No es ningún secreto para los seguidores de Otaku no Shouzou que acá en el programa le tenemos su prioridad no solo al shoujo como género sino que particularmente al legendario grupo del año 24, conjunto de mujeres que revolucionaron el manga durante los años setenta. Anteriormente habíamos hablado de Riyoko Ikeda, Moto Hagio y Keiko Takemiya con varias adaptaciones al animé de sus obras y en esta oportunidad nos tocó conversar sobre otro pilar fundamental del grupo, Yumiko Oshima.

Oshima es, dentro de las autoras que hemos mencionado, probablemente una de las más únicas del grupo donde su estilo destaca en tocar temáticas sobre la adolescencia y el dolor de crecer pero todo adornado con mucha ternura característica del shoujo, al punto que volvió popular el concepto del nekomimi y si bien Oshima no es fundadora o pionera de esta elección estética ni mucho menos sí lo llevó a volverse una tendencia en el manga gracias a su trabajo en Wata no Kunihoshi.

También conocida en el mercado occidental como Star of Cottonland, este manga fue publicado inicialmente en 1978 y se transformó en un enorme éxito para la autora debido a esta interesante mezcla de protagonismo por una “chica gata” que es en realidad una metáfora que nos lleva a una historia tierna pero a la vez dolorosa sobre el crecimiento. La obra fue lo suficientemente grande para tener varias adaptaciones, incluyendo discos de música y posteriormente una película de 1984 realizada por Mushi Production y que adapta la primera parte del manga de una manera muy bien lograda.

Durante este episodio conversamos sobre esta película en cuestión, aunque como ha sido la tónica en todos nuestros episodios sobre el grupo del año 24 igual decidimos otorgar algo de nuestro tiempo a conversar sobre la autora en profundidad, sobre la filosofía de su obra y sus otros trabajos. Ya posteriormente hablamos del filme sobre cómo lo conocimos, su producción en manos de la dirección de Shinichi Tsuji que a pesar de ser un trabajo bastante bueno fue su única película como director y ya posteriormente en lujo de detalles y spoilers en una producción que parece ser algo simplemente tierno pero que esconde mucho más que eso.

Era que no, en este episodio nos acompañó Lovechan quien ha estado en todos los episodios relacionados al grupo del año 24 y que a pesar que había visto la película en el pasado este repaso para Otaku no Shouzou la hizo revalorar el filme de mejor manera. Otro episodio que esperamos disfruten y que estamos seguros que no va a ser el último sobre este grupo en nuestro programa.

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BONUS: Durante este episodio estuvimos conversando sobre la evolución y cambio de estilo del manga de Wata no Kunihoshi que es notorio. Acá dejo una comparación entre el primer tomo y uno de los últimos.

Wata no Kunihoshi fue lo suficientemente popular como para tener mucho merchandising asociado. Dejamos acá una imagen de parte de eso.

Finalmente, esta es la ilustración que comenté en el programa que estaba a la venta como póster en Yahoo Auctions y que amaría tener.

Yeeey, Otaku no Shouzou regresa a conversar sobre el tópico más escuchado del programa: series o películas que dieron acá en latinoamérica y con doblaje por TV abierta antes del 2000 y en esta oportunidad nos vuelve a reunir por cuarta vez (!!!) las queridas CLAMP, el clásico grupo de mangakas que ya en el pasado hemos tocado con la película de X, los OVAs de Tokyo Babylon y la serie TV y películas de Cardcaptor Sakura.

En esta oportunidad le tocó el turno a Magic Knight Rayearth, la adaptación a TV por Tokyo Movie Shinsha que dieron en Japón entre 1994 a 1995. Una serie que para muchos fue su primera introducción a CLAMP en latinoamérica con el inolvidable nombre de Las Guerreras Mágicas y que llegó a Chile en las vacaciones de verano de 1998 en un recordado espacio infantil de Megavision. En ese entonces Rayearth fue una novedosa experiencia en el género del Isekai, actualmente muy explotado pero que para ese entonces era sosprendente y que acá nada más por coincidencia cayó justo en nuestro país en plena locura de los juegos RPG de PlayStation. Además de esto la serie no se quedó solo ahí, ya que también es recordada por su inusual mezcla de shoujo, robots gigantes, fantasía medieval y un sorprendente plot twist que genera un cambio tan grande que la serie salta de una temporada a otra, con Magic Knight Rayearth II.

