En este episodio de Otaku no Shouzou continuamos con nuestro repaso por las cinco temporadas de Sailor Moon, la titánica franquicia de Naoko Takeuchi que si estuviste parado en los noventa era absolutamente inevitable, incluso aunque no te gustara el animé porque fue y sigue siendo así de mainstream. Hasta la fecha hemos pasado por la primera temporada y por Sailor Moon R y en esta oportunidad nos tocó conversar sobre la que es una de las más populares y queridas, Sailor Moon S.
La tercera temporada que cayó entre 1994 y 1995 en Japón gracias a la mano de Toei nos entregó animado el arco del Death Busters, recordada en el doblaje latino como “Los cazadores de la muerte” y que su mayor impacto fue la llegada de las Outer Senshi, quienes si bien ya se había asomado Pluto en la temporada anterior acá fue donde se consagró el grupo con las revelaciones de Sailor Uranus, Sailor Neptune y Sailor Saturn. Una temporada marcada por tener un tono más oscuro y a ratos surrealista que agarró un estilo propio gracias a la mano del querido y respetado director Kunihiko Ikuhara, el cual después de esta experiencia realizaría Shoujo Kakumei Utena y lo levantaría al olimpo de los directores más prestigioso del medio. También tenemos claro que el tema de la relación amorosa entre Uranus y Neptune es icónica, muy especialmente para occidente que no estaba acostumbrado a este tipo de contenido en animación, por lo que se mantiene como uno de los recuerdos más potentes a la hora de hablar de la serie en general.
En este episodio conversamos sobre el impacto que tuvo entre nosotros (especialmente considerando que Sailor Moon R no fue particularmente perfecta, en nuestra humilde opinión), su creación, la dirección de Ikuhara que fue muy entretenido compararla con lo que veríamos de él a futuro y ya después de nuestros episodios, personajes y momentos favoritos.
Al igual que como lo hicimos con el episodio de R, esta repasada también incluye nuestras opiniones frente a la película de Sailor Moon S, dirigida por Hiroki Shibata y recordada por los fanáticos por el inesperado protagonismo de Luna que si bien es una experiencia muy corta y casi en el borde de la calidad de un OVA igual es bastante memorable.
En esta oportunidad nuestra invitada fue Carura-sama, parte del equipo de Sailor Moon Cosplay Chile y animadora del programa de radio sobre cultura gótica Entre Las Sombras quien nos acompañó a conversar sobre su experiencia y amor a esta emblemática temporada… Lovely!
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BONUS: Yo y Carura nos conocimos el 2017 gracias al primer episodio del podcast de Loud.cl que hablamos sobre… yep, lo adivinaron, Sailor Moon. Todavía está arriba por si le quieren dar una escuchada.
Nuestro episodio número 71 de Otaku no Shouzou va dedicado a algo que no habíamos tocado tan abiertamente: la experiencia concentrada al lado más “ecchi” del animé retro. Sí, por supuesto que sabemos que salen bubis en Ranma ½, que Kanashimi no Belladonna tiene una temática sexual considerable y ni hablar de Midori o Urotsukidouji, pero en esta oportunidad nos referimos al ecchi en su estado más vulgar y absurdo, tocando el género de la comedia por lo exagerado que es.
Y obviamente esta introducción va porque conversamos sobre uno de los ejemplares más recordados en su estilo: Golden Boy, la adaptación al formato OVA basada en el manga de Tatsuya Egawa, animada por el estudio A.P.P.P. en 1995, dirigida por Hiroyuki Kitakubo (quien anteriormente fue director de Roujin Z) y con los diseños de personaje y animación por Toshihiro Kawamoto, quien unos años más tarde se consagraría en lo alto por haber sido el responsable del mismo trabajo en la mítica y amada por todos Cowboy Bebop.
