos del consumidor casual. Esto además trajo consigo a un equipo muy prestigioso al staff de la serie, con nombres como Yasuyuki Ueda en la producción, el fallecido Ryutaro Nakamura de director, Chiaki J. Konaka como escritor y Yoshitoshi ABe en sus inconfundibles diseños de personaje. Además de todo esto se nos es imposible no mencionar la gigantesca popularidad que tuvo (y todavía tiene) el inolvidable OP de la serie, Duvet, que sacó de onda a mucha gente por estar en inglés y por su estilo melódico que podría haber pasado perfectamente como un single de una radio FM de la época.

Como es común hablamos de cómo conocimos la serie, justo en este ambiente de ver cosas “shuper locarsh” en años adolescentes y que obviamente dio un impacto especial al verlo a esa edad. También hablamos de la producción que fue todo un riesgo para sus creadores y como siempre hablamos del primer episodio con lujo de detalle y del resto con spoilers al final del episodio, además de conclusiones finales que la verdad pueden ser más o menos polarizadas para el gusto de algunos.

En este capítulo tuvimos de invitado a Wladymir Bernechea, quien escribió el libro Neo Tokio: Historia del animé en la cultura chilena y que nos acompañó junto con sus anécdotas de haber experimentado esta serie. Como siempre esperamos que disfruten de este episodio.

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BONUS: el equipo de Lain fue entrevistado en 1999 por la revista norteamericana Animerica, que fue muy discutido en su momento. Alguien tuvo la buena onda de traducir la entrevista al español, por si le quieren dar un vistazo.

A pesar que acá en Otaku no Shouzou no hablamos directamente de intercambio de piratería ni mucho menos el amigo Stigma acá en Chilito tuvo la maravilla de hacer un rip de Lain directo de VHS, por si quieren vivir la magia.

Otaku no Shouzou se complace en presentar otro episodio dedicado a un tema más general donde nos escapamos de conversar sobre una serie o película en particular y nos adentramos a la “experiencia” de la época… y wow, vaya que nos tocó hablar en esta oportunidad de un tema que cualquiera que haya vivido los ochenta o noventa y quería ver animé fuera de la televisión abierta y entrar de manera real al mundo otaku tuvo que pasar al menos una vez, ya sea de manera externa o vuelto loco en la comodidad de su casa.

En esta oportunidad hablamos de la experiencia de arriendo e intercambio de VHS, las ya casi desaparecidas cintas de video que abrieron las puertas a poder ver tranquilamente en tu hogar lo que quisieras sin la necesidad de ir al cine. Lo cierto es que mientras para el primer mundo esto generó una gigantesca industria acá por estos lados el VHS abrió todas las posibilidades del mundo a la piratería cuando pasamos de los “pasapelículas” a los videograbadores, algo que tenemos claro que si no hubiera sido por eso nuestra experiencia de animé en Chile por el formato habría estado casi en el borde de lo nulo para muchos de nosotros. ¡El tercer mundo siempre presente!

Durante este episodio conversamos de nuestra experiencia como usuarios de reproductores VHS y todo lo que significó para nosotros esa vivencia, tanto en poder arrendar animé en pequeños videoclubs (porque honestamente el catálogo en lugares como Errol’s o Blockbuster no era muy grande por la negativa que ellos tenían frente al animé) como el intercambio de VHS a través de grupos dedicados al tema, todo en el formato ya conocido de nuestro podcast donde la nostalgia fue protagonista número uno en esta oportunidad.

Sin embargo por lejos lo mejor de esta edición de Otaku no Shouzou fue nuestra invitada, Soubi, la que fue nada más y nada menos que dueña y trabajadora de un videoclub de barrio que empezó en 1990 y terminó el 2006, lo que generó una extensa pero muy entretenida conversación sobre la experiencia de mantener uno de estos queridos locales ya casi todos en extinción. Esto no solamente se conversó desde la perspectiva del videoclub sino que le dimos la vuelta otaku al tema ya que Soubi también lo es y vio un gigantesco y muy envidiable catálogo en VHS de animé siendo muy, muy joven, algo que de seguro generará una sana envidia a varios en nuestro público. La conversación también dio de manera chistosa otros tópicos al respecto, desde la “popularidad” de Manga Video directo desde España a nuestro mercado y las comillas las resalto porque les pirateamos absolutamente todo, la sorprendente suerte que tuvo Pau como usuaria de un reproductor de Laserdisc y hasta incluso esa extravagante pero curiosa anécdota de lo que ocurrió con Rodolfo Garrido y el escándalo de Urotsukidoji a nivel nacional en la segunda mitad de los noventa, entre otros.

Como siempre esperamos que disfruten de este episodio general que yo y Pau siempre lo pasamos bien realizando.