Toda esta mezcla generó como resultado una serie muy interesante para esos años y si bien estaba supuestamente enfocada en un público femenino adolescente que en ese entonces estaba disfrutando todas las bondades del animé al final terminó capturando el corazón de todos por igual, con sus cosas buenas y malas… como el doblaje latino que honestamente tiene sus peros y que decidimos obviamente conversarlo en este episodio, tal como lo realizamos en el episodio de Detective Conan ya que hablamos de la misma gente a cargo, Point 360.

Durante el episodio conversamos sobre cómo la conocimos y sobre su producción la cual estuvo a manos de Toshihiro Hirano en la dirección (Vampire Princess Miyu) y Atsuko Ishida en diseño de personajes y directora de animación (Shamanic Princess). Finalmente hablamos de toda la serie con spoilers aunque seré sincero en decir que nos faltó muuuucho por comentar sobre ella por falta de tiempo… irónicamente en uno de los episodios de Otaku no Shouzou más extensos que hemos grabado.

En esta edición nos visita nuevamente nuestra querida Laruchan quien ya nos ha acompañado anteriormente en otros episodios de Otaku no Shouzou y que estuvo muy motivada en volver a ver la serie ya que no la había vuelto a ver desde hace muchísimos años. Como siempre esperamos que lo disfruten… y wow, casi de manera no intencional nos queda poco para básicamente platinarnos CLAMP en el programa jaja. De seguro a futuro hablaremos de los OVAs de Rayearth, algo que dejamos pendiente por ahora.

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BONUS: Durante el episodio fue inevitable hablar del doblaje latino de la serie hecho por Point 360, algo que nosotros pensamos con mucha honestidad que tiene cosas buenas y malas por igual… especialmente la masacre que realizaron con el opening Yuzurenai Negai, que en japonés es una maravilla. Durante el encierro del 2020 por la pandemia el grupo que dobló la serie realizó una conversación por Zoom que fue editada en el canal oficial de YouTube de Angelines Santana, la voz de Umi (Marina) y que deja a la luz varios detalles técnicos de lo que ocurrió. La conversación fue editada en tres tandas.

Si se quieren entretener un rato, un sitio muy antiguo y clásico sobre la serie en español tiene escrito todos los errores que se cometieron en el doblaje latino de Rayearth. Locura.

Con respecto a sobre “de qué se trata Rayearth” que hablamos al final del episodio, esto viene directo de una entrevista que realizaron a las CLAMP en 1996. Dejo acá el link a la entrevista traducida al inglés para el sitio Chibi Yuuto’s Chronicles.

Oh yeah, rápidamente llega un nuevo episodio de Otaku no Shouzou y en esta oportunidad nos unió nuevamente conversar sobre un trabajo de Kunihiko Yuyama pero esta vez en un tono totalmente diferente: la primera vez en nuestro podcast fue cuando hablamos de su trabajo en la inconmensurable adaptación al animé de Pokémon y ahora fuimos mucho más atrás, en su técnicamente debút directorial al mundo del cine en 1986 con Windaria.

Llegando al mercado japonés gracias a los estudios Gallop (muy famosos por Yu Gi Oh y Rurouni Kenshin, entre otros), Kaname Productions y la obscura Idol, Windaria apareció a mediados de los ochenta adaptando una novela original de Keisuke Fujikawa en un filme que sorprendió a muchos no solo por su alta calidad de animación sino también por su trágica historia. Una obra muy dramática que si bien comentamos que está basada en una novela lo cierto es que la base de su relato está realmente inspirado en uno de los cuentos de Ugetsu Monogatari, específicamente “Asaji ga Yado” el cual viene directo del lejano 1776. Estos cuentos ya habían tenido anteriormente a Windaria otras adaptaciones cinematográficas muy alabadas, entre ellas la increíble y maravillosa adaptación de 1953 por Kenji Mizoguchi que es una de mis películas japonesas favoritas de todos los tiempos.