Durante el episodio como es costumbre conversamos sobre cómo la conocimos, su producción y posteriormente de nuestros momentos favoritos con spoilers. Una de las conversaciones más interesantes de este Otaku no Shouzou fue recordar lo alguna vez alabada y popular dentro del círculo nacional que fue esta serie, uno de esos animé que llenaban ciclos en teatros y que era una carta ganadora en el catálogo que nosotros apodamos como “ES QUE TIENES QUE VER ESTOOOO“, un efecto clásico noventero de todo lo que ocurría por el mundo más under del animé no solo en Chile sino en el resto del mundo… y sí, sabemos que la serie puede ser incluso un tanto cuestionable o “funable” en el año 2021, pero la conversamos no solo desde la perspectiva de la época sino que también la observamos con el respeto a su director, quien realmente hizo de Golden Boy una experiencia para muchos inolvidable y que dejaría las semillas plantadas para un grupo de otakus no menor que posteriormente gozaría de series del estilo de Great Teacher Onizuka, entre otros.
Como siempre esperamos que disfruten de este episodio.
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BONUS: Quiero agradecer a Kintariyo por haber enviado a mi cuenta de Twitter esta fantraducción al inglés de la entrevista al staff de Golden Boy que venía en los Laserdisc originales.
Cuando iniciamos el proyecto de Otaku no Shouzou una de las primeras ideas que tuvimos entre yo y Pau fue querer cubrir la experiencia antes del 2000 no solamente en Chile sino también en otros países hermanos. Obviamente teníamos que “afiatar” nuestro proyecto antes de lanzarnos a tal extensa cruzada y creemos que ahora que llegamos a nada más y nada menos que nuestro episodio número 70 estamos listos para abarcar esta temática… cada cierto tiempo para no aburrir con lo mismo, por supuesto.
En este episodio de Otaku no Shouzou empiezan nuestras entrevistas a gente de otros lados del continente y quisimos dar el puntapié inicial con la experiencia del animé pre-2000 en México, uno de los países más importantes a la hora de hablar del fenómeno de la animación japonesa en latinoamérica ya que ellos son por lejos los mayores exponentes del doblaje, así que lo quisiéramos o no su legado en nuestras vidas para los que disfrutamos del animé es inconmensurable.
Nuestra conversación se realizó con Chibi quien nos ha acompañado en nuestros episodios de Ranma ½ y con HappoHanz, amigo personal de internet de hace más de 20 años el cual vivió la influencia del animé y la cultura japonesa en general en México ya desde los años setenta. El aporte de Hanz a nuestro episodio fue realmente espectacular porque hasta la fecha y debido a nuestra edad no habíamos tocado de esta manera la experiencia del animé en los setenta a nivel latinoamericano, por lo que fue realmente muy interesante.
Durante nuestro episodio hablamos de los inicios del animé en México, pasando después por la década de los ochenta y finalmente los noventa donde explota la locura “otaku” por varios factores que conversamos en extenso. Fue además interesante escuchar varias diferencias con respecto a Chile en ese viaje, algo que era precisamente uno de los puntos más importantes que buscábamos explorar yo y Pau en estos episodios. Todo generado en una amena conversación entre buena onda, nostalgia y mucho amor a Puebla en otro episodio que esperamos disfruten.
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BONUS: Sin lugar a dudas uno de los temas de conversación más entretenidos y apasionantes que tocamos en este episodio de Otaku no Shouzou fue la locura que fue el éxito de Señorita Cometa en México, serie live action basada en el manga de Mitsuteru Yokoyama (creador de Getter Robo, ni más ni menos) realizada en Japón en los años sesenta, con una buena parte de sus episodios en blanco y negro. Si bien la serie fue transmitida en Chile por TVN en los setenta (algo que, confieso, no sabía hasta la realización de este episodio) el impacto mediático que generó en México es recordado hasta la fecha, marcando a toda una generación de mexicanos.
Acá dejamos el primer episodio de la versión doblada en México (con doblaje nuevo eso sí ya que el original se perdió en el terremoto de 1985) y, por si fuera poco, una curiosa entrevista a Yumiko Kokonoe, la mismísima Señorita Cometa quien fue entrevistada en la televisión mexicana durante el mundial de Corea-Japón 2002 y que es recordado como uno de los momentos más inesperados de la historia de la TV de allá, realizada por el comediante Ponchito.
En nuestro episodio número 69 (nice) de Otaku no Shouzou nos cayó un momento prácticamente histórico para nuestro podcast, ya que en esta oportunidad conversamos sobre una de las películas de animé más queridas, consagradas y muy especialmente influyentes de la historia del medio, una película que junto con Akira y Ninja Scroll eran, según mi opinión, la “trifuerza” de las películas de animé de los noventa.