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BONUS: Por si alguien se quedó con la duda, la película que mencioné que vi y que es “lo más extraño” que tuve en VHS es esta.

Cuando Pau me ofreció grabar sobre la siguiente serie en este episodio de Otaku no Shouzou la verdad es que al principio no estaba muy convencido. Algunos por descarte van a sacar la conclusión automática que es “por la temática” pero no, nada que ver con eso, sino porque a pesar que la serie de TV salió a finales del 2000 y es parte del borde de lo que tocamos acá en el programa lo cierto es que ante mis ojos esta producción es, a todas luces, un reflejo de una escuela de animé que se moldearía y sería muy notorio durante la década del 2000. Sin embargo decidí darle otra vuelta: si bien es cierto que para la mayoría fue una experiencia “post”, al final del día esta fue una serie que cerró la década y dio vuelta la página para entregarle especialmente a occidente una visión más bien novedosa y revolucionaria fuera de Japón que es poder ver una serie shounen ai/BL para la televisión abierta.

En este episodio de Otaku no Shouzou hablamos de Gravitation en dos de sus adaptaciones animadas: los OVAs que salieron en 1999 y la serie de TV que apareció en octubre del año 2000, todo esto basado en la obra de la mangaka Maki Murakami quien había iniciado su trabajo con esta historia en 1996. Todo parece indicar que el éxito del manga fue explosivo porque no se demoró nada en ser adaptado al mundo del animé y si bien ya existían otras obras de corte BL o incluso yaoi antes de Gravitation que estaba dando vueltas en Chile en formato VHS (como Zetsuai 1989) esta fue toda una locura que trajo consigo una efervescencia nunca antes vista, especialmente dentro del público femenino otaku nacional, que hizo reventar el éxito de la serie al punto que uno viajaba por lugares como Eurocentro o Portal Lyon y se encontraba con una montaña de Kumagoro a la venta… casi al mismo nivel de personajes como Kero de Card Captor Sakura. Fue así de gigante.

Durante este episodio conversamos de los tópicos de siempre: cómo la conocimos, su creación en el mundo del animé que a esas alturas fue básicamente una “súper producción” para el género donde estaba metida las manos de Studio Deen y SME Visual Works (actualmente Aniplex) y un catálogo de seiyuus donde la gran mayoría ya eran estrellas o iban camino a serlo, como Tomokazu Seki, Kazuhiko Inoue, Ai Orikasa, Kappei Yamaguchi, Hiromi Tsuru o Rie Tanaka, entre otros. Todo esto dio como resultado una visión muy diferente al resto de las producciones BL que habían salido hasta ese punto, alejadas del dramón y shock clásico del género y acercándose a una comedia ligera muy agradable y accesible, casi en la escuela de Rumiko Takahashi a ratos en solamente 13 episodios, aunque igual con ciertos elementos oscuros.

A pesar que la serie de TV fue la protagonista principal del fenómeno antes de hablar de ella le dimos hincapié a los OVAs, que hasta unos días atrás nunca había visto pero que mi interés se disparó al 999% cuando me enteré que habían sido dirigidos por nada más y nada menos que el legendario Shinichi Watanabe, quien su fama por estirar la comedia japonesa al más absurdo denominador posible se ha plasmado en clásicos como Excel Saga o Puni Puni Poemy… y siendo sincero es algo que se nota a millones de kilómetros de distancia en estos OVAs. Esto dio como resultado muchas risas y la verdad es que lo pasamos bastante bien hablando al respecto. Como es costumbre también hablamos de la serie con spoilers al final, con nuestros personajes y episodios favoritos, entre otros. Todo esto dio como resultado una conversación entretenida pero a la vez bien crítica de la serie de TV, que honestamente a nivel visual no ha envejecido para nada bien y fue algo que detallamos en lo que pudimos.

En este episodio tuvimos de invitado a 3ndjuice, ilustrador y seguidor del trabajo de Maki Murakami y que si bien se considera fanático de Gravitation igual es a la vez bien crítico de este trabajo para el animé, siendo mucho más entusiasta del manga. Esto no quiere decir que se haya guardado sus opiniones frente a los OVAs y la serie de TV, que dio para largo en uno de los episodios más largos que hemos grabado en Otaku no Shouzou (¿otra vez?) y que esperamos disfruten.

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BONUS: Debido a que a Gravitation le tocó vivir la transición del análogo al digital la serie de TV sufrió de varios problemas con respecto a los bordes, que son errores que no se ven en televisores CRT pero que son completamente visibles en monitores VGA o HD. Hay desde errores perdonables hasta algunos realmente impresentables. Acá les dejamos dos ejemplos de lo “perdonable” y lo “impresentable”, aunque se pueden entretener ustedes mismos viendo la serie buscando los errores, que no son pocos.