Lo interesante del caso es que si el cuento original de Ugetsu Monogatari es muy tradicional y folclórico en Windaria nos encontramos todo esto mezclado con fantasía medieval e incluso ciencia ficción futurista todo en uno, casi como si fuera una demostración técnica de todo lo que sabía hacer con gracia la animación japonesa en ese momento y que venía con diseños de personajes muy detallados en manos de la tía Mutsumi Inomata, quien años después formaría toda una legión de fanáticos de sus ilustraciones por su trabajo en la franquicia de videojuegos Tales of. Si a todo esto le sumamos la excelente banda sonora de Satoshi Kadokura y Ryuji Sasai da como resultado una experiencia muy inolvidable y que muchos recuerdan acá en latinoamérica porque nos llegó doblada al latino… en manos de Harmony Gold. Esto último tiene el doble filo de siempre de esos años: poder ver una película de animé de gran calidad que en ese entonces no se podría haber hecho de otro modo, pero que lamentablemente fue “tijereteada” como Harmony Gold siempre hizo desde Robotech y que definitivamente no es para mejor, aunque está lejos de ser el ejemplo más grosero del caso.

Durante el episodio hablamos de cómo la conocimos, de su producción y del filme entero con lujo de detalles y spoilers, donde en esta oportunidad nos acompañó nuevamente nuestro querido Toñotech quien vio la versión de Harmony Gold cuando fue estrenada en Chile por Canal 13 en la segunda mitad de los ochenta y que dejó un enorme impacto en su vida como fan del animé. ¡Como siempre esperamos que disfruten de nuestro episodio!

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Otaku no Shouzou se vuelve a reunir para homenajear por segunda vez a nuestra querida Riyoko Ikeda: si tienen buena memoria recordarán que el 2021 hicimos un hermoso episodio dedicado a Versailles no Bara (o “Lady Oscar“), uno de los exponentes del shoujo más exitosos de todos los tiempos y si bien estamos claros que Versailles es por lejos su serie más popular también acá en el podcast tenemos mucho cariño y aprecio por su otra adaptación al mundo del animé, la compleja y controversial Oniisama e…

Durante el episodio hablamos de esta adaptación a la TV de 1991 del legendario manga que salió originalmente en el lejano 1974, poco después que Versailles había terminado. Para ese entonces Oniisama e impactó a sus lectores no solamente por el hermoso estilo de dibujo característico de Ikeda sino también por sus fuertes temáticas de relaciones entre los personajes, que si bien mucha gente la recuerda por ser un pionero del shoujo ai o yuri su historia también plasma intensas demostraciones sobre tópicos para ese entonces muy tabú, incluso para los noventa cuando llegó su adaptación en manos de la leyenda Osamu Dezaki, quien ya había trabajado con Ikeda en Versailles. Una producción que tuvo una muy buena crítica en la prensa especializada japonesa pero debido a que fue transmitida en una señal satelital pagada no mucha gente la pudo disfrutar en su momento en su país de origen. Esto ha generado que ha sido “redescubierta” con los años, especialmente cuando salieron los Blu Ray en Japón y posteriormente Estados Unidos hace no mucho tiempo atrás.

Como pueden imaginar conversamos sobre cómo la conocimos, de su llamativa producción con un estilo de dirección por parte de Dezaki muy de la escuela de los setenta a pesar de ser de 1991 y finalmente con spoilers. Queremos dejar en claro acá en el blog que, como mencionamos, esta serie es recordada por temáticas muy sensibles así que avisamos que puede ser un episodio un poco más denso de lo normal, especialmente porque tocamos algunos temas personales que fueron inevitables de conversar… y, hablando de inevitable, también comentamos sobre algunas de las diferencias de la serie de TV con el manga.

De seguro ya se lo estaban imaginando pero la invitada de este episodio fue Lovechan quien ya nos había comentado anteriormente en el episodio de Versailles que Oniisama e es uno de sus animé favoritos, así que acá la tuvimos una vez más en otro episodio que esperamos disfruten.