Este episodio fue dirigido a Ghost in the Shell, la película de 1995 por Production I.G. basada en el manga del genial Masamune Shirow del cual ya hablamos antes en nuestro episodio dirigido a Dominion y dirigida por otro gigante de la animación japonesa, el emblemático y mítico Mamoru Oshii quien ya anteriormente le dirigimos unas palabras en nuestro episodio sobre la críptica pero atrapante Tenshi no Tamago.
Incluso aunque nunca la hayas visto estamos seguros que si eres un seguidor del animé al menos has escuchado hablar de ella porque su impacto fue gigante, escapando del mundo otaku y llegando a inspirar obras de la talla de The Matrix (algo que lo conversamos, a pesar que es una anécdota a estas alturas muy conocida). Su peso en la cultura popular llegó a ser tan grande que hace no muchos años atrás nos cayó en el mercado de Hollywooduna adaptación live action con la mismísima Scarlett Johansson a la cabeza y que, con toda honestidad, tuvo una recepción más bien tibia y particularmente cuestionada por los fanáticos más acérrimos de la franquicia.
En este episodio comentamos como siempre sobre cómo la conocimos (algo que viene de esos años ya que, créenos, era una película totalmente inescapable), su producción y posteriormente sobre la película en sí con lujo de detalle y spoilers. Tal como lo hicimos en el episodio de Alita decidimos darle también aunque sea unas breves palabras a la versión live action, aunque definitivamente no al nivel de cómo lo hicimos con la versión de Hollywood de Alita porque sentimos que no lo merecía, para qué mentir.
En este episodio tuvimos nuevamente de invitada a CosmicVero quien nos acompañó en nuestras revisiones de Digimon Adventure y FLCL ya que ama la película, siendo de esas que ella se repite al menos una vez al año. Como siempre esperamos que disfruten de nuestro humilde proyecto de podcast.
Una vez más uno de nuestros episodios de Otaku no Shouzou entra a escarbar la legendaria obra de Hayao Miyazaki, alguien que no requiere presentación alguna. Sin embargo y marcando una diferencia considerable con lo que hemos conversado hasta la fecha en esta oportunidad hablamos no de una película ni tampoco de su trabajo en Studio Ghibli sino que revisamos su debut directorial en el mundo del animé para televisión, allá por el lejano 1978 y que, afortunadamente, fue una de esas series que pudimos disfrutar doblada en español latino durante la década de los noventa.
En este episodio hablamos de Mirai Shounen Conan, serie que fue localizada a nuestro mercado con el nombre traducido literalmente como Conan, el niño del futuro (no confundir con el otro Conan), la maravillosa serie de Nippon Animation basada en la novela La Marea Increíble de Alexander Key, publicada originalmente en 1970. Esta producción tuvo la suerte de no solo incluir en su equipo a Miyazaki a la cabeza sino que además fue la primera serie de animé producida por la NHK, lo que dio grandes beneficios a su director donde se destaca la libertad creativa. Este último punto es de altísima importancia a la hora de hablar de Conan ya que Hayao Miyazaki editó la historia de manera radical, entregando un mensaje mucho más esperanzador y lleno de bellos detalles que posteriormente serían extremadamente reconocibles en su obra, muy en especial en la influencia que tuvo esta serie en su película de 1986 Laputa donde a todas luces es la película de Conan, solo que en una suerte de realidad alternativa si podríamos definirla de alguna manera.
Durante esta entrega de nuestro podcast hicimos nuestra clásica revisión donde empezamos conversando sobre cómo la conocimos, siendo una de las últimas series que disfrutamos de la parrilla programática de Pipiripao acá en Santiago (más no diremos “Chile” ya que el canal no se veía en todo el país) por primera vez durante los años 1993/94 en un doblaje latino reconocido por la participación del querido y fallecido Jesús Barrero y ya posteriormente hablamos de su creación y de toda la serie con spoilers, donde destacamos nuestros personajes y episodios favoritos. También se nos hizo imposible no darle énfasis al espectacular final de la serie, totalmente inolvidable.