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BONUS: Acá están mis dos “postales de Dezaki” favoritas de la serie que comenté al final del episodio, aunque honestamente podría tener un libro de arte completo de estos encantado. Click en ellas para expandir en su calidad real.

También adjunto la entrevista que le hicieron a Riyoko Ikeda y Osamu Dezaki sobre el animé cuando apenas salió, que si bien no tiene subtitulos alguien la tradujo al inglés en los comentarios del video.

¿Se acuerdan que nada más en el episodio anterior nos estábamos disculpando por el largo retraso de Otaku no Shouzou? well… acá estamos de vuelta dos meses después. Lo sabemos, ha sido un año lento para el podcast pero la vida real ha ganado, por no decir que uno de los motivos de peso fue porque Pau estaba de vacaciones.

Sea como sea estamos de vuelta y una vez más tocamos el tópico de las experiencias del mundo otaku pre-2000 en otros países, nuestros episodios especiales que nos entretienen mucho ya que siempre es muy interesante escuchar qué ocurría en otros lados. Anteriormente habíamos realizado los episodios dirigidos a México, Colombia y Argentina, pero en esta oportunidad y por primera vez Otaku no Shouzou escapa de nuestro continente y tiene como tópico la experiencia de España.

Este episodio de Otaku no Shouzou es muy importante ya que España fue por lejos, junto con los doblajes de México, una de las influencias extranjeras más grandes que tuvimos a la hora de nutrirnos con el tema del manga y el animé por el simple hecho que, a diferencia de acá, España tenía toda una industria gigante y legal como país de primer mundo… y bueno, sí, les pirateamos casi todo (jaja) pero fuera de eso la llegada de sus mangas, las cintas de VHS y las revistas de animé fueron de una importancia primordial.

Durante el capítulo tuvimos de invitado a Evil Ryu quien es oriundo de Barcelona y que hace ya casi 11 años atrás me acompañó a mí en un episodio de Gamercafe Podcast sobre el tema de los videojuegos en España, así que fue obligatorio para mí tenerlo de invitado en este episodio siendo alguien que disfrutó mucho del mundillo en esos años. ¡Como siempre esperamos que lo disfruten!

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Sí, lo sabemos, este debe ser probablemente el parón más largo que ha tenido Otaku no Shouzou en toda su historia pero entre medio ocurrieron un montón de cosas, que incluyen problemas de salud tanto mío como de Pau, aunque ahora ya todo está bien y estamos de vuelta con otro bello episodio de nuestro podcast.

Si han seguido el programa desde el principio ya de seguro sabrán que somos seguidores de la extensa y alabada obra de Studio Ghibli, lo que ha generado que no solamente hemos hablado de sus producciones sino que además hemos conversado de películas o series que tienen que ver con su equipo pero que no son parte de su repertorio, como por ejemplo The Last Unicorn, Lupin III: El Castillo de Cagliostro, Mirai Shounen Conan o Taiyou no Ouji: Horus no Daibouken. Sin embargo en esta oportunidad decidimos hablar de una película que no solamente tiene que ver con una persona específica que ha trabajado en Ghibli sino que además, debido a su inconfundible estilo de diseño de personajes, hasta la fecha ha generado confusiones al punto de ser introducida al repertorio de Ghibli de manera errónea.

Esta película es Kumo no you ni, kaze no you ni, título traducido al español a “Como las nubes, como el viento“, un filme que apareció en 1990 de manera casi exclusiva para la televisión pública japonesa y que fue realizada por Studio Pierrot. Una producción que si bien tiene sus seguidores y en Japón todavía es moderadamente recordada, por estos lados es más bien una película oscura que por décadas ha generado confusiones debido a que el diseño de personajes fue realizado por Katsuya Kondo, legendario animador e ilustrador que ha trabajado por años en Studio Ghibli y que su estética ha dejado un enorme legado en el estudio, especialmente con su maravilloso diseño de personajes en Majo no Takkyuubin. Actualmente esta película ha metido más ruido debido a su mayor accesibilidad en internet gracias a estar disponible en Amazon Prime y además con una nueva edición en Blu Ray que salió hace muy poco, así que era el momento perfecto para hablar de ella. Además de esto, hasta la fecha nunca en el programa habíamos hablado sobre Hisayuki Toriumi, su director que además es muy respetado y conocido en Japón por su paso en la querida Gatchaman (o Fuerza-G como la conocimos acá).

Durante el episodio hablamos de cómo la conocimos, de su producción y finalmente de la película con spoilers, aunque debido a temas varios este episodio duró un poco menos de lo normal y no pudimos hacer el repaso con lujo de detalles que siempre hacemos. A pesar de todo la conversación sumó otro punto que tomó mucho tiempo: la identificación de qué es exactamente el “estilo Ghibli” y sus imitadores, ya sea de manera legítima (o con gente ex-Ghibli involucrada) o como tributo. Una conversación que llevó a hablar de cómo reaccionamos la primera vez con películas como Mary to Majo no Hana que hasta la fecha mucha gente todavía cree equivocadamente que es un filme de Studio Ghibli y probablemente ocurrirá de por vida. Todo esto para dejar en total una entretenida conversación sobre esta película que tiene cosas buenas y malas por igual y que lo criticamos durante el programa.

En este episodio tuvimos nuevamente de invitada a la querida Daniela Pino quien nos ha acompañado anteriormente exclusivamente en episodios de Ghibli y que ahora la queríamos tener presente para saber su opinión sobre una película de estas características. ¡Esperamos que lo disfruten!

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Aviso: Debido a que no existe el soundtrack oficial de esta película decidimos poner de música de fondo un compilado de canciones japonesas tradicionales que hemos usado en otros episodios.

Una vez más la conversación de Otaku no Shouzou se centra en la figura del legendario y querido Mamoru Oshii, quien ya se nos ha asomado en episodios como Tenshi no Tamago, Ghost in the Shell o Gosenzo-sama Banbanzai, aunque en esta oportunidad no hablaremos de una película o serie que fue dirigida por él sino escrita y que es parte de una franquicia que ya lleva casi 40 años en Japón.

Esta película es Jin-Roh, producción para el cine que salió en 1999 gracias a la mano de Production I.G. y que dentro del círculo otaku de la época generó su resto de ruido antes de su lanzamiento debido a que era el próximo filme de Mamoru Oshii después del gigante éxito de Ghost in the Shell. A pesar que la historia y el concepto es 100% de la mano creativa de Oshii, se tomó la decisión finalmente de darle la dirección a Hiroyuki Okiura quien había trabajado como director de animación en varias producciones de Oshii en el pasado, además de trabajar en series muy alabadas como Record of Lodoss War.

Durante el episodio hablamos de cómo la conocimos, de su producción y de la película con lujo de detalles y spoilers al estilo de siempre, sin embargo este episodio de Otaku no Shouzou dio varias vueltas: debido a que nos era imposible no tocar el tema, conversamos brevemente sobre la experiencia completa de Kerberos Panzer Cop, la franquicia donde Jin-Roh es nada más y nada menos que la tercera parte y que las dos películas anteriores no son de animé, sino live action. Estas dos películas fueron dirigidas por Mamoru Oshii y tienen todo el toque teatral y de arthouse muy al estilo de lo que conversamos en Gosenzo-sama, pero que avisamos que NO es necesario verlas para entender Jin-Roh. Estos dos filmes son Akai Megane de 1987 y StrayDog de 1991.

Además de esto también hablamos del inesperado remake de Jin-Roh del 2018 que fue hecho en live action, en Corea del Sur y bajo la dirección de Kim Jee-woon. Una película que cayó a Netflix y que para Pau fue su mayor sorpresa al enterarse de su existencia, siendo uno de los motivos principales de por qué decidimos realizar este episodio que esperamos disfruten.

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BONUS: A pesar que el soundtrack de Jin-Roh es bastante bueno (compuesto por Hajime Mizoguchi y con la participación de Yoko Kanno quienes eran matrimonio en ese entonces) tal como prometí en el episodio decidí destacar particularmente la banda sonora del segundo filme StrayDog debido a que el trabajo de guitarra acústica del maestro Kenji Kawai es simplemente espectacular y es probablemente mi descubrimiento favorito en la realización de este episodio.