Como “curiosidad” y marcamos las comillas también comentamos sobre la existencia de dos películas recopilatorias de Conan que aparecieron en 1979 y 1984, siendo honestamente no muy buenas y que hasta la fecha nadie ha hecho fansub de ellas ni en español ni en inglés, menos lanzamientos legales fuera de Japón, así que son realmente difíciles de recomendar al menos que manejen el idioma japonés. Nuestra crítica a la calidad de estas ni siquiera va por su carácter de relleno sino por su edición, donde Miyazaki no tuvo que ver en ellas… y sí, yep, también sabemos que cayó en 1999 nada más y nada menos que Mirai Shounen Conan II pero no solamente tiene una conexión casi nula con el material original sino que su calidad deja mucho que desear, así que apenas lo mencionamos como anécdota, si es que alguien lo esperaba.
En este episodio tuvimos nuevamente de invitado a Sr.NES el cual disfrutó de la serie cuando la emitieron en los noventa en nuestro país, de hecho su recuerdo es casi en exclusiva sobre la versión del doblaje latino así que definitivamente fue un episodio cargado a la nostalgia que esperamos disfruten, ya que Conan es por lejos una de las mejores series de animé para TV que hemos hablado en nuestro podcast.
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BONUS: Esta anécdota está casi en el borde de lo ridículo pero como lo mencionamos en el programa, si alguien que nos escucha sabe japonés, este es el libro que comenté sobre la pintoresca comparativa que hicieron entre Conan y Waterworld.
Este episodio de Otaku no Shouzou es espiritualmente una “segunda parte” ya que una vez más nos tocó hablar de la franquicia Vampire Hunter D y sus adaptaciones al mundo del animé. La vez anterior lo hicimos con el OVA de 1985 que le tenemos mucho respeto y admiración y en esta oportunidad nos saltamos 15 años después ya que en el 2000 recibimos la llegada de Vampire Hunter D: Bloodlust.
Gracias a la magia de Madhouse el mundo del animé recibió una vez más otra increíble producción de este clásico y consagrado estudio, donde en esta oportunidad la responsabilidad de traer a D a la pantalla grande estuvo en manos del legendario y mítico Yoshiaki Kawajiri, maestro del medio y experto del estilo hypervisual del cual ya hablamos antes de él en nuestro programa debido a su magna obra Ninja Scroll. Lo bueno del caso es que todavía nos queda muchísimo más de qué hablar sobre Kawajiri en el futuro, ya que fue un ídolo del animé durante los ochenta y noventa.
Durante este episodio hablamos de sobre cómo la conocimos, su potente producción realzada por el éxito que había sido el OVA original específicamente en Estados Unidos donde Bloodlust terminó siendo estrenada primero en occidente que en su tierra natal, detalles sobre su staff donde nuevamente brillan los diseños originales del querido Yoshitaka Amano y finalmente hablamos de la película con lujo de detalles y spoilers como es común en nuestro podcast. Cabe destacar que fue muy interesante conversar sobre la sensación térmica de la escena otaku en ese entonces cuando salió la película, donde el interés por ella no solo se reflejaba en los fans del OVA original sino además de otros públicos muy diferentes que rondaban desde los seguidores de Castlevania hasta los adeptos al visual kei.
Este episodio tuvo de invitado por tercera vez en nuestro programa a 3ndjuice el cual no solo ama a esta película sino que además tuvo una enorme influencia de manera artística en su trabajo como ilustrador. Como siempre esperamos que disfruten de otro bello episodio de nuestro humilde proyecto.
Una vez más Otaku no Shouzou entra al prestigioso catálogo de Studio Ghibli, donde en el pasado ya hemos revisado varias películas y afortunadamente todavía nos falta harto por ver y disfrutar en nuestro programa. Lo bueno de este caso es que por más amor y cariño incondicional que le tengamos al trabajo de Hayao Miyazaki la verdad es que este episodio nos trae de regreso a hablar del legendario maestro y regalón tanto mío como de Pau, don Isao Takahata .
En este episodio hablamos de Omoide Poro Poro (o OmoHIde Poro Poro, algo llamativo que lo hablamos en el podcast), película que en el mercado occidental se conoce como Only Yesterday y que en la localización a nuestro mercado cayó como Recuerdos del Ayer. Este filme fue estrenado en el mercado japonés el 20 de julio de 1991, por lo que justo (y sin planearlo de antemano, honestamente) esta producción está cumpliendo 30 años, por lo que era un excelente momento para conversar sobre esta excelente obra dirigida por Takahata y basada en el manga de Hotaru Okamoto y Yuko Tone.
Durante este episodio conversamos sobre cómo la conocimos, su producción y posteriormente sobre la película con lujo de detalle y spoilers. Cabe destacar que este episodio tuvo detalles bien interesantes que acentuamos en nuestra charla, como por ejemplo el acercamiento más seinen que generalmente tiene Takahata en sus películas de Ghibli y que, de hecho, para muchos esta es una de las películas más dirigidas a un público adulto de su catálogo (y, por ende, una de las más infravaloradas). También hablamos de su preocupación personal como director con memorias pasadas de Japón (comparando ese tema con su anterior película Hotaru no Haka o La Tumba de las Luciérnagas que de seguro hablaremos de ella a futuro) y, como casi de manera única en nuestro programa, hablamos de nuestros propios recuerdos frente al ofrecimiento que da la película, donde todo se mezcló en una conversación muy amena y con momentos chistosos o emotivos que esperamos disfruten.
En esta oportunidad nuestra invitada es nuevamente la querida Daniela Pino que nos acompañó anteriormente en nuestro episodio dedicado a Kiki y que dejó otra vez en constancia su amor a Studio Ghibli.
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BONUS: Con toda honestidad esto tiene más que ver con Sailor Moon que con esta película pero como la siguiente canción aparece en el filme y lo aclaramos específicamente en este episodio igual lo comentaremos, ya que en una escena aparece Sayonara wa Dance no Atoni de Baisho Chieko que su melodía fue pieza fundamental para la composición de Moonlight Densetsu. Una anécdota extremadamente vieja y conocida entre los fans de Sailor Moon pero lo dejamos acá por si acaso.
Y, para los con la curiosidad, el documental sobre “lo literario de Studio Ghibli” que mencionamos en el programa se llama Ghibli no Hondana y que fue transmitido en la BS Nippon Television el 2010. No es particularmente fácil de encontrar (no está en YouTube por lo que revisamos, así que no lo adjuntamos acá y pido disculpas por eso) pero unas vueltas en Google pueden ayudar.
Si bien uno de nuestros primeros episodios de Otaku no Shouzou estuvo dedicado a la magnífica Top wo Nerae! la verdad es que creemos que esta es la primera vez en nuestro podcast que entramos a una serie 100% arraigada en las bases más puras y cristalinas del género del Super Robot, algo que de verdad lo debíamos y que en esta oportunidad tocamos una adaptación noventera de un megaclásico que nos alegra revisar, porque no ha envejecido una gota.
En este episodio conversamos sobre Change!! Getter Robo, conocido en el mercado norteamericano como Getter Robo Armageddon, los 13 fantásticos OVAs de Brain’s Base basados en la famosa serie Super Robot creada por las leyendas Ken Ishikawa y Go Nagai.
Cayendo estos OVAs en 1998 como parte de la celebración de los 15 años de Emotion (la mítica distribuidora de animé de Bandai reconocida hasta la fecha por su inolvidable logotipo con los moais), esta producción fue básicamente un tributo a toda la carrera de Ken Ishikawa y si bien tenemos claro que Getter Robo es una creación en conjunto con el gigante indiscutido que es Go Nagai (Mazinger Z, Cutie Honey, Devilman) fue Ishikawa no solo el que le dio su estilo inconfundible sino que siguió con la franquicia durante toda su carrera, falleciendo lamentablemente el año 2006 a los 58 años.
A algunos les va a parecer raro que hayamos elegido a Change!! Getter Robo en vez de su serie original de animé de 1974, emblemática, fundamental y esencial para la creación del género de los Super Robots, pero este episodio fue elegido por Pau la cual tenía una historia personal para que habláramos específicamente de ella y que lo comentamos en este episodio. A pesar de todo fue inevitable hablar sobre la carrera general de Ken Ishikawa y si bien no lo hicimos con lujo de detalle comparado con otras oportunidades de nuestro podcast creemos que dejará en evidencia toda su enorme importancia como uno de los grandes del mundo del manga.