Frente al tema político del filme que conversamos en el episodio y que no puedo detallar acá porque sería spoilers para algunos, acá está la fuente.

Sabemos que muchos lo estaban esperando y así es señores: el camino de Otaku no Shouzou a cubrir lo que podamos de Dragon Ball sigue adelante con un nuevo episodio y a pesar que de seguro algunos pensaban que nuestra siguiente etapa era conversar sobre Dragon Ball Z eso va a quedar para la próxima oportunidad, ya que decidimos hablar de algo que todavía sigue metido en las historias del pequeño Son Goku pero en el formato cinematográfico: las películas de Dragon Ball.

Y cuando nos referimos a las películas de Dragon Ball es a todo lo que todavía no llega a la era de Z, cubriendo lo que podríamos llamar como “dos eras”: los tres primeros filmes de los ochenta y la película de 1996 que salió para celebrar el ahora ya lejano décimo aniversario del animé de TV. Estos filmes son La Leyenda de Shenlong, La Princesa Durmiente del Castillo del Mal, Aventura Mística y El Camino Hacia el Más Fuerte.

Durante el episodio hablamos de cómo las conocimos, un tema llamativo como seguidores de Dragon Ball ya que es más o menos unánime la opinión que las películas de Dragon Ball “clásico” no tuvieron la misma fama que las extremadamente populares películas de Dragon Ball Z y que, además, dejó confundido a más de una persona ya que a diferencias de los filmes de Z estas producciones destacan por ser una suerte de “spin-off” o “universo alternativo” que no tienen absolutamente nada que ver con la serie de TV. A pesar de todo Aventura Mística tuvo su cierto ruido en Chile debido a que salió el álbum de Salo relacionado, que en la actualidad es bastante caro y difícil de conseguir. Posteriormente hablamos de su producción y de los filmes con spoilers, aunque no con el lujo de detalle que hacemos en la mayoría de nuestros episodios ya que son cuatro películas y el tiempo era limitado.

El invitado de este episodio es nuestro querido amigo Daniel Madrid que ya nos acompañó en el episodio anterior de Dragon Ball y que va a estar durante todo nuestro viaje, una persona que le tiene mucho cariño a estas películas y que quedó demostrado en este episodio que esperamos disfruten… y sí, se viene Dragon Ball Z en el próximo episodio dedicado a la franquicia, prometido.

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BONUS: Anexo a este episodio, la “cara de Doremi” del filme de Street Fighter Alpha que hablamos.

Al fin las cosas se han calmado un poco y Otaku no Shouzou continúa rápidamente con un nuevo episodio, esta vez uno que yo y Pau llamamos “el episodio maldito” debido a que nos enfrentamos a muchos problemas durante dos meses para poder realizarlo… pero finalmente acá estamos listos.

Y vaya episodio el que tocó ser el maldito, ya que este es por lejos uno de los más polarizados que hemos tenido internamente en el programa, que por un lado yo lo disfruté (aunque está lejos de ser de mis favoritos) y por otro Pau simplemente no pudo terminar de ver la serie por su disgusto con la trama: hablamos de Gosenzo-sama Banbanzai!.

Realizada entre los años 1989 a 1990 por Studio Pierrot para celebrar su décimo aniversario, al staff no se le ocurrió mejor idea que darle chipe libre a nada más y nada menos que el legendario Mamoru Oshii para hacer lo que quisiera en seis OVAs. Esto de “lo que quisiera” lo remarcamos en todo sentido de la expresión porque Oshii nos entregó una de sus obras más difíciles de acceder por su complejidad… y sí, lo sabemos, estamos hablando de la misma persona que dirigió Tenshi no Tamago y Ghost in the Shell, así que imaginen el nivel de volada de tolueno que estamos tratando.

Durante estos seis episodios Gosenzo-sama Banbanzai! nos entregó una intrincada historia de una familia que es visitada por un pariente del futuro. Toda esta historia, que juega con la ciencia ficción y la comedia, está completamente enlazada con larguísimos diálogos e interpretaciones que vienen directo del amor de Oshii al teatro japonés, al punto que los OVAs incluso tienen risas y aplausos del público encima. Lo que suena como a una cosa más bien anecdótica y simpática en la práctica lo deja como algo bastante único y, a la vez, complejo de digerir si no estás concentrado como debe.