Como es común hablamos de cómo la conocimos, su creación a cargo de Brain’s Base que aunque sea difícil de creer fue su debút (aunque todos en el equipo son veteranos del animé, ex-Tokyo Movie Shinsha) y posteriormente de todos los OVAs con spoilers. Queremos destacar de manera prioritaria que además este episodio contiene spoilers de las temporadas anteriores de Getter Robo, algo que fue necesario para poder comprender la importancia de esta producción que vino a entregar alegrías pero a la vez una auténtica locura a todos los veteranos de Getter Robo en esa época, especialmente en Japón. Fue además inevitable conversar un poco sobre la experiencia del fan del Super Robot acá en Chile en esos años, un grupo bastante particular en mi experiencia personal y el de nuestro invitado.
Que, por cierto, una vez más se repite en nuestro programa el buen Pandurris de invitado que siempre le han brillado los ojitos con los robots, así que sabíamos que lo requeríamos para esta entrega que esperamos disfruten.
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BONUS: Si bien Ken Ishikawa era un excelente y elogiado mangaka en los años setenta su carrera es recordada por su notoria superación en su estilo de dibujo, con ilustraciones realmente increíbles ya tirado desde los años ochenta hacia adelante. Acá una comparativa del primer tomo de Getter Robo con el trabajo de Ishikawa 20 años después.
Como la mayoría de los que nos escuchan saben, nuestro proyecto de podcastOtaku no Shouzou está dirigido específicamente al mundo del animé y por temas de tiempo y organización todo lo que tiene que ver exclusivamente con manga lo dejamos como algo secundario o anexo a los tópicos que hablamos por episodio, algo que por ahora no va a cambiar a corto plazo. Debido a esto, hay varios artistas del mundo del manga que admiramos mucho y que nos encantaría conversar sobre ellos pero que lamentablemente no tienen adaptaciones al mundo del animé, por lo que se escapan del radar del programa. En el caso de este episodio apenas nos salvamos, ya que nos tocó hablar sobre la que es para sus seguidores y la crítica especializada una de las más legendarias autoras de manga shoujo de todos los tiempos pero que entre su extenso catálogo solo tiene, sorpresivamente, una adaptación al animé entre todas sus obras.
En este episodio de Otaku no Shouzou hablamos de la adaptación cinematográfica de Juuichinin Iru!, conocida mayoritariamente en occidente como They Were Eleven y en español, dependiendo el caso, como ¿Quién es el 11º pasajero? o incluso Odisea Galáctica en el muy obscuro doblaje latino. Esta película de 1986 por Kitty Film es la única adaptación al mundo del animé de la obra de la legendaria Moto Hagio, la para muchos indiscutida reina del shoujo manga quien revolucionó el género en los años setenta junto con esta historia además de otras como Poe no Ichizoku o Thomas no Shinzou. Esta “revolución” sacudió al manga supuestamente dirigido solo a niñas pequeñas o adolescentes por sus complejas y sotisficadas temáticas que tocan sus obras, muchas de ellas recordadas hasta nuestros días también por los temas de género y feminismo muy adelantados a su época.
Durante este episodio hablamos de cómo la conocimos, su producción y finalmente sobre la película en extenso con spoilers, sin embargo debido a que siempre es muy entretenido profesar nuestro incondicional amor a Moto Hagio y que es la única vez que probablemente hablaremos sobre ella de esta manera, tomamos la decisión de conversar también de su trabajo en general, que si bien no fue una repasada profunda (ya que no nos alcanzaba el tiempo) sí fue un buen momento para conversar sobre su gigantesca influencia en el mundo del manga y el animé, no solo en el shoujo sino en géneros completamente alejados de este gracias a su increíble trabajo que venía de la mano con toda la maravillosa generación del grupo del año 24.
Cabe destacar que además Juuichinin Iru! no solo es llamativa por los temas clásicos del estilo de Hagio sino que además la autora entró con esta obra al mundo de la ciencia ficción espacial, con temáticas que ante los ojos de muchos estaban extremadamente adelantadas a su época, especialmente por el estilo en que está escrita como una suerte de thriller espacial que años después se volvería muy popular en occidente gracias a películas como Alien. Hay que dejar en claro que si bien la película de animé es de 1986, el manga original es de nada más y nada menos de 1975, lo que vuela la mente pensarlo. Otro detalle particular de este episodio es que esta película está dirigida por Satoshi Dezaki, el hermano de la súperleyenda del animé Osamu Dezaki que nos dio cierta risa mencionarlo ya que a título personal soy un gran fan de Osamu Dezaki (uno de los mejores directores de animé de todos los tiempos en mi humilde opinión) pero partimos por pirmera vez hablando de su hermano en nuestro podcast que, si bien hizo un muy buen trabajo acá, su nombre tiene una reputación bastante más obscura y desconocida… cosas de la vida (y, honestamente, mejor, ya que hablamos de un mundo de dirección de animé que no conocíamos para nada hasta la realización de este episodio).
Esta entrega de Otaku no Shouzou tuvo como invitada a Lovechan quien ya nos ha acompañado en varias ocasiones y que se declara una gran seguidora de Moto Hagio, lo que dio como resultado otra entretenida conversación que esperamos disfruten.
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BONUS: Debido a que nuestra bella Lovechan es culta, fina y educada siempre que pasa por nuestro programa las entradas de mi blog se llenan de detalles anexos muy interesantes que conversamos durante la realización del podcast, así que partamos.
Pau conoció por primera vez el trabajo de Moto Hagio cuando la vio entrevistada en Manben, el increíblemente histórico y excelente programa de TV japonés realizado por la leyenda del manga Naoki Urasawa (Yawara!, Master Keaton, Monster, Pluto, 20th Century Boys, Asadora!) que cualquiera que disfrute del manga y muy especial del dibujo es un esencial. El programa está siendo traducido en inglés en este sitio web y el episodio específico es este.
Debido a los comentarios de Usamimi directo desde el Anime Nostalgia Podcast nos enteramos de la existencia del libro Four Shoujo Stories, una muy obscura publicación que salió a mediados de los noventa en Estados Unidos donde They Were Eleven fue publicado. Actualmente es una versión bastante difícil y cara de conseguir.
Durante el episodio hablamos de Junichi Nakahara y su influencia en el Shoujo de los setenta. El autor, muy famoso en Japón, tuvo un estilo de dibujo muy bello el cual su autoridad sigue presente. El sitio español Ryuhikai tiene un escueto pero interesante artículo al respecto con una interesante galería de imágenes. Queremos destacar en el blog el hecho que Nakahara le gustaba dibujar mucho siluetas y figuras a contraluz, algo que fue influencial no solo para Hagio sino para directores como Kunihiko Ikuhara donde, por ejemplo, estas dos ilustraciones de Nakahara revelan parte de por qué existe esa iconografía clásica de él como las “hermanas kashira” en Utena. Imágenes cortesía de scans provenientes de Empty Movement.
Si estás involucrado/a en el mundo del shoujo esta anécdota es muy probable que la conozcas ya que se ha vuelto un clásico de redes sociales y lugares como Tumblr, pero algunos personajes masculinos creados no solo por Hagio sino por muchas mangakas de shoujo de los setenta fueron inspirados en Björn Andrésen, actor sueco conocido particularmente en occidente por su participación en Muerte en Venecia. Es casi unánime que su belleza fue pieza fundamental para crear el arquetipo bishounen del manga y el animé, algo predilecto de Moto Hagio.
Si bien la obra de Moto Hagio ha evadido el mundo del animé, algo que lamentamos, sus mangas sí han sido adaptados a otros medios. Uno de los que comentamos en el podcast fue el caso de 1999 Nen no Natsu Yasumi, una adaptación muy alocada y arthouse de Thomas no Shinzou realizada en 1988 y dirigida por Shuusuke Kaneko. Una de sus mayores características es que a pesar que el manga original está protagonizado solo por hombres adolescentes en el caso de la película estos hombres fueron interpretados por un elenco femenino que hizo un increíble trabajo. A título personal es, probablemente, mi adaptación favorita al live action que se haya hecho de un manga. Totalmente recomendada. Acá un pequeño extracto.