Queremos de paso comentar que Gosenzo-sama tiene una adaptación al cine llamada Maroko pero que es solamente un resumen de la serie en una hora, al parecer desacreditada por el mismo Oshii, así que por tiempo decidimos no hablar de ella.

En este episodio hablamos de cómo la conocimos, que en mi caso personal no fue hace muchos años atrás y que tuvo que ver con el hecho que Kunihiko Ikuhara, director de Utena, ha comentado públicamente que es su trabajo favorito de Oshii. Esto fue notorio tanto para mí como para Pau al recordar el estilo directorial de Ikuhara, especialmente con las hermanas Kashira de su serie, por lo que la curiosidad fue más grande. También y como es lo habitual hablamos de su producción y de la serie con spoilers, aunque en esta oportunidad debido a que Pau no la terminó de ver fue más bien una conversación de lo que –nosotros– creemos que la serie quiere entregar.

Y hablando de cosas que eran de esperarse, en este episodio nos acompañó nuestra querida Lovechan quien igual tuvo problemas para digerir la serie pero que tuvo otras visiones al respecto para extender la conversación en otro episodio que esperamos disfruten y que por varios motivos es uno de los más cortos que hemos grabado.

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BONUS: Tal como les comentamos en el episodio Gosenzo-sama está en Nico Nico Douga desde el 2008, algo que rara vez pasa porque Nico Douga es conocido por tener fuertes políticas de copyright. Obviamente solo en japonés, pero me pareció muy atípico.

Este nuevo episodio de Otaku no Shouzou viene a cerrar lo que llamamos de manera no oficial el repaso por lo que fue “La noche de los vampiros robots“, una suerte de festival de cine de animé que transmitió Cartoon Network a mediados de los noventa y que tuve la gran fortuna de poder verlo en esos años. Ese segmento trajo a las pantallas de este canal las películas Robot Carnival, Vampire Hunter D y la que hablaremos en este episodio.

Este filme es Gokiburi-tachi no Tasogare, filme de 1987 conocida en el mercado norteamericano como Twilight of the Cockroaches y que por estos lados los pocos que la vieron en su momento la conocimos con el nombre en inglés. Una película que el tiempo ha sido extremadamente injusta con ella puesto que es de una gran calidad y, de las tres, es sin lugar a dudas la más under y difícil de pillar en estos tiempos. Un filme que, aunque las tres películas exhibidas fueron una suerte de riesgo para Cartoon Network en esos años, esta es por lejos la que probablemente hizo más dudar a los dueños del canal por su inusual temática.

Durante el episodio hablamos en extenso de esta película que no solo es de una gran calidad, sino que además fue toda una locura en su producción y propuesta sobre la supervivencia de unas cucarachas que combina la animación tradicional con el live action, la fotografía e inclusive el stop motion, dirigida por Hiroaki Yoshida quien falleció el año pasado y que es su única película de animé, lo que la vuelve todavía más mística.

Como siempre lo hemos hecho hablamos de cómo la conocimos, algo que me marcó mucho personalmente por haberla visto con apenas 10 años y a pesar que es la película más oscura de las tres fue la que dejó el mayor impacto en mi vida, además de su producción y detalles técnicos (en esta oportunidad muy difíciles de conseguir con exactitud) y ya posteriormente del filme entero con lujo de detalles y spoilers.

¡Como siempre esperamos que disfruten de nuestro podcast!

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BONUS: Durante el programa comentamos que la excelente banda sonora de la película fue compuesta por Morgan Fisher, tecladista de la banda Mott the Hoople que es recordada hasta nuestros días por el popular tema All The Young Dudes, himno del glam rock. Lo curioso del caso es que el soundtrack de la película existe pero no salió bajo el nombre de ella, sino que es parte de la discografía solista de Fisher con el nombre de Life Under The Floor. Un muy buen disco de piano y sintetizadores que es totalmente recomendable incluso sin haber visto el filme y que está disponible en YouTube (de manera no oficial, así que esperemos se mantenga arriba lo más que se pueda).