Finalmente (y muy anexo a todo) me fue mal buscando el soundtrack de la película para acompañar nuestro episodio (solo encontré tres temas en YouTube) así que para rellenar pero de buena manera decidí utilizar Cosmos, un fabuloso álbum de los setenta con temática espacial compuesto por el gigante del animé y el cine japonés Yuji Ohno que vale la pena le den la escuchada pertinente.
Otaku no Shouzou una vez más regresa a una franquicia de animé pre-2000 situada en la experiencia de la televisión abierta y el doblaje latino, tocando además otra serie extremadamente popular de la segunda mitad de los noventa, mitad que por varios motivos probablemente siempre será de las más conversadas en nuestro programa… y en esta oportunidad el nombre ni siquiera se sostenía solo por el animé, sino porque era parte de lo que se transformaría en la franquicia comercial más exitosa de todos los tiempos, así de gigante.
En esta oportunidad hablamos de la adaptación como animé de TV de Pokémon, la megafranquicia de Game Freak, The Pokémon Company y Nintendo que supondremos no requiere presentación, especialmente porque a diferencia de muchas series y películas que hemos hablado hasta este punto Pokémon es una marca que sigue tan estúpidamente viva y exitosa como lo era en sus primeros años, consagrándose como parte de la cultura popular con sus videojuegos y que ya hace mucho rato que es parte del conocimiento general de cualquier ser humano… a estas alturas Pikachu es más famoso que cualquiera de tus ídolos terrenales o religiosos favoritos, lo quieran o no.
Pokémon fue un emblema cayendo justo en medio del gran “boom” que el animé estaba viviendo en latinoamérica, por lo que la serie no solamente fue gigantescamente popular como en el resto del mundo sino que además iba de la mano con la locura otaku local, muy a pesar que estamos claros que esta serie es un kodomo y la gente que la disfrutó al 100% eran bastante más pequeños comparado al público de otras series o películas que hemos conversado en nuestro podcast hasta la fecha. A pesar de eso Pokémon tenía la ventaja de haber nacido en el mundo de los videojuegos en Game Boy, por lo que despertó la curiosidad “gamer” de gente que no era el público objetivo de todas formas.
En esta oportunidad conversamos de cómo conocimos la serie aunque a título personal y a diferencia de Pau yo viví las expectativas del animé debido a mi amor a los videojuegos, por lo que a diferencia de otras ediciones de Otaku no Shouzou en esta oportunidad dirigimos un poco nuestra conversación a Pokémon como juego, muy a pesar que solo fue un ratito ya que ustedes saben que esta no es nuestra prioridad. Posteriormente ya pasamos a la experiencia de la serie de TV, hablando de su equipo conformado por gente de Oriental Light and Magic quienes antes acá en nuestro país el mundo otaku los conocía por los OVAs de Gunsmith Cats, pelamos un poco sobre la localización norteamericana de la cual lamentablemente no nos salvamos de la mano de 4Kids, recordamos el doblaje latino con sus a ratos exagerada experiencia mexicanota que es para muchos inolvidable para bien o para mal y ya finalmente hablamos con spoilers de nuestros momentos y episodios favoritos, incluyendo además al tema hablar casualmente de las dos primeras películas de Pokémon, conocidas como Mewtwo Strikes Back y The Movie 2000 en el mercado gringo.
Obviamente debido a que Otaku no Shouzou habla exclusivamente de animé antes que terminara el año 2000 en este episodio tratamos sobre el animé de TV de Pokémon solo hasta la liga Johto, lo que como coincidencia y vivencia personal cercana fue un momento donde algunos abandonaron la serie cuando notaron que esto iba a ser eterno, lo que hasta la fecha se ha cumplido. Aprovechamos también en hacer un mea culpa con mencionar que la tercera película también es de antes de que acabara el 2000 pero bueno… tampoco nos alcanzaba el tiempo, así que por ahora la dejamos sin hablar de ella.
En este episodio tuvimos de invitada a Bea, amiga de hace muchos años quien es jueza Pokémon oficial y que es fanática de la serie desde que empezó en los noventa, siendo completamente el público objetivo de esa época y que fue bastante notorio durante el programa todo el amor que le tiene al animé en esos años.
Como siempre esperamos que disfruten de este episodio.
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BONUS: De seguro como chileno si viviste la época te acordarás de esto, pero como nuestra invitada no lo recordaba lo dejamos acá para que sufran con ella.
